Arta Republicii Romane. Arta Republicii Romane Influența artei romane antice asupra timpurilor moderne

Apelul la folclorul muzical rus, precum și un studiu detaliat al partiturii de operă ale lui Glinka în procesul de pregătire a acestora pentru publicare, l-au ajutat pe compozitor să depășească speculativitatea unora dintre compozițiile sale, care au apărut ca urmare a unor studii intensive în tehnica compoziției. Două opere scrise după Maid of Pskov (1872) - Noaptea de mai (1879) și The Snow Maiden (1881) - au întruchipat dragostea lui Rimski-Korsakov pentru ritualurile și cântecul popular și viziunea sa panteistă asupra lumii.

Creativitatea compozitorului anilor '80. reprezentate în principal de lucrări simfonice: „Povestea” (1880), Sinfonietta (1885) și Concertul pentru pian (1883), precum și celebrele „Capriccio spaniol” (1887) și „Scheherazade” (1888). În același timp, Rimsky-Korsakov a lucrat în Corul Curții. Dar el își dedică cea mai mare parte a timpului și energiei pregătirii pentru spectacolul și publicarea operelor răposaților săi prieteni - Khovanshchina a lui Mussorgsky și Prințul Igor al lui Borodin. Este probabil că această muncă intensă pe partituri de operă a dus la faptul că opera lui Rimski-Korsakov s-a dezvoltat în acești ani în sfera simfonică.

Compozitorul revine la operă abia în 1889, creând feerica Mlada (1889-90). De la mijlocul anilor 90. unul după altul este urmat de „Noaptea de dinainte de Crăciun” (1895), „Sadko” (1896), prologul „Femeia Pskovite” – „Boierul Vera Sheloga” în un act și „Mireasa țarului” (ambele - 1898). În anii 1900 Sunt create Povestea țarului Saltan (1900), Servilia (1901), Guvernatorul Pan (1903), Povestea orașului invizibil Kitezh (1904) și Cocoșul de aur (1907).

De-a lungul vieții sale creative, compozitorul a apelat și la versuri vocale. În 79 dintre romanele sale sunt prezentate poezia lui A. Pușkin, M. Lermontov, A. K. Tolstoi, L. May, A. Fet și de la autori străini J. Byron și G. Heine.

Conținutul operei lui Rimski-Korsakov este divers: a dezvăluit, de asemenea, tema istorică populară („Femeia din Pskov”, „Legenda orașului invizibil Kitezh”), sfera versurilor („Mireasa țarului”, „ Servilia”) și drama cotidiană („Pan Voyevoda”), reflectau imaginile Orientului („Antar”, „Sheherazade”), întruchipează trăsăturile altor culturi muzicale („Fantezia sârbă”, „Capriccio spaniol” etc.) . Dar mai caracteristice pentru Rimsky-Korsakov sunt fantezia, fabulozitatea, conexiunile diverse cu arta populară.

Compozitorul a creat o întreagă galerie de imagini feminine unice în farmecul său, pure, ușor lirice - atât reale, cât și fantastice (Pannochka în „Noaptea de mai”, Snegurochka, Marfa în „Mireasa țarului”, Fevronia în „Povestea orașului invizibil”. din Kitezh") , imagini ale cântăreților populari (Lel în „The Snow Maiden”, Nezhata în „Sadko”).

Format în anii 1860. compozitorul a rămas fidel idealurilor sociale progresiste toată viața. În ajunul primei revoluții ruse din 1905 și în perioada de reacție care a urmat acesteia, Rimski-Korsakov a scris operele Kașchei Nemuritorul (1902) și Cocoșul de aur, care au fost percepute ca o denunțare a stagnării politice care domnea în Rusia.

Calea creativă a compozitorului a durat mai bine de 40 de ani. Intrând în ea ca un succesor al tradițiilor lui Glinka, el și în secolul XX. reprezintă în mod adecvat arta rusă în cultura muzicală mondială. Activitățile creative și muzicale-publice ale lui Rimski-Korsakov sunt multiple: compozitor și dirijor, autor de lucrări teoretice și recenzii, redactor de lucrări de Dargomyzhsky, Mussorgsky și Borodin, a avut o influență puternică asupra dezvoltării muzicii ruse.

Peste 37 de ani de predare la conservator, a predat peste 200 de compozitori: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev și alții Dezvoltarea temelor orientale de către Rimski-Korsakov („Antar”, „Sheherazade”, „Cocoșul de aur”) a fost de o importanță inestimabilă pentru dezvoltarea culturilor muzicale naționale din Transcaucazia și Asia Centrală și diverse peisaje marine ( „Sadko”, „Sheherazade”, „Povestea țarului Saltan”, ciclul de romane „Lângă mare”, etc.) au determinat foarte mult în pictura sonoră în aer liber a francezului C. Debussy și italianului O. Respighi.

Subiect: PE. Rimski-Korsakov. Creativitate simfonică.

Suita „Sheherazade”.

Acesta este un domeniu vast și important în moștenirea sa, în principal până în anii 90. În ceea ce privește conținutul și stilul muzical, opera simfonică are multe paralele cu opera (Sadko). Aici au fost găsite tehnici dramatice și mijloace expresive, care vor fi implementate ulterior.

Creativitatea simfonică se distinge prin diversitatea genurilor. Acest lucru este determinat de versatilitatea intereselor și bogăția de tipuri și forme de muzică simfonică rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Acestea sunt cicluri de program și non-program; Sinfonietta, tablouri simfonice, uverturi, fantezie, concert instrumental, muzică pentru teatru („Pskovityanka”). Rimski-Korsakov a dezvoltat tradițiile simfonismului de gen popular al lui Glinka și Balakirev. Stilul simfonic al compozitorului s-a format și sub influența maeștrilor școlii simfonice din Europa de Vest - Berlioz și Liszt. Cu Berlioz, este legat de dorința de intriga, de teatralitate; cu Liszt – principiul monotematismului.

Rimski-Korsakov este succesorul direct al lui Glinka în principiile scrisului orchestral: - echilibrul perfect al elementelor de textură;

Transparența și ușurința țesăturii orchestrale;

Stralucire, suculenta, plenitudine de sunet.

Compoziția orchestrei este dublă și triplă. Instrumentele de percuție se folosesc în funcție de nevoia artistică. Interpretarea posibilităților coloristice ale instrumentelor, aprobată de Rimski-Korsakov, a fost numită virtuoz-coloristică, în contrast cu cea expresivă a lui Ceaikovski.

Suita simfonică „Sheherazade” (1888) este încoronarea operei simfonice a lui Rimski-Korsakov. Aici trăsăturile simfonismului programului european au fost reflectate într-un mod deosebit; principiile monotematismului, leitmotivității și metodele de dezvoltare variațională au fuzionat. Fiecare parte a suitei este scrisă într-o formă mare, care sintetizează trăsăturile sonatei și poeziei, variații și rondalitate, conexiuni arcuite și laitmotive. Toate cele 4 părți sunt unite prin teme și transformarea imaginilor.

Partea 1 - "Marea" - scrisă sub formă de sonată fără dezvoltare. În introducere, sunt 2 laitmotive: tema lui Shahriyar (îngrozitor, războinic) și Scheherazade (grațios, ornamental, solo de vioară). Petrecerea principală este tema mării, intonație construită pe tema regelui Shakhriyar; o parte laterală este tema navei lui Sinbad.

Partea 2 - „Povestea Prințului Calendr” - se deschide cu tema Șeherazadei. Partea 2 este scrisă într-o formă complexă de 3 părți, secțiunile sale extreme sunt variații pe tema Calendra, mijlocul este un marș scherzo oriental fantastic. Tema negrabită și calmă a Calendrei la solo de fagot.

Partea 3 - „Țareviciul și prințesa” - a fost scrisă sub formă de sonată fără detalii. Tema țareviciului este moale, calmă, lirică, pentru suflat; tema prințesei este cochetă, jucăușă, pentru coarde.

Partea 4 - „Vărbătoarea la Bagdad” - o finală monumentală de gen popular sub formă de rondo, care unește materialul tematic al părților anterioare. Tema lezginka trece prin întreaga parte - un refren. Temele lui Shahriyar, Scheherazade, marea, prințesa, prințul, Calendr sună aici. Suita se încheie cu tema Șeherazadei.

3 instrumentisti de curs

PE. român-Opera Korsakov.

Operele lui Rimski-Korsakov sunt foarte diferite prin conținut și aspect artistic, prin formele și dramaturgia muzicală. Are opere istorice, de basm, lirico-dramatice, lirico-comedie, satirice, lirico-psihologice. Pânze monumentale de operă și opere de cameră într-un act. Cea mai mare parte este scrisă în subiecte rusești. Compozitorul a subliniat legătura dintre operele sale cu genurile de artă populară în subtitrări caracteristice:

- „Povestea de primăvară” („Crăiasa zăpezii”)

- „basm de toamnă” („Kashchei Nemuritorul”)

- „opera de colinde” („Noaptea dinainte de Crăciun”)

- „operă epică” („Sadko”)

Principiul principal al poeticii operistice a lui Rimski-Korsakov este împărțirea a ceea ce se întâmplă în două lumi:

Viața și fantezia;

uman și natural;

Binele și răul, lumina și întunericul;

Păgânismul și creștinismul.

Tendinţa generală spre orientarea filosofică a imaginilor. Un loc special este acordat scenelor rituale, rituale. O finală în două etape este adesea folosită: un deznodământ pentru unul sau mai mulți eroi și o codă generalizantă.

În orchestră, Rimski-Korsakov se manifestă în primul rând ca simfonist. Multe opere au sisteme laitmotiv. Orchestra este deosebit de colorată în episoade fantastice, imagini ale naturii, în principal datorită utilizării unor moduri și armonii neobișnuite: moduri crescute, reduse, scară de ton întreg, scară de ton-semiton. În alte cazuri, muzica are un caracter național.

La caracterizarea eroilor se folosesc atât arii de portret, cât și ansambluri de dezvoltare prin dezvoltare. În voce - stil ariose, compozitorul folosește recitative rar. O atenție deosebită este acordată opoziției imaginilor feminine: Snow Maiden - Kupava, Marfa - Lyubasha, Volkhova - Lyubava. Primele au coloratură, părți complexe, iar cele din urmă au melodii de cântec cu caracter popular.

3 instrumentisti de curs

Subiect: PE. Rimski-Korsakov. Opera „Crăiasa Zăpezii”.

- Perioada de dezvoltare a triburilor Italiei, cultura etrusca: 8 - 2 secole. î.Hr.
- Perioada „regale” a Romei Antice: 8 - 6 secole. î.Hr.
- Perioada republicană a Romei Antice: secolele V - I. î.Hr.
- Perioada imperială a Romei Antice: 1 - 5 secole. ANUNȚ (căderea Romei în 476 d.Hr.).

arta etrusca

Dezvoltarea artei romane se datorează în mare măsură vechii culturi artistice a etruscilor.
Înainte de stăpânirea romană în Italia, cea mai importantă zonă culturală era Etruria (cu excepția orașelor grecești) - o zonă situată pe partea de vest a Peninsulei Apenini.
Perioada celui mai mare apogeu politic al Etruriei este secolul al VI-lea. î.Hr.

Arhitectură

Templele etrusce sunt foarte asemănătoare ca tip cu cele grecești, dar
- stătea pe un piedestal înalt,
- avea o cornișă puternic proeminentă,
- de obicei bogat decorate cu detalii de teracotă.
Etruscii foloseau așa-numitul ordin toscan, asemănător celui doric (coloane fără flaut, dar aveau soclu și un capitel asemănător celui doric). Această arhitectură s-a format sub influența Greciei perioadei arhaice.

artă

Din a doua jumătate a secolului al VII-lea. î.Hr. Arta etruscă s-a dezvoltat sub influența Greciei.
Ca și în Grecia din perioada elenistică în picturile murale de la sfârșitul secolelor V-III. î.Hr. starea de spirit în pictură se schimbă, sunt înfățișate imagini sumbre ale lumii interlope, domnii lui Hades - Pluto și Proserpina, ... În imaginea sărbătorilor funerare, participanții sunt plini de tristețe și tristețe. Era în secolul al V-lea. î.Hr. Roma a început operațiuni militare împotriva Etruriei.

Pictură a mormântului Scuturilor din Tarquinia. Detaliu al unei figuri feminine. Frescă. BINE. 280 î.Hr

Din secolul al IV-lea. î.Hr. iar în secolele următoare, un loc mare în arta etruscă îl ocupă un portret - în picturile mormintelor și în sculptură.

Până în 280 î.Hr. Etruria era deja cucerită toată de Roma. În secolele III - II. î.Hr. Etruria, sub stăpânirea Romei, a cunoscut a doua sa ascensiune, deși nu la fel de strălucitoare ca în secolele V-IV. î.Hr e.
Arta continuă să se dezvolte în două direcții: una este asociată cu arta elenistică, cealaltă este tradițional locală.
Originalitatea artei etrusce a fost cea mai evidentă în portret. Acum obiceiul include înmormântarea în sarcofage și urne cu imaginea defunctului culcat pe capac.
Un astfel de portret este cel mai adesea doar fizionomic și rareori se ridică la unul psihologic.

Vechile tradiții etrusce sunt vizibile în statuia mare de bronz a oratorului.

Portretul arată clar atenția etruscilor față de trăsăturile fizionomice.

Arta Republicii Romane

Până la sfârșitul secolului al VI-lea. î.Hr. Roma a devenit o republică aristocratică a sclavilor.
Cea mai înaltă autoritate este Senatul, care nu putea include decât reprezentanți ai aristocrației (patricieni).
Poetul roman Horațiu a spus: „Grecia, luată în robie, i-a captivat pe cuceritorii sălbatici, aducând arta în severul Latius...” Deși nu există, fără îndoială, o exagerare poetică în aceste cuvinte, Horațiu a subliniat la figurat faptul că romanii s-au închinat în fața geniul artistic al grecilor.
La mijlocul secolului al II-lea. î.Hr. Roma a dominat întreaga Mediterană. Cartagina a fost distrusă, Grecia și Macedonia au fost transformate în provincii romane.
De la sfârșitul secolului al III-lea î.Hr. e. Comandanții romani au început să scoată opere de artă pe nave din orașele grecești cucerite. Acest lucru a contribuit la dezvoltarea gustului artistic al romanilor. Clădirile publice, templele și piețele Romei erau pline de statui frumoase. Printre aceștia s-au numărat creațiile unor maeștri atât de mari precum Phidias, Myron, Polykleitos, Skopas, Praxitep, Lysippus.

Potrivit legendei, orașul Roma a apărut încă din secolul al VIII-lea. î.Hr.
Potrivit legendei, Vestala a dat naștere a doi gemeni de la zeul Marte. Vestale - preotese ale zeiței Vesta, trebuiau să depună un jurământ de celibat. A fost condamnată la moarte pentru că și-a încălcat jurământul.
Regele a ordonat ca gemenii să fie aruncați în Tibru. Dar sclavii cărora li s-a încredințat acest lucru au lăsat coșul cu gemenii într-un loc puțin adânc, deoarece din cauza viiturii râului le era greu să se apropie de apa adâncă. Când scurgerea s-a diminuat, coșul s-a găsit într-un loc uscat. În plânsul gemenilor, o lupoaică a coborât în ​​fugă din munții din jur la râu pentru a se îmbăta și i-a hrănit cu laptele ei.
Curând copiii au fost găsiți de ciobanul regal. I-a adus acasă și i-a dat soției sale pentru a le crește. Gemenilor li s-au dat numele Romulus și Remus. Crescând, pe lângă vânătoare, au început să se angajeze și în faptul că i-au atacat pe tâlhari, le-au luat prada de la ei și au împărțit-o între păstori.
În cele din urmă, secretul a fost dezvăluit că ei erau nepoții regelui. Frații au decis să întemeieze un oraș nou în locurile în care au fost găsiți. La temelia ei, s-au certat, iar Romulus l-a ucis pe Remus și a numit orașul după el.

Arhitectură

Roma s-a format pe mai multe dealuri (Capitol, Palatin și Quirinal).
Piața centrală a Romei Antice este Forumul Roman (forum Romanum). În viitor, cinci forumuri (pătrate) s-au alăturat primului. Ca urmare a dezvoltării treptate, forumul a căpătat un caracter asimetric.
Clădirile din vremea Romei republicane mărturisesc stăpânirea deplină a ordinelor grecești. Practic, clădirile au fost construite din calcar, tuf și parțial din marmură.

În arhitectura romană, s-a răspândit un tip de templu rotund, tholos.
În aceste temple s-a folosit ordinul corintian, îndrăgit de romani, adoptat de ei de la greci.

1 in. î.Hr.

La Forumul Taurului se află un alt templu din vremea Republicii Romane. Un exemplu unic de pseudo-peripter.

Caracteristici ale arhitecturii romane - un podium, un portic adânc cu patru coloane.

Un alt templu, în plan rotund.

În secolul I î.Hr e. inginerul și arhitectul Vitruvius a creat tratatul „Zece cărți de arhitectură”, care era o adevărată enciclopedie a practicii de construcție a epocii sale. Vitruvius a formulat cerințele de bază care se aplică unei structuri arhitecturale de orice timp: trebuie să îmbine utilitatea, forța și frumusețea. De la arhitectul Romei Antice, era necesară o educație cuprinzătoare, inclusiv cunoștințe despre climă, știința solului, mineralogie, acustică, igienă, astronomie aplicată, matematică, istorie, filozofie și estetică arhitecturală.

artă

În artele vizuale ale Romei republicane, influența artei grecești și etrusce este remarcabilă.
Dar în arta greacă dominau imaginile zeilor, eroilor mitologici și sportivilor. Portretul din Grecia a apărut relativ târziu (la mijlocul secolului al V-lea î.Hr.).
La Roma, dimpotrivă, portretul a căpătat o importanță dominantă. În portret, mai ales în cel sculptural, s-a manifestat originalitatea artei romane.
De asemenea, în pictură, nu temele mitologice, ci comploturile care povestesc despre evenimente specifice câștigă popularitate.

Arhitectură

Cea mai veche lucrare a primelor decenii ale republicii este celebra sculptură din bronz:

Tehnica excelentă de turnare a bronzului sugerează că aceasta este opera maeștrilor etrusci.

Conform cultului consacrat, nobilii romani au comandat imagini sculpturale ale defunctului fie sub forma unei stele, care era așezată pe mormânt, fie sub formă de busturi portret.
Maeștrii secolului I. î.Hr., în timp ce lucrau la un portret, au urmat exact natura, adesea, probabil deja pe un chip mort. Nu au schimbat nimic și au păstrat toate micile detalii.
Expresia feței în astfel de portrete este întotdeauna calmă, ridurile de pe frunte sunt marcate, privirea este lipsită de viață, colțurile gurii sunt coborâte. Părul este tuns scurt și aproape de frunte.
Cel mai adesea, bărbații sunt înfățișați, deja în ani.
În portretul feminin iese în evidență clar o trăsătură caracteristică artei romane: absența oricărei idealizări.

Odată cu dezvoltarea vieții publice și creșterea rolului comandantului cuceritor, omul de stat, nu numai piatra funerară, ci și sculptura seculară apare la Roma. Această sculptură este o statuie onorifică a unui roman învelit într-o togă.

Un model similar de draperie, doar mai moale, se păstrează pe statuile din sec. I - II. ANUNȚ

Pictura

La Roma, secolele II - I. î.Hr., sunt create picturi care înfățișează bătălii și triumfuri (cunoscute din surse literare). Picturile de luptă au reprodus cu exactitate zona în care a avut loc bătălia și dispoziția trupelor. Astfel de picturi au fost purtate într-o procesiune triumfală și expuse în locuri publice pentru ca toți să le vadă. Picturile înfățișau portrete ale învingătorilor în toge albe cu margine violetă, defilând în fruntea unei armate sau în care.

Primul stil decorativ - incrustație.
Toate detaliile arhitecturale (pilaștri, cornișe, plinte, rafturi, pătrate individuale) au fost realizate tridimensional din ipsos, apoi vopsite.

Al doilea stil decorativ - arhitectural și promițător.
Detaliile arhitecturale nu sunt create în volum, ci sunt reprezentate prin pictură (coloane, pilaștri, cornișe complexe, nișe).
Impresia de volum se realizează prin utilizarea reducerii perspectivei.
Picturile tematice sunt introduse în decorarea pereților (cel mai adesea repetarea originalelor grecești).

Vila misterelor.
anii 60 î.Hr.

(Vă avertizez - biletul a fost făcut pentru a-i face pe dragii mei colegi să zâmbească în strălucirea pregătirii pentru examene J și, de asemenea, cu scopul de a-și înțelege clar „ce rost are asta.”

Caracteristici generale.

Aproape întreaga moștenire simfonică a lui R.-K. a fost creat de el înainte de anii 90, o parte din lucrare a fost revizuită ulterior, dar aceasta nu a avut caracter de ediții cardinale. Simfonia I a suferit cea mai semnificativă modificare, în timpul căreia Rimski-Korsakov a lucrat la formă, textura și instrumentație. (Desigur, timpul a trecut și, pe măsură ce bagajul de cunoștințe și abilități s-a îmbogățit, Rimsky a considerat că este necesar să corecteze „erorile” profesionale timpurii chiar acolo, pentru care a fost pichenka!J)

În ceea ce privește imaginile și trăsăturile stilistice, simfonic opera sa este paralelă cu cea a operei. ( Ei bine, este oarecum de înțeles, un compozitor normal probabil că întotdeauna unele cântece le influențează pe altele, orice s-ar spune cineva și, ca rezultat, un fel de mâncare generală)

Genurile operelor simfonice ale lui Rimski sunt mai mult decât evidente: program (pictură muzicală „Sadko”, cunoscutul Antar, Șeherazada) și non-program (simfonii, suite, chiar și o simfonietă (1884), concerte, uverturi, are mai multe „Capriccio spaniol”) Simfonie. (așa e, în viață trebuie să încerci să faci pipi totul: ambele)

Și acum mai detaliat.

Simp. non-program. staniu.
„Uvertură pe teme rusești” (1886) în re major
„Fantezie pe teme sârbeşti” (1867).
Din punct de vedere stilistic, ele sunt foarte apropiate de lucrările lui Balakirev din anii 60. ( Este posibil ca B. să fi fost cel care l-a înhămat pe Rimski să le scrie, mai ales dacă vă amintiți că are și el lucrări de acest gen (uverturi în rusă - 2 piese, și în cehă - 1 bucată), ei bine, Rimski a luat temele pentru aceste uverturi, ghici de unde? - din colecția de folclor a lui Balakirev, prin urmare știm cu toții că primul colecționar de folclor cu publicarea colecțiilor în Rusia este Balakirev.)

Simfonii.
Simfonia I (terminată în 1865) este un exemplu care marchează într-o oarecare măsură nașterea simfoniei ruse (cum a remarcat Cui), dar, desigur, este inferioară simfoniilor timpurii ale lui Teanik și simfoniilor lui Borodin. În general, se simte influența simfonismului lui Glinka. (nu există unde să meargă și asta e mai mult bine decât rău)

Simfonia nr. 3 (1873) Ceaikovski părea să-i placă, dar se pare că kuciștilor nu le-a plăcut prea mult. Și tot de ce - pentru că, spun ei, vezi, li s-a părut o lucrare „academică” și „conservatorie”. Acest lucru este ciudat, pentru că există o mulțime de epopee pe care le iubesc, mai ales în părțile extreme ale ciclului, începând de la introducere până la 1 oră și terminând cu coda finală.

Sinfonietta (1884), de altfel, a fost compusă, oarecum, pe teme populare. („Este ceață pe câmp” - GP din prima parte, „Pera verde se leagănă în grădină” - o temă de 2 ore, iar finalul conține „Soțul meu are un băutor de apă”, „Și frunzele sunt groase pe mesteacăn”). Pe scurt, simfonietta este un gen până la măduvă.

„Capriccio spaniol” (1887) - palidă continuă șirul din „Jota de Aragon” și „Nopți la Madrid” lui Glinkin! Imagini ale vieții populare în cinci părți: Alborada - Variațiuni - Alborada - Scenă și cântec țigănesc - Fandango). Dar Rimski nu a mers în Spania, ca Glinka, ci a rostogolit teme din Colecția de cântece și dansuri a lui José Inseng. Aici. Principiul dezvoltării tematismului, desigur, este variațional. Una peste alta, pare să fie la fel peste tot.

Concert pentru pian (1882) într-o singură mișcare. Este construită pe o temă populară, din nou preluată din colecția lui Balakirev, „Adunați-vă, frați și băieți”.
Formă cu trăsături de sonată și tripartită, variații libere.
Pianistic, aici sunt multe, ca la Balakirev, există și niște maniere pentru trucurile lui Liszt, precum echipamente mari etc.

caracteristici ale simfonismului program R.-K.

Imaginile sunt fabuloase, imagini frumoase cu „Rusianness” sau „Russian East” sau pur și simplu „Est”, dacă se dorește, introducerea acolo a tot felul de începuturi fantastice, ca, de exemplu, cel puțin în „The Tale” (1880) pentru orchestră.
Apare prezentare pitorească, din care metoda de potrivire a imaginilor este de înțeles și, prin urmare suită. Suite și picturi - nu cicluri sonate-simfonice! - aici, sper, nu poți explica mai departe.
Dramaturgia poartă narativ personaj, este clar că în „Sheherazade” – acesta este în general un program: Sh. spune basme. Decizie formativă în acest sens în „Sh.” spiritual: sonate fără r-ki (părțile 1 și 3), variații rondo (partea 4) - unde se pune conflictul? totul aici este obiectiv, frumos și sigur.J
Bine întuneric târziu – Dumnezeu însuși a poruncit, e roman! Cum poți afișa imagini? Iar temele târzii formează aici doar un factor al integrității dezvoltării.

P.S. A ajutat în orice fel a putut. J Nu lovi tare.

În primul mileniu î.Hr. e. în jurul orașului Roma a apărut un stat, care a început să-și extindă posesiunile în detrimentul popoarelor vecine. Această putere mondială a durat aproximativ o mie de ani și a trăit din exploatarea muncii sclavilor și a țărilor cucerite. Roma deținea toate pământurile adiacente Mării Mediterane, atât în ​​Europa, cât și în Asia și Africa. Prin urmare, arta, în special arhitectura, a fost chemată să arate lumii întregi puterea puterii statului. Războaiele nesfârșite, setea de cucerire, în care Roma s-a maturizat și a crescut, au necesitat efortul tuturor forțelor, de aceea baza societății romane era disciplina fermă în armată, legi ferme în stat și puterea fermă în familie. Mai presus de toate, romanii au pus capacitatea de a conduce lumea. Virgil a spus:

Tu conduci popoarele cu putere, Roman, aminteste-ti!
Iată, artele tale vor fi: condițiile pentru a impune lumea,
Cruță-i pe cei asupriți și răsturnați-i pe cei mândri!

("Eneida")

Romanii au subjugat întreaga Mediterană, inclusiv Hella, însă Grecia însăși a captivat Roma, pentru că a avut o influență puternică asupra întregii culturi a Romei - în religie și filozofie, în literatură și artă.

Legenda spune că uzurpatorul Amulius a pus mâna pe tronul fratelui său, regele Alba Longei, Numitor, bunicul gemenilor Romulus și Remus, și a ordonat să fie aruncați pruncii în Tibru. Tatăl gemenilor, Marte, și-a salvat fiii, iar aceștia au fost hrăniți de o lupoaică trimisă de Dumnezeu. Băieții au fost apoi crescuți de ciobanul Faustul și de soția sa, Akka Larentia. Când frații au crescut, l-au ucis pe Amulius, i-au redat puterea bunicului lor și au întemeiat orașul în locul în care i-a găsit lupoaica. În timpul construcției zidurilor noului oraș, a izbucnit o ceartă între frați, iar Romulus l-a ucis pe Remus. Orașul a fost construit și numit după Romulus de către Roma, iar Romulus însuși a devenit primul său rege.

O parte a culturii a fost împrumutată de romani de la alte națiuni. Mult - printre etrusci, dar mai ales - printre greci. Romanii au împrumutat de la etrusci lupte de gladiatori, jocuri de scenă, natura sacrificiilor, credința în demonii buni și răi. Romanii, ca și etruscii, au preferat sculptura din arte, și nu sculptura, ci modelarea - din lut, ceară, bronz.

Arhitectură

Cu toate acestea, principalul predecesor al artei romane a fost încă Grecia. Chiar și romanii au luat multe dintre credințele și miturile lor de la greci. Romanii au învățat să construiască din piatră arcuri, bolți simple și cupole.

Au învățat să construiască structuri mai diverse, de exemplu, clădirea rotundă a Panteonului - templul tuturor zeilor, avea un diametru de peste 40 de metri. Panteonul era acoperit cu o cupolă uriașă. care a fost un model pentru constructori și arhitecți de secole.

De la greci, romanii au adoptat capacitatea de a construi coloane. În cinstea generalilor, romanii au construit arcuri de triumf.

Clădirile destinate distracției nobilimii romane se distingeau prin măreție deosebită. Cel mai mare circ roman - Colosseum, a găzduit 50.000 de spectatori. Era un amfiteatru - într-un mod similar și acum se construiesc circuri și stadioane.

Băile romane, care au fost numite băi, au fost și locuri originale de recreere și distracție. Erau toalete, vestiare, piscine, săli de exerciții, terenuri de sport și chiar biblioteci. Sălile spațioase erau acoperite cu bolți și cupole, pereții erau căptușiți cu marmură.

Pe marginea piețelor se construiau adesea clădiri judiciare și comerciale mari - b a z și l și k. La Roma au fost create atât palatele domnitorilor, cât și case cu mai multe etaje pentru săraci. Romanii cu venituri medii locuiau în case separate, care înconjurau o curte deschisă - iar în mijlocul atriumului era un bazin pentru apa de ploaie. În spatele casei era o curte cu coloane, o grădină, o fântână.

În anul 81, în cinstea împăratului Titus și a victoriei sale asupra Iudeii, pe drumul sacru care duce la Dealul Capitolin a fost ridicat un Arc de Triumf cu o singură treaptă, de 5,33 m lățime. Arcul de marmură avea 20 de metri înălțime. Deasupra travei a fost sculptată o inscripție dedicată lui Tit, iar arcul a fost decorat și cu reliefuri înfățișând alaiul victorios al romanilor, realizate în ture și mișcări complexe.

Panteonul a fost ridicat sub împăratul Hadrian (117-138). Templul este construit din piatră, cărămidă și beton. Clădirea rotundă are o înălțime de 42,7 m și este acoperită de o cupolă de 43,2 m diametru. Din exterior, clădirea este destul de modestă, este decorată doar cu un portic cu coloane corintice din granit roșu. Dar interiorul a fost un model de excelență tehnică și lux. Podeaua templului este căptușită cu plăci de marmură. Peretele este împărțit în înălțime în două niveluri. În nivelul inferior erau nișe adânci, în care se aflau statui ale zeilor. Partea superioară este disecată de pilaștri (pervazuri dreptunghiulare) din marmură colorată. Iluminarea templului este rezolvată printr-o gaură în cupolă, o „fereastră” cu diametrul de 9 m, așa-numitul ochi al Panteonului. Podeaua de sub acest „ochi” are o pantă abia vizibilă pentru scurgerea apei.

Numele clădirii vorbește de la sine - „panteon”, un templu al panteonului vechilor zei romani. Trebuie remarcat faptul că clădirea care se află și astăzi nu este primul templu de pe acest sit. Sub împăratul Augustus, primul templu a fost construit, dar apoi a ars într-un incendiu în Roma antică. În memoria primului constructor, un asociat al împăratului Augustus, Mark Agrippa, inscripția „M. Agrippa l f cos tertium fecit.

Sub împărații Vespasian și Titus, în 75-82. a fost construit un imens amfiteatru pentru lupte de gladiatori – Colosseumul (din latinescul „colosseum” – colosal). În plan, era o elipsă, 188 m lungime, 156 m lățime, 50 m înălțime. Zidul este împărțit în trei niveluri. În vârf au tras o copertă de la ploaie și soare. Mai jos erau statui. Arena putea găzdui până la 3.000 de perechi de gladiatori. Arena putea fi inundată cu apă și apoi s-au jucat bătălii navale.

Apeductul Roman este un apeduct, dar în același timp funcțional și elaborat, artă perfectă. Deasupra era un canal, despărțit printr-o cornișă, dedesubt - arcade, chiar mai jos - izolat vizual de arcadele suportului. Liniile orizontale lungi, neîntrerupte, ascundeau înălțimea și subliniau infinitatea apeductului care se întindea în depărtare.

Sculptura a fost importată pentru prima dată din Grecia. Apoi au început să o copieze din greacă. Cu toate acestea, a existat și o sculptură romană independentă. Acestea erau portrete sculpturale și imagini în relief, monumente pentru împărați și generali.

Perioada domniei lui Octavian Augustus este numită de istoricii antici „epoca de aur” a statului roman. „Lumea romană” stabilită a stimulat o ascensiune mare în artă și cultură. Împăratul este înfățișat într-o ipostază calmă, maiestuoasă, mâna este ridicată într-un gest îmbietor; părea să apară în ținuta de general în fața legiunilor sale. Augustus este înfățișat cu capul gol și cu picioarele goale, o tradiție în arta greacă care înfățișează zei și eroi goi sau semi-goli. Fața lui Augustus poartă trăsături de portret, dar este totuși oarecum idealizată. Întreaga figură întruchipează ideea de măreție și putere a imperiului.

Compozitorul The Mighty Handful N. A. Rimsky-Korsakov

Rimski-Korsakov- o figură destul de epocală în istoria dezvoltării muzicii clasice rusești, pentru a-i dedica numai lui o serie întreagă de articole. Dar deocamdată, să încercăm să ne descurcăm cu o scurtă biografie ca parte a ciclului despre. La început a fost doar un tânăr compozitor talentat, un elev al lui Balakirev și asociatul său, ca și alți compozitori care făceau parte din cerc.

În timp ce a visat la măreția și gloria celebrului compozitor și a fost mai mult un profesor militar decât un compozitor, Rimski-Korsakov s-a dovedit a fi cel mai prolific ca compozitor și mai târziu ca profesor. La urma urmei, el nu a fost doar membru al Cercului Balakirev și al Mâniței Puternice. De asemenea, a fost membru de onoare al cercului Belyaevsky, mai ales când cercul Balakirev a dispărut, de fapt.

Dar mai întâi lucrurile.

Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov s-a născut la 6 martie 1844, într-o familie a unei vechi familii nobiliare. Tatăl său, Andrei Petrovici, a servit de ceva timp ca viceguvernator al Novgorodului (Nikolai Andreevich s-a născut în regiunea Novgorod), apoi a început să ocupe postul de guvernator al orașului Volyn.

Mama viitorului compozitor a fost o femeie educată și inteligentă, în ciuda originilor ei destul de dubioase. Era fiica unui proprietar bogat Skaryatin și a unei fete iobag. Mama a avut o mare influență asupra fiului ei. Primele sale lecții de muzică au avut loc acasă și abia atunci - într-un internat, unde s-au numărat printre subiectele generale.

Fratele mai mare al lui Nikolai Andreevich, Voin Andreevich Rimsky-Korsakov, a avut, de asemenea, o influență considerabilă asupra dezvoltării preferințelor viitorului compozitor. Voin Andreevich însuși a devenit un reorganizator binecunoscut al sistemului de educație navală. Așa că Nikolai, pe de o parte, a studiat muzica cu entuziasm și, pe de altă parte, a intrat în cele din urmă în Corpul Cadeților Navali. Tatăl său l-a adus acolo în 1856. Și în anii următori, până în primăvara lui 1862, Nikolai a studiat cu sârguință afacerile navale.

Eforturile sale nu au fost în zadar, iar în cele din urmă și-a încheiat studiile cu onoruri. Dar tatăl său, Andrei Petrovici, nu a trăit până să vadă ziua aceea. El murise cu un an înainte, în 1861. După aceea, întreaga familie s-a mutat imediat la Sankt Petersburg.

in Marina

Anul 1861 a devenit pentru viitorul compozitor nu numai anul morții tatălui său, ci și anul cunoașterii. Acela, din câte vă amintiți, era în general o personalitate destul de caracteristică. I-a plăcut imediat Nikolai și a decis să-l ia în cercul său. Ce putem face, Mily Alekseevich avea o pasiune pentru educarea tinerilor compozitori. el a încurajat acest lucru într-o mică măsură, astfel încât Rimski-Korsakov a devenit legal membru al Mighty Handful și a scris prima sa simfonie. Sub îndrumarea aceluiași Balakirev, a făcut toate aranjamentele, a făcut cumva orchestrația și a plecat să slujească în flotă, unde a fost repartizat. În acel moment, cercul Balakirev includea nu numai Rimski-Korsakov, ci și Modest Petrovici Mussorgsky, precum și Caesar Cui.

Repin I.E. Portretul lui N.A. Rimski-Korsakov. 1893

Este destul de dificil să spunem clar cine a fost adevăratul creator al operelor acelor ani. Nu, creatorii, desigur, au fost Mussorgski, Cui și Rimski-Korsakov. Dar. Era doar un singur mare, mare DAR: Balakirev stătea în spatele lor tuturor.

El a fost cel care le-a fost inspiratorul ideologic, „chinuitorul” și corectorul. Dacă nu-i plăcea ceva, putea pur și simplu să forțeze întreaga lucrare să fie reluată și, ca urmare, a mai rămas puțin din versiunea originală până când Profesorul a fost mulțumit și, prin urmare, tinerii compozitori au scrâșnit din dinți, dar au continuat să servește ca un fel de perie în mâinile iscusite ale lui Balakirev.

Dar să revenim la eroul poveștii noastre. Așa că a plecat să servească în Marina. La început a servit pe nava Almaz Clipper. Datorită acestui serviciu, el a vizitat multe țări interesante ale vremii, printre care Anglia, Norvegia, Polonia, Franța, Italia, Statele Unite ale Americii, Brazilia și Spania. Inutil să spun că Nikolai a absorbit o mulțime de impresii, ceea ce, ei bine, a fost pur și simplu un păcat să nu le întruchipezi în partitură. A făcut acest lucru, transmițând aceste stări în orchestrații lucrărilor sale cu culori strălucitoare și bogate.

De remarcat, totuși, serviciul de pe mașină de tuns practic nu i-a lăsat oportunitatea de a-și îmbunătăți abilitățile de compoziție. Și, în general, nu a fost mai ales timp de scris, serviciul unui marinar este complex și bogat. Prin urmare, în toți acești ani, de sub condeiul lui a apărut doar a doua parte a Primei Simfonii. A scris-o la sfârșitul anului 1862, după care a abandonat mult timp scrisul.

Înconjurat de compozitorii Mighty Handful

Rimsky-Korsakov N.A., portret

Aceasta a continuat până când s-a întors din călătoria sa. Apoi se trezește din nou înconjurat de compozitorii Mighty Handful, unde întâlnește un nou membru al cercului - un tânăr chimist talentat, care își dă și speranța că va deveni un compozitor excelent.

Curând, Balakirev l-a prezentat pe Nikolai Andreevich unor oameni remarcabili precum Pyotr Ceaikovski, Alexander Dragomyzhsky și Lyudmila Shestakova.

În cele din urmă, Mily Alekseevich l-a forțat pur și simplu pe compozitorul începător să rescrie complet Prima Simfonie. Pentru a lucra cu el, în general, trebuia să ai o modestie și răbdare de invidiat, dar totuși trebuia să rescrie complet scherzo-ul, să refacă întreaga orchestrație și abia atunci profesorul și-a aprobat munca. Mai mult, în 1865 a fost interpretată pentru prima dată Simfonia I a lui Rimski-Korsakov. Interpretul primei ediții a Simfoniei I a fost însuși Balakirev. Și apoi s-a întâmplat că a devenit interpretul principal al tuturor lucrărilor timpurii ale lui Rimski-Korsakov.

Continuarea povestirii despre calea vieții și creativitate