Acasă » clasa a 5-a » În ce stil a lucrat Rembrandt? Rembrandt harmens van rijn - biografie și picturi. Decolorarea gloriei. Greutățile vieții

În ce stil a lucrat Rembrandt? Rembrandt harmens van rijn - biografie și picturi. Decolorarea gloriei. Greutățile vieții

Rembrandt, Harmens Van Rijn(Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606-1669) - cel mai mare artist, pictor, desenator, gravor, care a trăit în secolul al XVII-lea. in Olanda.

Pe 15 iulie 1606, la Leiden, morarul bogat Harmen Gerrits și soția sa Neeltge Willems van Zeitbroek au avut un al șaselea copil, pe nume Rembrandt. Moara nu era departe de Rinul care traversa orașul, așa că Harmen Gerrits a început să se numească van Rijn, iar întreaga familie a primit această adăugare la nume de familie.

Părinții, dându-i lui Rembrandt o educație bună, au vrut ca acesta să devină om de știință sau funcționar. Studiază la școala latină, iar apoi din 1620 - la Universitatea din Leiden, pe care o părăsește fără a o finaliza. Pofta de desen, care s-a manifestat încă din copilărie, l-a condus la atelierul pictorului local Jacob van Swanenburg, care l-a învățat pe Rembrandt elementele de bază ale desenului și picturii, l-a introdus în istoria artei. După ce a studiat cu el timp de trei ani, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam în 1623 și și-a continuat studiile cu celebrul pictor Pieter Lastman (1583-1633). Dar antrenamentul a durat doar șase luni. În 1624, Rembrandt s-a întors la Leiden și acolo, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis propriul atelier de pictură.

În secolul al XVII-lea în Olanda, după victoria asupra Spaniei, catolicismul a fost interzis; protestantismul nu permite decorarea pitorească în biserici. Prin urmare, biserica, care era cel mai mare client al picturii, pierde acest rol, iar burghezia mare și mijlocie, orășenii înstăriți, ies în prim-plan. Tablourile destinate decorarii caselor burghere trebuie acum să răspundă noilor provocări. Mărimile se schimbă, apar subiecte noi, există o împărțire în genuri de pictură, interes pentru genul cotidian, peisaj, natură moartă, portretul crește, se formează un tip de portret de grup. Rembrandt învață de la artiștii din trecut și de la contemporanii săi, stăpânește tehnica picturii și gravurii. Studiază arta Italiei din turnări, gravuri, copii și percepe principiul umanist al artei italiene. Stilul baroc, care a apărut în secolul al XVII-lea, a avut, de asemenea, o mare influență asupra operei sale, dar sofisticarea, fastul și teatralitatea accentuată a acestui stil erau departe de căutarea lui Rembrandt. A fost un admirator al operei lui Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), fondatorul tendinței realiste în pictura europeană din secolul al XVII-lea.

Deja în portretele lui Rembrandt din perioada Leiden este vizibil interesul artistului pentru lumea interioară a omului. Concentrându-se pe dezvăluirea stării de spirit a persoanei înfățișate, el omite detalii secundare ( Portretul unui bătrân războinic, BINE. 1630, Sankt Petersburg, Schitul de Stat). Ei creează primele imagini ale complotului ( Expulzarea negustorilor din templu, 1626, Moscova, Muzeul Pușkin im. A.S. Pușkin; schimbător de bani, 1627, Berlin-Dahlem), picturi în centrul cărora oamenii de știință ( Convorbiri ale înțelepților, 1628, Melbourne, National Gallery; om de știință la masă, 1628, Londra, National Gallery; Portretul unui om de știință, 1631, Sankt Petersburg, Schitul de Stat). Studiind cu atenție arta gravurii, el realizează multe desene, gravuri, gravuri.

La sfârșitul anului 1631, Rembrandt, un renumit pictor portretist și autor de picturi istorice, s-a mutat la Amsterdam, cel mai mare oraș comercial. Unul dintre primele tablouri pictate de Rembrandt la Amsterdam a fost pictura Lecția de anatomie de la Dr. Tulp(1632, Haga, Mauritshuis), referindu-se la tradițiile portretului de grup. Artistul transmite asemănarea portretistică a tuturor personajelor, dar spre deosebire de tradițiile unui portret de grup, în care fiecare dintre cei portretizați ocupă o poziție echivalentă, aici toate personajele sunt subordonate emoțional tulpilor. Tabloul a stârnit un mare interes, iar Rembrandt a devenit unul dintre tinerii portretişti la modă din Amsterdam.

În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu fiica fostului primar din Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, un patrician nobil și bogat. După ce s-a căsătorit, își cumpără o casă mare. Mobilizând casa cu lucruri de lux, artistul creează o colecție bogată, care a cuprins lucrări ale lui Raphael, Giorgione, Durer, Mantegna, van Eyck, gravuri din lucrările lui Michelangelo, Tițian. Rembrandt a colecționat miniaturi persane, vaze, scoici, busturi antice autentice, porțelan chinezesc și japonez, sticlă venețiană, țesături orientale scumpe, costume ale diferitelor națiuni, tapiserii și instrumente muzicale.

În anii 30, Rembrandt a fost un artist prosper, de succes, bogat, ceea ce se reflectă în lucrările sale. În multe picturi, el o portretizează pe iubita sa soție Saskia ( Portretul lui Saskia zâmbitoare, 1633, Dresda, Galeria de Artă; Floră, 1634, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat; nunta lui Samson, 1638, Dresda, Galeria de Artă de Stat). Faimosul Autoportret cu Saskia genunchi(1635, Dresda, Galeria de Artă de Stat). Se arată ca un cavaler vesel cu un pahar de vin, care o îmbrățișează pe Saskia pe jumătate întoarsă, care stă în poală cu spatele la privitor. Poza este plină de vitalitate, energie și pătrunsă de dragoste pentru soția sa. Picturi celebre pe teme biblice aparțin aceleiași perioade ( Sărbătoarea lui Belşaţar,1634, Londra, National Gallery; Sacrificiu Avraam, 1635, Sankt Petersburg, Schitul de Stat), peisaje ( Peisaj cu un iaz și un pod arcuit, 1638, Berlin-Dahlem; Peisaj cu furtună, 1639, Braunschweig, Muzeul de Stat al Ducelui Anton Ulrich), portrete ceremoniale, gravuri. Acesta este momentul în care Rembrandt își perfecționează tehnica de pictură și desen, dând creațiilor sale cea mai mare expresivitate și profunzime. Studiind metodele tradiționale de scriere și abordările dezvăluirii subiectelor, în opera sa se îndepărtează din ce în ce mai mult de aceste tradiții. În loc de lovituri netede, glazurate, care sunt aplicate în straturi subțiri de vopsele transparente și translucide peste un strat dens de vopsele și creează o singură suprafață picturală a pânzei, el pictează tablouri cu linii ascuțite, păstoase, abandonând treptat detaliile detaliate.

La începutul anilor 1940, Rembrandt era un pictor popular și foarte plătit. În anii 1930 a pictat aproximativ 60 de portrete la comandă. Are vreo 15 elevi. Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt din această perioadă este Danae(1636-1646, Sankt Petersburg, Schitul de Stat). După ce a plasat eroina mitologică într-un alcov luxos al unei case olandeze bogate burgheze, el prescrie cu măiestrie un baldachin de catifea, perne brodate inteligent, admiră razele de lumină aurie, valuri moi care inundă frumosul corp gol al lui Danae.

A început să lucreze la imagine într-o perioadă de fericire în familie, la apogeul faimei. Dar în anii următori, multe s-au schimbat: trei dintre copiii lui Rembrandt mor, la câteva luni după nașterea ultimului fiu, Titus, soția iubită a lui Saskia a murit (1642), în curând își pierde mama și surorile. Unul dintre ultimele portrete ale soției sale a fost Ultimul portretul lui Saskia(1643, Berlin-Dahlem).

La începutul anilor '40, Rembrandt a primit un ordin de la căpitanul trupei de pușcași Frans Banning-Cock pentru un portret mare de grup al echipei pentru sala principală a noii clădiri a Breslei de pușcași din Amsterdam. Faimosul Veghea de noapte(1642, Amsterdam, Rijksmuseum) (3,87–5,02 m). Un detașament de 18 figuri este un singur grup coeziv, înconjurat de orășeni. Săgeți care ies din arcul clădirii către piața iluminată, sub un steag fluturat. Portretul de grup capătă caracterul unui fel de tablou istoric în care Rembrandt întruchipează ideea sa despre idealurile civile. Părerile contemporanilor despre pictură au fost împărțite: unii au văzut imediat capodopera, alții, inclusiv clienții, au constatat că pictura nu îndeplinește tradițiile unui portret de grup. Prin urmare, a fost atârnată într-un alt loc, mai mic, care nu i-a fost destinat, tăind pânza pe toate părțile, ceea ce a încălcat compoziția imaginii. În ciuda acestui fapt, ea este un exemplu de neegalat de portret de grup, în care fiecărui personaj i se oferă o caracteristică psihologică clară.

Anii 50 și 60 au fost marcați de crearea unor capodopere remarcabile, precum și de adâncirea conflictului artistului cu autoritățile. Nemulțumirea autorităților a fost cauzată de faptul că Hendrikje Stoffels, un fost servitor în casa Rembrandt, îi devine soția de drept comun. Artista nu s-a putut căsători oficial cu ea, pentru că. conform voinței lui Saskia, Rembrandt, la intrarea într-o nouă căsătorie, va fi lipsit de dreptul de a fi gardianul moștenirii fiului său Titus. Biserica a persecutat-o pe Hendrickje pentru relația ei, nu sfințită prin căsătorie.

Rembrandt îl portretizează în mod repetat pe Hendrickje, ea devine modelul lui ( Portretul lui Hendrickje în haine bogate, 1654, Paris, Luvru; Portretul lui Hendrickje Stoffels, 1657-1658, Berlin-Dahlem; imaginea Mariei din imagine Sfânta Familie, 1645, Sankt Petersburg, Schitul de Stat, inspirat tot din trăsăturile ei).

Rembrandt este aproape complet lipsit de comenzi. În acest moment, el pictează imagini pe teme biblice și mitologice: Iosif, acuzat de soţia lui Pentephry(1655, Washington, Galeria Națională), Hristos la Emaus(1648, Paris, Luvru). În centrul operei lui Rembrandt se află un om, lumea lui interioară, experiențele și bucuriile. Acordând o mare atenție portretelor, el se concentrează pe dezvăluirea lumii spirituale a modelelor sale: Portret Doamne în vârstă(1654, Moscova, Muzeul de Stat de Arte Plastice Pușkin), Portretul unui bătrân în roșu(1654, Sankt Petersburg, Schitul de stat), Titus citind(c. 1657, Viena, Kunsthistorisches Museum), Portret Yana Six(1654, Amsterdam, Colecția celor șase). Autoportretele târzii ale artistului aparțin și ele aceluiași tip de portrete, izbitoare prin versatilitatea caracteristicilor psihologice: auto portret(c. 1652, Viena, Kunsthistorisches Museum), auto portret(1660, Paris, Luvru). Rembrandt primește comisii de pictură atât de rare la acea vreme: Aristotel reflectând asupra bustul lui Homer(1653, New York, Metropolitan Museum of Art).

După ce a achiziționat o casă de lux în anii de prosperitate financiară, Rembrandt a plătit doar jumătate din sumă. Datoriile rămase, mai ales după moartea lui Saskia, l-au condus treptat pe artist la faliment. Creditorii depun procese formale, solicită o decizie judecătorească cu privire la închisoare. Rudele lui Saskia sunt incluse și în campania de hărțuire a artistului, cu care Rembrandt a avut un conflict în timpul vieții lui Saskia, pentru că. susțineau că artistul risipește averea soției sale. Deși în acel moment Rembrandt a strâns o avere prin munca sa care depășea dăruirea soției sale, el a adunat o colecție magnifică de comori de artă. Din nou, biserica condamnă coabitarea sa cu Hendrikje, fiica lor Cornelia fiind declarată ilegitimă. În 1656, printr-o hotărâre judecătorească, Primăria din Amsterdam l-a declarat pe Rembrandt debitor insolvent, a fost efectuat un inventar al proprietății, iar în 1656–1658 a fost vândut. Valoarea reală a proprietății artistului era de câteva ori mai mare decât mărimea datoriilor sale: colecția a fost evaluată la 17.000 de guldeni. Cu toate acestea, a fost vândută cu doar 5 mii, casa a fost evaluată la jumătate din costul inițial. Dar nu toți creditorii au fost mulțumiți. Iar instanța a decis că toate tablourile care vor fi create de artist trebuie vândute pentru achitarea datoriilor, instanța l-a lipsit și pe Rembrandt de dreptul de a avea proprietate, cu excepția lucrurilor purtabile și a rechizitelor de desen, ceea ce a însemnat o existență cerșetoare. Familia Rembrandt se mută în cel mai sărac cartier din Amsterdam. Titus, după ruinarea tatălui său, pentru a-și face proprietatea complet inaccesibilă creditorilor lui Rembrandt, întocmește un testament în care își lasă întreaga avere surorii sale Cornelia și îl numește pe Rembrandt tutore cu drept de folosință a banilor. .

În ciuda situației dificile, Rembrandt continuă să scrie. Acestea sunt în principal autoportrete, portrete ale rudelor ( Portretul lui Titus, 1660, Baltimore, Collection of Jacobs), se referă din nou la imaginea lui David biblic ( David înaintea lui Saul, 1657, Haga, Mauritshuis).

În 1660, Titus și Hendrickier deschid un magazin de antichități, unde Rembrandt a fost angajat de un expert. Și deși, printr-o hotărâre judecătorească, picturile proaspăt pictate de Rembrandt urmau să fie trecute la dispoziția creditorilor, contractul de angajare a acestuia i-a oferit artistului posibilitatea de a-și transfera lucrările la un magazin de antichități. Acest lucru a permis familiei să-și mărească veniturile și să-și cumpere o casă. Încă o dată, artistul apelează la autoportrete, la picturi pe o temă biblică ( Artaxerxe, Haman și Estera, 1660, Moscova, Muzeul Pușkin im. A.S. Pușkin). Printre alți artiști, primește ordin de decorare a Primăriei din Amsterdam ( Conspirația lui Julius Civilis sau Jurământul Bothavilor, 1661, Stockholm, Muzeul Național). Pictura (aproximativ 30 de metri pătrați) este returnată artistului „pentru corectare”. Dar Rembrandt a refuzat să facă modificări, iar ordinul a fost dat altui artist. Pe o parte a acestei pânze, Rembrandt a finalizat o altă comandă - celebrul portret de grup Sindicilor(1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Sindicii, maiștrii, corporațiile magazinului de pânze sunt așezate la masă în costume negre formale. Claritatea și echilibrul compoziției, zgârcenia și acuratețea selecției detaliilor, crearea unei imagini integrale a unui grup de oameni, un unghi neobișnuit care subliniază natura monumentală a imaginii, solemnitatea a ceea ce se întâmplă - toate aceasta trimite imaginea la marile capodopere ale picturii.

În 1663, Hendrickje moare, lăsând un anticariat lui Titus și o mică moștenire lui Rembrandt. Rembrandt devine gardianul fiicei sale Cornelia. După o pauză creativă de doi ani, pictează o serie de tablouri celebre: David și Urie(1665, Sankt Petersburg, Schitul de stat), mireasă evreiască(1665, Amsterdam, Rijksmuseum), Portret de familie(1668–1669, Breingschweig, Muzeul de Stat Duce Anton Ulrich). Dar adevărata apoteoză a tuturor operei lui Rembrandt a fost pictura Întoarcerea celui risipitor fiul(1668–1669, Sankt Petersburg, Schitul de Stat). În repetate rânduri, artistul a apelat la acest subiect (schițe și schițe se găsesc deja în anii 30). Pe o pânză uriașă (260 × 205 cm), este prezentată din spate o figură îngenunchiată a unui fiu care s-a întors la adăpostul tatălui său. Figura lui întruchipează remuşcările unui bărbat care a trecut pe calea tragică a învăţării despre viaţă. Chipul înțelept și spiritualizat al bătrânului părinte, sfințit de mare bunătate, acceptând și iertându-și fiul, este o capodopera a lui Rembrandt, un maestru care știe să pătrundă în sufletul personajelor sale și să-și arate toate experiențele pe pânză. Aceasta este o imagine a suferinței și a iubirii mari.

În februarie 1668, Titus s-a căsătorit cu Magdalena van Loo, dar a murit la scurt timp după aceea. Acest lucru i-a dat o lovitură zdrobitoare lui Rembrandt, iar la 8 octombrie 1669, el moare în brațele fiicei sale Cornelia.

Moștenirea creativă a lui Rembrandt este uriașă: aproximativ 600 de picturi, aproape 300 de gravuri și 1400 de desene. A afectat munca elevilor săi, dintre care cei mai cunoscuți sunt Gerrit Dou, Gowart Flink, Samuel van Hoogstraten, Karel Fabricius, Nicholas Mas. A influențat și dezvoltarea artei mondiale în general, deși a fost apreciată mulți ani mai târziu. O paletă tematică largă, umanismul, căutarea mijloacelor artistice expresive, cea mai mare pricepere au permis artistului să dea viață ideilor avansate ale vremii. Emoționalitatea lucrărilor sale este mare, creată de culoarea picturilor, care este construită pe o combinație de tonuri apropiate calde și cele mai fine nuanțe de culoare. Rembrandt a lăsat o uriașă moștenire picturală, creând picturi pe teme biblice, istorice, mitologice și cotidiene, portrete și peisaje, a fost un mare maestru al gravurii și gravurii. În munca sa, el a acordat atenția centrală unei persoane, lumii sale interioare, experiențelor sale, dezvăluirii bogăției sale spirituale. Figura creativă a lui Rembrandt se ridică de-a lungul veacurilor alături de cei mai mari reprezentanți ai artei mondiale.

Nina Bayor

Republica Bashkortostan

Școala de artă pentru copii nr 2

Rezumat pe tema:

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Efectuat Pupila 33 gr.

Pilyugina Anna

Verificat de Sevastyanova I.A.

Ufa, 2007

1. Introducere

2. Biografie

3. Creativitate

4. Analiza muncii

5. Concluzie

Introducere.

Olanda în secolul al XVII-lea a fost una dintre cele mai bogate țări din Europa. Mărfuri din întreaga lume s-au adunat în capitala sa, Amsterdam. Comercianții și bancherii olandezi bogați doreau ca opere de artă să reflecte întreaga lor viață. Pictura era la acea vreme cea mai populară și dezvoltată formă de artă. Fiecare olandez mai mult sau mai puțin bogat a considerat tabloul cel mai bun decor al casei sale. Potrivit unui contemporan, în orașele olandeze „toate casele erau pline de tablouri”. În ciuda faptului că unii artiști au pictat mai ales portrete, alții - scene de gen, alții - naturi moarte, al patrulea - peisaje, toți s-au străduit să înfățișeze viața înconjurătoare în mod realist: sincer, simplu, fără înfrumusețare. Au reușit și mulți dintre ei au devenit faimoși timp de secole. Dar oricât de înaltă a fost priceperea pictorilor olandezi din secolul al XVII-lea, ei au fost depășiți de marea lor artă de Rembrandt van Rijn - un pictor, gravor și desenator olandez, cel mai mare artist al tuturor timpurilor și popoarelor. El a trăit într-o epocă în care rațiunea făcea deja încercări de a triumfa asupra credinței, când dreptul celor puternici era contestat de dreptul celor bogați, iar cei slabi și săraci erau în dispreț și reproș. Lumea s-a extins în granițele ei, grație marilor descoperiri geografice și studiului universului, dar în același timp s-a restrâns la scara unei case particulare sau chiar a unui singur suflet, pentru că credința a fost declarată o afacere privată care nu nu afectează procesele din societate. Uneori, scara unui suflet poate depăși scara universului și atunci acest suflet este capabil să-și genereze propriile lumi, propriile universuri. Astfel de oameni se nasc o dată pe secol, dacă nu mai rar. Rembrandt a fost doar o astfel de persoană în care a trăit universul, și nu doar una. El este grozav în simplitate și umanitate uimitoare. Prin intermediul picturii, Rembrandt a putut, ca nimeni înaintea lui, să dezvăluie lumea interioară a unei persoane, experiențele sale emoționale complexe.

Rembrandt nu a fost niciodată înconjurat de onoruri, nu a fost niciodată în centrul atenției generale, nu a stat în prim-plan, nici un poet din timpul vieții lui Rembrandt nu a cântat despre el. La serbările oficiale, în zilele de mari festivități, uitau de el. Și nu i-a iubit și nu s-a ferit de cei care l-au neglijat. Compania obișnuită și iubită era negustorii, filistenii, țăranii, artizanii - cei mai simpli oameni. Îi plăcea să viziteze tavernele din port, unde se distrau marinarii, traficanții de vechituri, actorii ambulanți, hoții mici și prietenele lor. A stat fericit acolo ore în șir, urmărind agitația și uneori schițând chipuri interesante, pe care apoi le-a transferat pe pânzele sale.

Biografie.

La 15 iulie 1606, la Leiden, morarul bogat Harmen Gerrits și soția sa Neeltge Willems van Zeitbroek au avut un al șaselea copil, pe nume Rembrandt. Moara nu era departe de Rinul care traversa orașul, așa că Harmen Gerrits a început să se numească van Rijn, iar întreaga familie a primit această adăugare la nume de familie.

Părinții, dându-i lui Rembrandt o educație bună, au vrut ca acesta să devină om de știință sau funcționar. Învață la școala latină, iar apoi, din 1620, la Universitatea din Leiden, pe care o părăsește fără să o finalizeze. Pofta de desen, care s-a manifestat încă din copilărie, l-a condus la atelierul pictorului local Jacob van Swanenburg, care l-a învățat pe Rembrandt elementele de bază ale desenului și picturii, l-a introdus în istoria artei. După ce a studiat cu el timp de trei ani, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam în 1623 și și-a continuat studiile cu celebrul pictor Pieter Lastman (1583-1633). Dar antrenamentul a durat doar șase luni. În 1624, Rembrandt s-a întors la Leiden și acolo, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis propriul atelier de pictură.

Rembrandt învață de la artiștii din trecut și de la contemporanii săi, stăpânește tehnica picturii și gravurii. Studiază arta Italiei din turnări, gravuri, copii și percepe principiul umanist al artei italiene. La sfârșitul anului 1631, Rembrandt, un renumit pictor portretist și autor de picturi istorice, s-a mutat la Amsterdam, cel mai mare oraș comercial. Unul dintre primele tablouri pictate de Rembrandt la Amsterdam a fost tabloul „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632, Haga, Mauritshuis), care aparține tradiției unui portret de grup. Tabloul a stârnit un mare interes, iar Rembrandt a devenit unul dintre cei mai la modă tineri portretişti din Amsterdam.

În 1634, Rembrandt se căsătorește cu fiica fostului primar din Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, un patrician nobil și bogat.Imaginea ei a fost imortalizată de Rembrandt în multe portrete cu tandrețe și dragoste extraordinare.Din această căsătorie, fiul Titus, copil al lui iubirea și bucuria, se naște. În munca sa, Rembrandt are succes și fericit ca și în căsătorie. Cei mai bogați oameni din oraș comandă portrete pentru el, bogate corporații de artizani comandă portrete de grup, magistratul cere să picteze tablouri pe diverse teme, inclusiv religioase, gravurile sale sunt vândute în magazinele celor mai cunoscuți anticari. Are mulți studenți. Rembrandt cumpără o casă mare cu trei etaje pe Breestraat, unde are un atelier, camere de zi și chiar un magazin. Mobilizând casa cu lucruri de lux, artistul creează o colecție bogată, care a cuprins lucrări ale lui Raphael, Giorgione, Durer, Mantegna, van Eyck, gravuri din lucrările lui Michelangelo, Tițian. Rembrandt a colecționat miniaturi persane, vaze, scoici, busturi antice autentice, porțelan chinezesc și japonez, sticlă venețiană, țesături orientale scumpe, costume ale diferitelor națiuni, tapiserii și instrumente muzicale.

La începutul anilor 1940, Rembrandt era un pictor popular și foarte plătit. În anii 1930 a pictat aproximativ 60 de portrete la comandă. Are vreo 15 elevi. Una dintre cele mai cunoscute picturi ale lui Rembrandt din această perioadă este Danae (1636-1646, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). A început să lucreze la imagine într-o perioadă de fericire în familie, la apogeul faimei. Dar în anii următori, multe s-au schimbat: trei dintre copiii lui Rembrandt mor, câteva luni mai târziu, iubita sa soție Saskia (1642), care îl lasă în brațe pe tânărul Titus, a murit. Curând își pierde mama și surorile. După moartea lui Saskia, viața lui Rembrandt părea să dea o crapă care nu va dura până la sfârșitul zilelor sale. În anii 1650 avea din ce în ce mai puține comisioane. Bogații nu-și mai comandă portretele de la el, magistratul nu dă fonduri pentru tablouri pentru clădiri publice. În bisericile vremii nici picturile nu erau necesare, întrucât protestantismul, care avea o atitudine negativă față de arta religioasă, a câștigat în Olanda. Gravurile lui Rembrandt, care s-au vândut atât de bine acum câțiva ani, acum nu-și găsesc cumpărător. O vreme, Rembrandt, obișnuit să trăiască în mare măsură, trăiește ca înainte, dar acest lucru este peste posibilitățile lui. Din cauza datoriilor restante, creditorii depun pretenții formale, solicită o hotărâre judecătorească de închisoare. În 1656, printr-o hotărâre judecătorească, Primăria din Amsterdam l-a declarat pe Rembrandt debitor insolvent, a fost efectuat un inventar al proprietății, iar în 1656–1658 a fost vândut. Valoarea reală a proprietății artistului era de câteva ori mai mare decât mărimea datoriilor sale: colecția a fost evaluată la 17.000 de guldeni. Cu toate acestea, a fost vândută cu doar 5 mii, casa a fost evaluată la jumătate din costul inițial. Dar nu toți creditorii au fost mulțumiți. Iar instanța a decis că toate tablourile care vor fi create de artist trebuie vândute pentru achitarea datoriilor, instanța l-a lipsit și pe Rembrandt de dreptul de a avea proprietate, cu excepția lucrurilor purtabile și a rechizitelor de desen, ceea ce a însemnat o existență cerșetoare. Rudele lui Saskia sunt incluse și în campania de hărțuire a artistului, cu care Rembrandt a avut un conflict în timpul vieții lui Saskia, pentru că. susțineau că artistul risipește averea soției sale. Deși în acel moment Rembrandt a strâns o avere prin munca sa care depășea dăruirea soției sale, el a adunat o colecție magnifică de comori de artă. Faimosul pictor, care a cunoscut faima și averea devreme, s-a dovedit a fi un om sărac până la vârsta de cincizeci de ani, trăiește singur, uitat de admiratori și prieteni. Adevărat, încă mai scrie mult, dar toate pânzele îi sunt luate imediat de creditori...
O consolare în situația dificilă a lui Rembrandt, pe lângă pictură, este a doua sa soție, Hendrikje Stoffels. Mai degrabă, ea era menajera lui, iar el locuia cu ea, după cum se spune, într-o căsătorie civilă. Societatea puritană l-a mustrat sever pentru această „coabitare.” Artista nu s-a putut căsători oficial cu ea, pentru că. conform voinței lui Saskia, Rembrandt, la intrarea într-o nouă căsătorie, va fi lipsit de dreptul de a fi gardianul moștenirii fiului său Titus. Cu toate acestea, Hendrikje nu a fost doar o femeie economică, ci și o bună; pentru Titus, ea a devenit o adevărată mamă. În 1654 a născut pe fiica lui Rembrandt, Cornelia. Imaginea lui Hendrikje Stoffels este, de asemenea, înfățișată pe pânzele lui Rembrandt. Nu este la fel de tânără și frumoasă ca Saskia, dar artista o privește cu ochi de dragoste, o înfățișează cu mare căldură. Din nou, biserica condamnă coabitarea sa cu Hendrikje, fiica lor Cornelia fiind declarată ilegitimă. Familia Rembrandt se mută în cel mai sărac cartier din Amsterdam. Titus, după ruinarea tatălui său, pentru a-și face proprietatea complet inaccesibilă creditorilor lui Rembrandt, întocmește un testament în care își lasă întreaga avere surorii sale Cornelia și îl numește pe Rembrandt tutore cu drept de folosință a banilor. . În ciuda situației dificile, Rembrandt continuă să scrie.

Necazurile nu încetează să cadă asupra artistului: în 1663 și-a pierdut iubitul Hendrikje Stoffels, care i-a lăsat lui Titus un anticariat și o mică moștenire lui Rembrandt. În 1668, fiul Titus moare. Alaturi de el a ramas doar fiica sa Cornelia, care la acea vreme avea 14 ani. Rembrandt devine gardianul fiicei sale Cornelia. Și totuși, în ciuda tuturor lucrurilor, Rembrandt continuă să picteze, să taie gravuri, să croiască din ce în ce mai multe planuri noi.

Creare.

Opera lui Rembrandt este fără îndoială punctul culminant al școlii olandeze. Acest maestru a fost singur printre colegii artiști. L-au considerat „primul eretic în pictură”, deși mai târziu ei înșiși au început să fie numiți „mici olandezi” – pentru a sublinia cât de mult îi depășise Rembrandt.

Stilul baroc, care a apărut în secolul al XVII-lea, a avut, de asemenea, o mare influență asupra operei sale, dar sofisticarea, fastul și teatralitatea accentuată a acestui stil erau departe de căutarea lui Rembrandt. A fost un admirator al operei lui Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), fondatorul tendinței realiste în pictura europeană din secolul al XVII-lea.

Rembrandt a scris ceea ce a observat în viață și tot ceea ce a descris a devenit neobișnuit de poetic. Această minune a fost săvârșită de pensula marelui maestru. În picturile lui Rembrandt, amurgul domină, iar lumina aurie moale evidențiază figurile din acesta. Culorile în sine, parcă ar fi încălzite de căldura interioară, strălucesc ca

pietre prețioase.Un loc aparte în opera lui Rembrandt este ocupat de o temă religioasă, aici se manifestă originalitatea maestrului. Principala sursă de inspirație pentru Rembrandt a fost Biblia. Chiar și atunci când picturile pe teme religioase nu erau solicitate, artistul le-a pictat pentru el, pentru că simțea o nevoie reală de el. Aceste picturi întruchipează sufletul său, rugăciunea sa, lectura profundă a Evangheliei.Artistul a citit Biblia în limba sa maternă, care nu se distinge prin eleganță. Îl îmbracă într-o formă de înțeles și apropiată de contemporanii săi, oameni de viață simplă și credință simplă. Un astfel de hambar, în care s-a născut Mântuitorul, este în fiecare sat olandez. Templul din Ierusalim, unde bătrânul Simeon îl primește pe Pruncul Divin în brațele sale, amintește de catedralele antice din Amsterdam. Și toate personajele din picturile sale biblice, și chiar și îngerii, arată ca niște burghezi și țărani, care se găsesc peste tot în această țară.

De-a lungul anilor, clarobscurul a devenit din ce în ce mai important în maniera artistului, cu ajutorul căruia pune accente spirituale și emoționale, peste tot lumina este „protagonista” tabloului și cheia interpretării intrigii. Este interesat de esența ascunsă a fenomenelor, lumea interioară complexă a oamenilor.În 1648, a pictat pictura „Hristos la Emaus”, unde clarobscurul creează o atmosferă emoțională tensionată. „Expulzarea comercianților din templu” a fost scrisă de Rembrandt la vârsta de douăzeci de ani. Unele trăsături ale acestei lucrări vorbesc despre lipsa de experiență a maestrului novice, deși multe prefigurează deja viitoarele sale capodopere. Este ușor de observat defecte profesionale în imaginea: erori de perspectivă și proporții.Totuși, însăși alegerea intrigii este o dovadă a aspirațiilor independente ale unui tânăr pictor.Spre deosebire de atașamentele majorității pictorilor olandezi față de genul de zi cu zi, el apelează la o imagine istorică despre o poveste biblică și o pictează cu o intensitate dramatică de pasiuni neobișnuită pentru „micul olandez”. Stările emoționale extreme recreate pe pânză – teamă, groază, furie – sunt dovada interesului timpuriu al artistului pentru lumea interioară a omului. Această ascuțire oarecum grotească a manifestărilor spirituale a fost punctul de plecare în calea creatoare a lui Rembrandt, care l-a condus mai târziu la descoperirea vieții cu multe fețe a sufletului uman.

Cu toate acestea, limbajul pictural al lui Rembrandt este surprinzător de subtil și sofisticat, artistul realizează nuanțe incredibile de culoare, jocul de lumini și umbre, construiește cu măiestrie o compoziție. Tipurile picturilor sale sunt în mod deliberat oameni obișnuiți, dar sentimentele și experiențele lor sunt profunde și sublime. Acest contrast face ca tablourile maestrului să fie unice. Rembrandt atinge o sofisticare deosebită în grafică. Aici el realizează o subtilitate incredibilă a liniilor și a loviturii, dar acesta este doar un mijloc de pătrundere profundă în complot. În esență, Rembrandt este creatorul gravurii, dar și după el, puțini oameni au reușit să transmită atât de precis din punct de vedere psihologic starea spirituală a personajelor. Tema biblică este cea principală și aici. Versiunile grafice ale pildei fiului risipitor uimesc prin intensitatea dramei și afectează privitorul nu mai puțin decât celebrul tablou pe această temă.

Picturile și gravurile lui Rembrandt sunt mult mai cunoscute publicului decât desenele sale, care au rămas multă vreme subiectul intereselor unui cerc restrâns de colecționari și cunoscători. Între timp, figura lui Rembrandt desenator nu este în niciun fel inferioară lui Rembrandt pictorul sau gravorul. Desenele maestrului, păstrate în cantități uriașe - aproximativ 1700 de coli, constituie o zonă autonomă a lucrării sale. Iar una dintre cele mai remarcabile trăsături ale desenelor lui Rembrandt este capacitatea lor de a face din privitor martor și complice al nașterii gândirii artistice a unui maestru genial. Printre aceste foi se află o mică schiță „Femeie cu copil”. Executat cu un stilou de trestie, pastreaza toata libertatea si imediatitatea unei schite instant din natura sau din memorie, cand mainile artistului abia au timp sa contureze liniile principale.

Ultimele lucrări ale maestrului uimesc prin rafinamentul stilului, profunzimea pătrunderii în lumea interioară a imaginilor, efectele de clarobscur sunt și mai accentuate, transformând pânzele în picturi murale sclipind ca pietrele prețioase. În grafică, Rembrandt atinge, de asemenea, culmi incredibile de îndemânare.

Chiar și acum el pictează adesea autoportrete, uitându-se în ele ca într-o oglindă, poate încercând să-și dezvăluie propria soartă sau să înțeleagă planul lui Dumnezeu, care îl călăuzește atât de bizar prin viață. Autoportretele lui Rembrandt nu sunt doar punctul culminant al operei sale, ci nu au analogi în galeria mondială de portrete. În autoportretele din ultimii ani, vedem un om îndurând eroic încercări grele și amărăciunea pierderii. Ca portretist, el a fost creatorul unui gen aparte de portret-biografie, în care viața lungă a unei persoane și lumea sa interioară au fost dezvăluite în toată complexitatea și inconsecvența ei. Opera lui Rembrandt din anii 1650 este marcată în primul rând de realizările în domeniul portretului. În exterior, portretele acestei perioade se disting, de regulă, prin dimensiunile lor mari, forme monumentale și ipostaze calme. Modelele stau de obicei pe scaune adânci, cu mâinile pe genunchi și cu fața directă către privitor. Lumina evidențiază fața și mâinile. Aceștia sunt întotdeauna oameni în vârstă, înțelepți prin experiență îndelungată de viață, bătrâni și femei cu pecetea gândurilor sumbre pe față și munca grea pe mâini. Astfel de modele i-au oferit artistului oportunități strălucitoare de a arăta nu numai semnele exterioare ale bătrâneții, ci și imaginea spirituală a unei persoane. În portretele neobișnuit de incitante și pline de inimă ale lui Rembrandt, se pare că simți viața trăită de o persoană. Înfățișându-și rudele, prietenii, cerșetorii, bătrânii, de fiecare dată cu o vigilență uimitoare transmitea mișcările spirituale schimbătoare, tremurul viu al expresiilor faciale, schimbarea dispoziției.

Analiza muncii.

1. “ Întoarcerea fiului risipitor ”

La mijlocul anilor 1660, Rembrandt și-a încheiat cea mai emoționantă lucrare, Întoarcerea fiului risipitor. Poate fi văzută ca un testament al omului Rembrandt și al artistului Rembrandt. Aici ideea că Rembrandt a servit toată viața sa își găsește cea mai înaltă, cea mai perfectă întruchipare. Și tocmai în această lucrare întâlnim toată bogăția și varietatea tehnicilor picturale și tehnice pe care artistul le-a dezvoltat de-a lungul multor decenii de creativitate. Zdrențuit, epuizat și bolnav, risipindu-și averea și părăsit de prieteni, fiul apare în pragul casei tatălui său și aici, în brațele tatălui său, găsește iertarea și consolarea. Bucuria nemăsurată și strălucitoare a acestor doi bătrâni, care și-au pierdut orice speranță de a-și întâlni fiul, și fiul, cuprins de rușine și pocăință, ascunzându-și fața pe pieptul tatălui său, este principalul conținut emoțional al lucrării. În tăcere, șocați, martorii involuntari ai acestei scene au înghețat. Artistul se limitează la maximum la culoare. Imaginea este dominată de tonuri auriu-ocru, roșu-scorțișoară și negru-maro, cu o bogăție infinită a celor mai fine tranziții din această gamă zgârcită. O pensulă, o spatulă și un mâner de pensulă sunt implicate în aplicarea vopselelor pe pânză; dar chiar şi aceasta i se pare insuficientă lui Rembrandt. El aplică vopsea pe pânză direct cu degetul (de exemplu, călcâiul piciorului stâng al fiului risipitor este scris astfel). Datorită unei varietăți de tehnici, se obține o vibrație crescută a suprafeței colorate. Culorile ard acum, apoi scânteie, apoi mocnesc plictisitor, apoi par să strălucească din interior, și nici un singur detaliu, nici un singur colț al pânzei, chiar și cel mai nesemnificativ, nu-l lasă pe privitor indiferent. Doar o persoană înțeleaptă cu o vastă experiență de viață și un mare artist care a parcurs un drum lung ar putea crea această lucrare genială și simplă. În Întoarcerea fiului risipitor nu se întâmplă nimic și nu se spune nimic. Totul a fost spus, regândit, suferit și resimțit cu mult timp în urmă, în anii îndelungatei așteptări, dar există bucuria întâlnirii, liniștită și strălucitoare... Întoarcerea Fiului Risipitor a fost ultima mare lucrare a maestru. 2. “ Danae ”

Când regele vechiului oraș grecesc Argos a aflat despre profeție, potrivit căreia era sortit să moară din mâinile fiului lui Danae, fiica sa, a închis-o într-o temniță și i-a repartizat o servitoare. Zeul Zeus a pătruns însă în Danae sub formă de ploaie de aur, după care a născut un fiu, Perseus.

Rembrandt începe să picteze pictura „Danaë” în 1636, la 2 ani după căsătoria sa cu Saskia van Uilenbürch. Artistul își iubește cu drag tânăra soție, deseori înfățișând-o în picturile sale. Nu a făcut excepție și „Danae”, scris de Rembrandt nu pentru vânzare, ci pentru casa lui. Pictura a rămas la artist până la vânzarea proprietății sale în 1656. Multă vreme a rămas un mister de ce asemănarea cu Saskia nu este la fel de evidentă ca în alte picturi ale artistului anilor 1630, iar stilul pe care l-a folosit pe alocuri seamănă mai mult cu creațiile unei perioade ulterioare a operei sale. Abia relativ recent, la mijlocul secolului al XX-lea, cu ajutorul fluoroscopiei, s-a putut găsi răspunsul la această ghicitoare. La radiografii, asemănarea cu soția lui Rembrandt este mai pronunțată. Se pare că tabloul a fost schimbat după moartea soției artistului (1642), într-o perioadă în care acesta se afla într-o relație intimă cu Gertier Dirks. Trăsăturile feței lui Danae din imagine au fost modificate în așa fel încât au combinat ambele femei preferate ale artistei. În plus, fluoroscopia a arătat că imaginea originală avea o ploaie aurie care se revarsa pe Danae, iar privirea ei era îndreptată în sus și nu în lateral. Îngerul din capul patului avea o față care râdea, iar mâna dreaptă a femeii avea palma în sus.

În tablou, o tânără femeie goală în pat este iluminată de un flux de lumină caldă a soarelui care cade prin baldachin mișcat de o servitoare. Femeia și-a ridicat capul deasupra pernei, întinzându-și mâna dreaptă spre lumină, încercând să o simtă cu palma. Privirea ei încrezătoare este îndreptată către lumină, buzele ei ușor întredeschise într-un zâmbet pe jumătate. O coafură încâlcită, o pernă mototolită - totul sugerează că în urmă cu un minut, dezvăluindu-se într-o beatitudine somnolentă, o femeie a urmărit vise dulci în patul ei luxos. Danae a primit o caracterizare psihologică profundă și o gamă contradictorie a sentimentelor și experiențelor ei. „Danae”, datorită căruia i s-a dezvăluit lumea interioară secretă a unei femei, întreaga gamă complexă și contradictorie a trăirilor și experiențelor ei. „Danae”, astfel, este un exemplu concret clar al formării celebrului psihologism rembrandtian. Pictura „Danae” este recunoscută drept una dintre cele mai bune lucrări ale artistului. 3. “ Lecția de anatomie de la Dr. Tulp ”

Identitățile celor două persoane din acest portret sunt cunoscute. Unul dintre ei este dr. Nicholas Tulp, care arată publicului structura mușchilor mâinii umane. Celălalt este un cadavru: Aris Kindt, supranumit Pruncul, numele său adevărat era Adrian Adrianzon. Bărbatul mort a rănit grav un gardian al închisorii din Utrecht și a bătut și a jefuit un bărbat din Amsterdam. Pentru aceasta, la 31 ianuarie 1632, a fost spânzurat și predat pentru o autopsie publică Breslei Chirurgilor din Amsterdam.

Astfel de lecții deschise de anatomie erau comune nu numai în Țările de Jos, ci și în toată Europa. Ele aveau loc doar o dată pe an, de obicei în lunile de iarnă, pentru a conserva mai bine corpul, erau de natură solemnă și durau de obicei câteva zile. Spectatorii au fost colegi, studenți, cetățeni respectați și cetățeni de rând.

Portret de grup de breaslă

Autopsiile aveau loc în teatrele anatomice, care aveau o formă rotundă, cu rânduri în sus. Masa cu cadavrul, stând în centrul teatrului, era clar vizibilă din orice loc. Despre Amsterdam Teatrum Anatomicum se știe puțin, Rembrandt a marcat-o doar pe pânza sa. O cameră plină de spectatori poate fi imaginată în locul observatorului.

Tulpa are un rang mai mare decât restul personajelor, doar el este înfățișat în poză într-o pălărie. Cel mai probabil, restul fraților din magazin nu au studii academice. Poate că au finanțat în comun această imagine - un portret de grup a servit pentru a-i glorifica pe cei înfățișați pe el și a decora reședința breslei.

Rembrandt a descris personajele pe pânza sa diferit de predecesorii săi. De regulă, ei au fost înfățișați stând în rânduri și privind nu la corp, ci direct la privitor. Artistul i-a înfățișat pe chirurgi în profil sau în jumătate de tură și i-a grupat sub forma unei piramide, iar personajul principal nu este situat în vârful ei.

În plus, el subliniază în mod deliberat interesul real al publicului. Doi oameni s-au aplecat în față, postura și înfățișarea lor indică faptul că cu siguranță vor să vadă totul cât mai aproape și cât mai precis posibil, în timp ce este greu de crezut că ambii chirurgi au fost cu adevărat duși de acțiunea ceremonială în desfășurare și încearcă să-și satisfacă științifice. interes. Este puțin probabil ca publicul să stea atât de aproape de scenă, Rembrandt a concentrat ceea ce se întâmpla într-un spațiu îngust, înconjurând mortul cu o atenție intensă și cu viață.

Autopsie

În mod surprinzător, autopsia a început din mână. De obicei, chirurgii au deschis mai întâi cavitatea abdominală și au scos organele interne. 24 de ani mai târziu, Rembrandt a pictat pânza „Lectura despre anatomia doctorului Deiman”, care înfățișează un corp cu cavitatea abdominală deschisă - conform canoanelor existente atunci.

Acest lucru s-ar putea datora a două motive. Primul este un omagiu adus lui Andreas Vesalius, fondatorul anatomiei moderne, care a devenit faimos pentru studiul său asupra anatomiei mâinii. Al doilea este că, înfățișând o mână, artistul ar putea aduce mai ușor un mesaj religios tabloului. Așa cum tendoanele guvernează mâna, Dumnezeu guvernează oamenii. Știința trebuia să demonstreze oamenilor puterea lui Dumnezeu.

Dr. Nicolae Tulp

Numele real al doctorului Nicholas Tulp era Klaus Pietersohn, s-a născut în 1593 și a murit în 1674. Numele de familie Tulp provine din casa părintească, unde odată exista o licitație pentru vânzarea de flori.

Tulp a aparținut vârfului societății din Amsterdam, de mai multe ori a fost primarul orașului Amsterdam. La momentul scrierii pânzei, era membru al consiliului orășenesc și era prelectorul (președintele) breslei chirurgilor. Tulp a fost medic practicant în Amsterdam, anatomia fiind unul dintre domeniile în care s-a specializat. Rembrandt și-a subliniat poziția specială, înfățișându-l în afară de chirurgii așezați unul lângă celălalt. În plus, artistul l-a înfățișat pe Tulpa ca fiind singurul care poartă o pălărie - în interior, a avea privilegiul de a purta o coafură a fost întotdeauna un semn de apartenență la înalta societate.

Corpul lui Aris Kindt

Artiștii dinaintea lui Rembrandt înfățișau de obicei chipul defunctului cu o batistă acoperită sau o persoană care stătea în fața lui. Observatorii au trebuit să uite că în fața lor se află un bărbat care este dezmembrat în fața ochilor lor. Rembrandt a venit cu o soluție intermediară - și-a descris fața pe jumătate acoperită cu o umbră. Jocul tipic al lui Rembrandt asupra contrastului de lumină și umbră, parcă vizibil în amurg ombra mortis- umbra morții.

Deși Doctor Tulp este personajul central, corpul lui Aris Kindt ocupă o suprafață mai mare pe pânză. Lumina principală cade și asupra lui, goliciunea și rigiditatea lui îl deosebesc de oamenii înfățișați în imagine. Se pare că abia atunci Rembrandt i-a înfățișat atât de aproape pe chirurgi și a dat pânzei o astfel de dinamică pentru a sublinia imobilitatea corpului, pentru a-i face palpabilă moartea.

Concluzie.

Moștenirea creativă a maestrului este uriașă, Rembrandt a fost incredibil de eficient: a creat peste 250 de picturi, 300 de gravuri și 1000 de desene. Artistul a murit în sărăcie, dar după moartea sa, opera sa a devenit extrem de valoroasă.

Opera lui Rembrandt a avut un impact uriaș asupra dezvoltării artelor plastice mondiale. Lucrările sale se află astăzi în multe muzee din întreaga lume și în colecții private. Și în Olanda, ziua de naștere a lui Rembrandt - 15 iulie - este sărbătorită ca sărbătoare națională.

Artistul a ridicat artele plastice la un nou nivel, îmbogățindu-l cu un inedit

Vitalitate și profunzime psihologică. Rembrandt a creat un nou limbaj pictural, în care rolul principal a fost jucat de tehnici fin dezvoltate de clarobscur și bogate,

colorare emoțională.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn este cel mai faimos pictor, gravor și desenator al „Epocii de Aur”. Recunoașterea universală și faima, un declin brusc și sărăcia - așa poate fi caracterizată biografia marelui geniu al artei. Rembrandt a căutat să transmită sufletul unei persoane prin portrete; zvonuri și presupuneri încă circulă despre multe dintre lucrările artistului, învăluite în mister.

Începutul secolului al XVII-lea a fost calm pentru statul olandez, care și-a câștigat independența ca republică în momentul revoluției. Producția industrială, agricultura și comerțul s-au dezvoltat în țară.

În orașul antic Leidin, situat în provincia Olanda de Sud, Rembrandt, care s-a născut la 15 iulie 1607, și-a petrecut copilăria într-o casă de pe Wedeshteg.

Băiatul a crescut într-o familie numeroasă, în care era al șaselea copil. Tatăl viitorului artist Harmen van Rijn era un om bogat care deținea o moară și o casă de malț. Printre altele, Van Rein mai avea două case în proprietatea sa și a primit și o zestre însemnată de la soția sa Cornelia Neltier, așa că familia numeroasă a trăit din belșug. Mama viitorului artist era fiica unui brutar și era pricepută la gătit, așa că masa familiei a abundat cu preparate delicioase.

În ciuda bogăției lor, familia Harmen a trăit modest, respectând reguli stricte catolice. Părinții artistului, nici după Revoluția olandeză, nu și-au schimbat atitudinea față de credință.

Autoportret al lui Rembrandt la 23 de ani

Rembrandt a fost amabil cu mama sa de-a lungul vieții. Acest lucru este exprimat într-un portret pictat în 1639, care înfățișează o bătrână înțeleaptă cu o privire blândă și ușor tristă.

Familia era străină de evenimentele sociale și de viața luxoasă a oamenilor bogați. Este rezonabil să presupunem că seara van Rijns se adunau la masă și citeau cărți și Biblia: asta a făcut majoritatea cetățenilor olandezi în timpul Epocii de Aur.

Moara de vânt deținută de Harmen era situată pe malul Rinului: în fața privirii băiatului se deschidea un peisaj frumos al unui râu azuriu, care este luminat de razele soarelui, făcându-și drum printr-o fereastră mică a clădirii și trecând. prin negura prafului de faina. Poate că, datorită amintirilor din copilărie, viitorul artist a învățat să stăpânească cu pricepere culorile, lumina și umbra.

În copilărie, Rembrandt a crescut ca un băiat observator. Spațiile deschise de pe străzile din Leidin au oferit surse de inspirație: pe piețele comerciale se putea întâlni oameni diferiți de naționalități diferite și să învețe cum să-și schițeze fețele pe hârtie.

Inițial, băiatul a mers la o școală latină, dar nu era interesat să studieze. Tânărului Rembrandt nu-i plăceau științele exacte, preferând desenul.

Copilăria viitorului artist a fost fericită, deoarece părinții au văzut hobby-urile fiului lor, iar când băiatul avea 13 ani, a fost trimis să studieze cu artistul olandez Jacob van Swanenburg. Se cunosc puține din biografia primului profesor al lui Rembrandt; reprezentantul manierismului târziu nu avea o moștenire artistică uriașă, motiv pentru care este aproape imposibil de urmărit influența lui Iacov asupra formării stilului lui Rembrandt.

În 1623, tânărul a plecat în capitală, unde pictorul Peter Lastman a devenit al doilea său profesor, care l-a predat pe Rembrandt pictura și gravura timp de șase luni.

Pictura

Antrenamentul cu un mentor a avut succes, impresionat de picturile lui Lastman, tânărul a stăpânit rapid tehnica desenului. Culorile strălucitoare și saturate, jocul de umbre și lumini, precum și elaborarea scrupuloasă chiar și a celor mai mici detalii ale florei - asta i-a transmis Peter eminentului student.

În 1627, Rembrandt s-a întors din Amsterdam în orașul său natal. Încrezător în abilitățile sale, artistul, împreună cu prietenul său Jan Lievens, își deschide propria școală de pictură, care în scurt timp a câștigat popularitate printre olandezi. Lievens și Rembrandt erau la egalitate unul cu celălalt, uneori tinerii lucrau cu atenție pe o singură pânză, punând în desen o parte din stilul lor.

Tânărul artist în vârstă de 20 de ani și-a câștigat faima pentru lucrările sale timpurii detaliate, care includ:

„Lapidarea Sfântului Apostol Ștefan” (1625),
„Palamedea înaintea lui Agamemnon” (1626),
„David cu capul lui Goliat” (1627),
„Răpirea Europei” (1632),

Tânărul continuă să se inspire din străzile orașului, plimbându-se prin piețe pentru a întâlni un trecător întâmplător și a surprinde portretul său cu o daltă pe o scândură de lemn. Rembrandt realizează și o serie de gravuri cu autoportrete și portrete ale numeroaselor rude.

Datorită talentului unui tânăr pictor, Rembrandt a fost remarcat de poetul Konstantin Heygens, care a admirat pânzele lui van Rijn și Lievens, numindu-i artiști promițători. „Iuda returnează treizeci de argint”, scris de un olandez în 1629, el compară cu celebrele pânze ale maeștrilor italieni, dar găsește defecte în desen. Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt dobândește în scurt timp bogați admiratori de artă: datorită medierii lui Haygens, Prințul de Orange comandă artistului mai multe lucrări religioase, precum Înaintea lui Pilat (1636).

Adevăratul succes al artistului vine la Amsterdam. 8 iunie 1633 Rembrandt o întâlnește pe fiica unui burghez bogat Saskia van Uylenbürch și câștigă o poziție puternică în societate. Artistul a pictat majoritatea pânzelor în timp ce se afla în capitala Olandei.

Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a pictat o femeie cu o pălărie cu boruri largi în creion argintiu. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un mediu de acasă confortabil. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.

În 1632, Rembrandt a fost glorificat de pictura „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”. Faptul este că van Rijn s-a îndepărtat de canoanele portretelor standard de grup, care erau reprezentate cu fețele întoarse spre privitor. Portretele extrem de realiste ale doctorului și studenților săi l-au făcut celebru pe artist.

În 1635 a fost pictat faimosul tablou bazat pe povestea biblică „Jertfa lui Avraam”, care a fost apreciat în societatea laică.

În 1642, van Rijn a primit o comisie de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora noua clădire cu pânză. Pictura a fost numită în mod eronat „Night Watch”. A fost pătată de funingine și abia în secolul al XVII-lea, cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășoară pe pânză are loc în timpul zilei.

Rembrandt a descris cu atenție fiecare detaliu al mușchetarilor în mișcare: ca și cum la un moment dat timpul s-ar fi oprit când miliția a părăsit curtea întunecată, astfel încât van Rijn i-a capturat pe pânză.

Clienților nu le-a plăcut că pictorul olandez s-a îndepărtat de canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost înfățișați cu fața completă, fără nicio statică.

Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.

Tehnica si picturi

Rembrandt credea că adevăratul scop al artistului este să studieze natura, așa că toate picturile pictorului s-au dovedit a fi prea fotografice: olandezul a încercat să transmită fiecare emoție a persoanei înfățișate.

La fel ca mulți maeștri talentați ai epocii de aur, Rembrandt are motive religioase. Pe pânzele lui van Rijn sunt desenate nu doar chipuri surprinse, ci și parcele întregi cu propria lor istorie.

În tabloul „Sfânta familie”, care a fost pictat în 1645, chipurile personajelor sunt naturale, olandezul pare să dorească să transfere publicul în atmosfera confortabilă a unei simple familii de țărani cu ajutorul unei pensule și a vopselelor. Pe lucrările lui van Rijn nu se poate urmări o anumită pompozitate. a spus că Rembrandt a pictat-o pe Madona sub forma unei țărănci olandeze. Într-adevăr, de-a lungul vieții, artistul s-a inspirat din oamenii din jurul său, este posibil ca pe pânză o femeie, copiată dintr-o servitoare, să amâne un bebeluș.

Sfânta familie a lui Rembrandt, 1646

La fel ca mulți artiști, Rembrandt este plin de mistere: după moartea creatorului, cercetătorii s-au gândit mult timp la secretele picturilor sale.

De exemplu, la tabloul „Danae” (sau „Aegina”) van Rijn a lucrat timp de 11 ani, începând cu 1636. Pânza înfățișează o tânără fecioară după ce s-a trezit din somn. Intriga se bazează pe mitul grecesc antic al lui Danae, fiica regelui Argos și mama lui Perseus.

Cercetătorii pânzei nu au înțeles de ce fecioara goală nu semăna cu Saskia. Cu toate acestea, după radiografie, a devenit clar că Danae a fost pictat inițial după imaginea lui Eilenbürch, dar după moartea soției sale, van Rijn a revenit la imagine și a schimbat trăsăturile feței lui Danae.

De asemenea, printre criticii de artă au existat dispute cu privire la eroina înfățișată pe pânză. Rembrandt nu a semnat titlul picturii, iar interpretarea intrigii a fost îngreunată de absența unei ploi de aur, conform legendei, în forma căreia i-a apărut Zeus lui Danae. De asemenea, oamenii de știință au fost stânjeniți de inelul de logodnă de pe degetul inelar al fetei, care nu era în concordanță cu mitologia greacă antică. Capodopera lui Rembrandt „Danae” se află în Muzeul Ermitajului Rus.

Mireasa evreiască (1665) este un alt tablou enigmatic de van Rijn. Acest nume a fost dat pânzei la începutul secolului al XIX-lea, dar încă nu se știe cine este reprezentat pe pânză, deoarece o fată tânără și un bărbat sunt îmbrăcați în costume antice care amintesc de hainele biblice. De asemenea, populară este pictura „Întoarcerea fiului risipitor” (1669), care a fost creată în 6 ani.

Fragment din „Întoarcerea fiului risipitor” de Rembrandt

Dacă vorbim despre stilul de a scrie picturi de Rembrandt, atunci artistul a folosit un minim de culori, reușind în același timp să facă picturile „vii”, grație jocului de lumini și umbre.

De asemenea, Van Rijn reușește cu succes să înfățișeze expresiile faciale: toți oamenii de pe pânzele marelui pictor par să fie în viață. De exemplu, în portretul unui bătrân - tatăl lui Rembrandt (1639), fiecare rid este vizibilă, precum și o privire înțeleaptă și tristă.

Viata personala

În 1642, Saskia a murit de tuberculoză, iubita a avut un fiu, Titus (alți trei copii au murit în copilărie), cu care Rembrandt a întreținut relații de prietenie. La sfârșitul anului 1642, artistul se întâlnește cu un tânăr special Gertier Dirks. Părinții lui Saskia au fost supărați de modul în care văduvul și-a gestionat zestrea în timp ce trăia în lux. Mai târziu, Dirks își dă în judecată iubitul pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători cu ea. Din a doua femeie, artista a avut o fiică, Cornelia.

Pictură de Rembrandt „Saskia în imaginea zeiței Flora”

În 1656, din cauza dificultăților financiare, Rembrandt s-a declarat falimentar și a plecat într-o casă retrasă la periferia capitalei.

Viața lui Van Rijn nu a continuat să crească, ci, dimpotrivă, a intrat în declin: o copilărie fericită, bogăția și recunoașterea au fost înlocuite de clienți plecați și de o bătrânețe cerșetoare. Starea de spirit a artistului poate fi urmărită pe pânzele sale. Așadar, trăind cu Saskia, el pictează tablouri vesele și însorite, de exemplu, „Autoportret cu Saskia în genunchi” (1635). Pe pânză, van Rijn râde cu râs sincer, iar o lumină radiantă luminează camera.

Dacă mai devreme picturile artistului erau detaliate, atunci în stadiul creativității târzii, Rembrandt folosește linii mari, iar razele soarelui sunt înlocuite de întuneric.

Pictura „Conspirația lui Julius Civilis”, scrisă în 1661, nu a fost plătită de clienți, deoarece fețele participanților la conspirație nu au fost elaborate cu scrupulozitate, spre deosebire de lucrările anterioare ale lui van Rijn.

Pictura de Rembrandt „Portretul fiului lui Titus”

Cu puțin timp înainte de moartea sa, trăind în sărăcie, în 1665 Rembrandt a pictat un autoportret după imaginea lui Zeuxis. Zeukis este un pictor grec antic care a murit de o moarte ironică: artistul a fost amuzat de portretul Afroditei pe care l-a pictat sub forma unei bătrâne și a murit de râs. În portret, râde Rembrandt, artistul nu a ezitat să pună o cotă de umor negru în pânză.

Moarte

Rembrandt și-a îngropat fiul Titus, care a murit de ciume, în 1668. Acest eveniment trist a înrăutățit brusc starea de spirit a artistului. Van Rijn a murit la 4 octombrie 1669 și a fost înmormântat în biserica Netherlandish Westerkerk din Amsterdam.

Statuia lui Rembrandt la Rembrandtplein din Amsterdam

În timpul vieții sale, artistul a pictat aproximativ 350 de pânze și 100 de desene. I-au trebuit omenirii două secole pentru a-l aprecia pe acest mare artist.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) a fost un artist, desenator și gravor olandez, un mare maestru al clarobscurului, cel mai mare reprezentant al epocii de aur a picturii olandeze. A reușit să întrupeze în lucrările sale întreaga gamă de experiențe umane cu o asemenea bogăție emoțională, pe care arta plastică nu a cunoscut-o înaintea lui. Lucrările lui Rembrandt, extrem de diverse ca gen, deschid privitorului lumea spirituală atemporală a experiențelor și sentimentelor umane.

Rembrandt Harmenszoon („fiul lui Harmen”) van Rijn s-a născut la 15 iulie 1606 (conform unor surse, în 1607) într-o familie numeroasă a unui bogat proprietar de moară Harmen Gerritszoon van Rijn din Leiden. Familia mamei, chiar și după Revoluția olandeză, a rămas fidelă credinței catolice.

În Leiden, Rembrandt a urmat școala de latină la universitate, dar a arătat cel mai mare interes pentru pictură. La vârsta de 13 ani, a fost trimis să studieze arta plastică cu pictorul istoric din Leiden Jacob van Swanenbürch, catolic de credință. Cercetătorii nu au reușit să găsească lucrările lui Rembrandt legate de această perioadă, așa că chestiunea influenței lui Swanenbürch asupra formării modului creator al lui Rembrandt rămâne deschisă: astăzi se știe prea puțin despre acest artist din Leiden.

În 1623, Rembrandt a studiat la Amsterdam cu Pieter Lastman, care se instruise în Italia și se specializase în subiecte istorice, mitologice și biblice. Întors la Leiden în 1627, Rembrandt, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis propriul atelier și a început să recruteze studenți. În câțiva ani, a câștigat o mare popularitate.

Pasiunea lui Lastman pentru variație și detaliu în execuție a avut un impact uriaș asupra tânărului artist. Se vede clar în primele sale lucrări supraviețuitoare - „Lapidarea Sf. Ștefan” (1629), „O scenă din istoria antică” (1626) și „Botezul unui eunuc” (1626). În comparație cu lucrările sale mature, ele sunt neobișnuit de colorate, artistul se străduiește să scrie cu atenție fiecare detaliu al lumii materiale, cât mai exact posibil pentru a transmite decorul exotic al poveștii biblice. Aproape toate personajele apar în fața privitorului îmbrăcați în ținute orientale bizare, strălucind de bijuterii, care creează o atmosferă de majoritate, splendoare, festivitate („Alegoria muzicii”, 1626; „David înaintea lui Saul”, 1627).

Lucrările finale ale perioadei – „Tobit și Anna”, „Balaam și măgarul” – reflectă nu numai imaginația bogată a artistului, ci și dorința acestuia de a transmite cât mai expresiv experiențele dramatice ale eroilor săi. Ca și alți maeștri ai barocului, el începe să înțeleagă semnificația clarobscurului puternic sculptat în transmiterea emoției. Profesorii săi în legătură cu lucrul cu lumina au fost caravagiștii de la Utrecht, dar el a fost și mai ghidat de lucrările lui Adam Elsheimer, un german care a lucrat în Italia. Cele mai caravagiste picturi ale lui Rembrandt sunt „Pilda bogatului nebun” (1627), „Simeon și Anna în templu” (1628), „Hristos la Emaus” (1629).

Adiacent acestui grup se află pictura Artistul în atelierul său (1628; poate acesta este un autoportret), în care artistul s-a surprins în atelier în momentul contemplării propriei creații. Pânza la care se lucrează este adusă în prim-planul imaginii; în comparație cu el, autorul însuși pare un pitic.

Una dintre problemele nerezolvate ale biografiei creative a lui Rembrandt este suprapunerea sa artistică cu Lievens. Lucrând cot la cot, ei au abordat de mai multe ori același subiect, precum Samson și Dalila (1628/1629) sau Învierea lui Lazăr (1631). Parțial, ambii au fost atrași de Rubens, care atunci era cunoscut ca cel mai bun artist din toată Europa, uneori Rembrandt a împrumutat descoperirile artistice ale lui Livens, alteori a fost exact invers. Din acest motiv, distincția dintre lucrările lui Rembrandt și Lievens din 1628-1632 prezintă anumite dificultăți pentru istoricii de artă. Printre celelalte lucrări celebre ale sale se numără „Magarul lui Valaam” (1626).

Aceasta face parte dintr-un articol Wikipedia folosit sub licența CC-BY-SA. Textul integral al articolului aici →

De ce este faimos Rembrandt Harmenszoon van Rijn? Numele lui ar trebui să fie cunoscut de orice persoană educată. Acesta este un artist olandez talentat, gravor, un maestru de neegalat al clarobscurului, unul dintre cei mai mari reprezentanți ai Epocii de Aur - o epocă remarcabilă a picturii olandeze, care a căzut în secolul al XVII-lea. Articolul va spune despre viața și munca acestei persoane talentate.

Începutul drumului

Rembrandt van Rijn a venit pe această lume în iulie 1606. S-a născut în familia unui morar bogat. Era al nouălea copil, cel mai mic din familie. Părinții lui erau oameni luminați. Au observat devreme că băiatul era înzestrat de natură cu inteligență și talent și, în loc de artizanat, au decis să-l trimită „la știință”. Așa că Rembrandt a intrat la o școală latină, unde a studiat scrisul, cititul și a studiat Biblia. La vârsta de 14 ani, a terminat cu succes școala și a devenit student la Universitatea din Leiden, care la vremea aceea era renumită în toată Europa. Cel mai bine, tânărului i s-a dat pictură și, din nou, părinții lui au dat dovadă de înțelepciune și previziune. Și-au luat fiul de la universitate și l-au dat ca ucenic artistului Jacob Isaac Swanenbürch. Trei ani mai târziu, Rembrandt van Rijn a avut atât de mult succes în desen și pictură încât însuși Peter Lastman, care a condus școala de pictură din Amsterdam, a preluat dezvoltarea talentului său.

Influența autorităților

Lucrările timpurii ale lui Rembrandt van Rijn s-au format sub influența unor autorități precum maestrul olandez al picturii Peter Lastman, artistul german Adam Elsheimer, artistul olandez Jan Lievens.

Varietatea, strălucirea și atenția la detalii inerente lui Lastman sunt clar vizibile în lucrări ale lui Rembrandt precum „Lapidarea Sfântului Ștefan”, „Botezul unui eunuc”, „O scenă din istoria antică”, „David înaintea lui Saul” , „Alegoria muzicii”.

Jan Lievens - un prieten al lui Rembrandt, a lucrat cot la cot cu el într-un studio comun între 1626 și 1631. Lucrările lor au multe în comun, iar stilurile sunt atât de asemănătoare încât chiar și criticii de artă experimentați confundă adesea mâinile maeștrilor.

Eroul articolului nostru a fost ghidat de Adam Elsheimer, înțelegând semnificația clarobscurului pentru a transmite starea de spirit și emoțiile pe pânză. Influența pictorului german se vede clar în lucrările „Pilda bogatului nebun”, „Hristos la Emaus”, „Simeon și Ana în templu”.

Manifestarea individualității. Succes

În 1630, Harmen van Rijn a murit, proprietatea sa a fost împărțită între ei de frații mai mari ai lui Rembrandt. Tânărul artist a lucrat ceva timp în atelierul din casa tatălui său, dar în 1631 a plecat să-și caute avere la Amsterdam.

În capitala regatului, a organizat un atelier și a început să se specializeze în arta portretului. Utilizarea pricepută a clarobscurului, expresiile faciale caracteristice, originalitatea fiecărui model - toate acestea au caracterizat formarea stilului special al artistului. Rembrandt van Rijn a început să primească comenzi masive și a obținut succes comercial.

În 1632 a primit o comisie pentru un portret de grup. Drept urmare, creația „Lecția de anatomie a Dr. Tulpa” a văzut lumina zilei. Lucrarea genială, pentru care Rembrandt a primit un onorariu mare, nu numai că l-a glorificat, dar a confirmat în cele din urmă maturitatea creativă a artistului.

Muză

În timpul unei vizite sociale, tânărul artist la modă i se prezintă fiicei primarului orașului, Saskia. Nu atât datele exterioare ale fetei (nu era cunoscută ca o frumusețe, deși era drăguță și veselă), dar zestrea ei solidă l-a atras pe Rembrandt și, la șase luni după ce s-au cunoscut, tinerii s-au logodit, iar un an mai târziu s-au logodit. căsătorit legal. Căsătoria a permis eroului articolului nostru să intre în cele mai înalte cercuri ale societății.

Proaspeții căsătoriți trăiau bine. Rembrandt van Rijn a pictat multe portrete ale soției sale, inclusiv ea pozând pentru el când a creat capodopera Danae. Veniturile lui la acea vreme erau colosale. A cumpărat un conac în cea mai prestigioasă zonă a Amsterdamului, l-a mobilat cu mobilier șic, a creat o colecție impresionantă de opere de artă.

În căsătorie s-au născut patru copii, dar numai fiul cel mic Titus, născut în 1641, a supraviețuit. În 1642, Saskia a murit de o boală. Se pare că a luat cu ea norocul maestrului.

Decolorarea gloriei. Greutățile vieții

Din 1642, artistul a fost urmărit de soarta diabolică. Rembrandt van Rijn atinge apogeul talentului său. Pânzele lui, însă, devin din ce în ce mai puțin populare, pierde treptat clienți și studenți. În parte, biografii explică acest lucru prin captivanția maestrului: el refuză categoric să fie condus de clienți și creează așa cum îi spune inima. Al doilea motiv pentru stingerea gloriei marelui pictor se numește, destul de ciudat, priceperea și virtuozitatea lui, pe care locuitorii nu le-au putut înțelege și aprecia.

Viața lui Rembrandt se schimbă: el se sărăcește treptat, trecând dintr-un conac luxos într-o casă modestă la marginea orașului. Dar continuă să cheltuiască sume uriașe pe opere de artă, ceea ce duce la falimentul său complet. Problemele financiare sunt preluate de fiul mare Titus și de Hendrikje, amanta lui Rembrandt, din care s-a născut fiica sa Cornelia.

„Compania căpitanului Frans Baning Kok” - o pânză de 4 metri, cel mai mare tablou al maestrului, „Femeia care face baie”, „Flora”, „Titus într-o beretă roșie”, „Adorarea păstorilor” - acestea sunt lucrările a maestrului, scris de el într-o perioadă dificilă a vieții sale .

Creații ulterioare

În ultimii ani ai vieții sale, Rembrandt van Rijn, a cărui biografie este prezentată în articol, a atins culmile operei sale. El a fost cu două secole înaintea contemporanilor săi și a prezis dezvoltarea artei în secolul al XIX-lea în era realismului și impresionismului. O trăsătură distinctivă a lucrărilor sale ulterioare este monumentalismul, compozițiile la scară largă și claritatea imaginilor. Picturile „Aristotel cu bustul lui Homer” și „Conspirația lui Julius Civilis” sunt deosebit de caracteristice în acest sens. Pânzele „Întoarcerea fiului risipitor”, „Artaxerxes, Haman și Estera” și „Mireasa evreiască” sunt pătrunse de dramă profundă. Multe autoportrete au fost pictate de maestru în ultimii ani ai vieții sale.

Rembrandt van Rijn, ale cărui picturi sunt adevărate capodopere ale artei, a murit în sărăcie în 1969. A fost înmormântat în liniște în biserica Westerkerk din Amsterdam. A fost apreciat doar câteva secole mai târziu.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn: Picturile unui geniu

În timpul scurtei sale călătorii pe Pământ, Rembrandt a pictat aproximativ 600 de picturi, a realizat aproximativ 300 de gravuri (gravuri pe metal) și aproape 1.500 de desene. Cea mai mare parte a operei sale este păstrată la Rijksmuseum, Muzeul de Artă din Amsterdam. Cele mai cunoscute tablouri ale sale:

„Lecția de anatomie” (1632).
„Autoportret cu Saskia” (1635).
„Danae” (1636).
„Pazul de noapte” (1642).
„Întoarcerea fiului risipitor (166(7?)).

Rembrandt este unul dintre cei mai mari artiști din istorie. Până acum, nimeni nu a reușit să-i repete stilul caracteristic. Fiul de morar înzestrat și talentat a lăsat în urmă o moștenire neprețuită - capodopere ale artei mondiale.

Vizualizări