Lucrează Rembrandt van Rijn. Rembrandt - tot ce trebuie să știi despre celebrul artist olandez. Situație financiară dificilă

Rembrandt Harmens van Rijn este un artist și gravor de renume mondial. Biografia lui Rembrandt este foarte interesantă, așa că nu este surprinzător faptul că o cantitate colosală de cercetare istorică a artei și monografii științifice sunt dedicate studiului vieții și operei sale.

primii ani

Artistul Rembrandt, a cărui biografie este discutată în acest articol, s-a născut în familia morarului Harmen Gerrits în 1606. Numele mamei sale era Neltje Willemsdochter van Rijn.

Datorită faptului că lucrurile mergeau bine pentru tatăl său la acea vreme, viitorul pictor a primit o educație destul de bună. A fost repartizat la o școală latină, dar tânărului nu-i plăcea să învețe acolo, așa că succesul său a lăsat de dorit. Drept urmare, tatăl a cedat cererilor fiului său și i-a permis să meargă să studieze la atelierul de artă al lui Jacob van Swanenburch.

Biografia lui Rembrandt este interesantă deoarece primul său mentor nu a avut o influență puternică asupra stilului artistic al pictorului. Cea mai mare influență asupra artistului aspirant a avut-o cel de-al doilea profesor, la care s-a mutat după trei ani de muncă cu Svanenbuerch. Acesta a fost Peter Lastman, al cărui elev a devenit Rembrandt când s-a mutat la Amsterdam.

Creativitatea și biografia artistului

O scurtă biografie a lui Rembrandt van Rijn nu ne permite să descriem în detaliu întreaga sa carieră și viață, dar este încă destul de posibil să distingem punctele principale.

În 1623, artistul s-a întors acasă în orașul Leiden, unde până în 1628 și-a dobândit propriii studenți. Informațiile despre primele sale lucrări cunoscute datează din 1627.

Rembrandt Harmensz van Rijn a mers sistematic și sârguincios către succesul său creativ - biografia pictorului talentat indică faptul că în primele etape ale lucrării sale a lucrat neobosit.

În acel moment, el și-a pictat în principal familia și prietenii, precum și scene din viața orașului natal. Galeria Kassel adăpostește un portret al unui bărbat cu un lanț dublu de aur la gât, datând tocmai din această perioadă din viața artistului cunoscut în întreaga lume drept Rembrandt. Biografia și opera acestui pictor au început să atragă atenția chiar atunci.

Mutarea la Amsterdam

În 1631, tânărul s-a mutat să locuiască în capitală - orașul Amsterdam. De acum înainte, el apare extrem de rar pe meleagurile natale. Biografia lui Rembrandt în această etapă a vieții și operei sale este plină de dovezi că el câștiga rapid faimă și succes creativ în cercurile bogate din Amsterdam.

Aceasta este o etapă foarte fructuoasă în viața unui artist. Rembrandt, a cărui scurtă biografie este prezentată în articolul nostru, a muncit foarte mult, îndeplinind multe comenzi și, în același timp, fără a uita să se îmbunătățească constant. Artistul a desenat din viață și a gravat personaje interesante pe care le-a întâlnit în cartierul evreiesc al orașului.

Atunci au fost pictate picturi renumite precum „Lecția de anatomie” (1632), „Portretul lui Coppenol” (1631) și multe altele.

Succes creativ și financiar

În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu Saskia van Uylenborch, care era fiica unui avocat de succes. În multe privințe, aceasta a marcat cea mai de succes perioadă din viața și opera artistului. Are destui bani și multe comenzi, pe care le îndeplinește de bunăvoie.

Biografia lui Rembrandt din acea perioadă indică faptul că îi plăcea să-și picteze soția, nu numai în portrete, dar adesea imaginea ei poate fi văzută în alte picturi ale pictorului.

Cele mai faimoase picturi care o înfățișează pe tânăra soție a artistului sunt:

• „Portretul unei mirese de Rembrandt”;
• „Portretul lui Saskia”;
• — Rembrandt cu soția lui.

Rembrandt: o scurtă biografie după moartea primei sale soții

Căsnicia fericită a tânărului nu a durat foarte mult. După șapte ani de căsătorie, Saskia a murit brusc în 1642. Și din acel moment întreaga viață a artistului începe să se schimbe în rău.

În ciuda faptului că Rembrandt s-a căsătorit a doua oară, nu a mai avut aceeași fericire ca în prima căsătorie. Partenerul său de viață a fost fosta lui servitoare Hendrikie Jagers.

În acea perioadă a vieții sale, artistul a întâmpinat dificultăți financiare grave, nu din cauza lipsei de muncă și a comenzilor, ci din cauza propriei dependențe de a colecta opere de artă, pentru care și-a cheltuit majoritatea veniturilor.

Pasiunea pentru colecționare a dus la faptul că în 1656 a fost declarat debitor care nu-și putea achita datoriile, iar în 1658 a fost nevoit să renunțe la propria casă pentru plata datoriilor. Din acel moment, artista a locuit într-un hotel.

Înrăutățirea situației

Gendrikis și fiul lui Rembrandt, Titus, au fondat o societate comercială pentru vânzarea operelor de artă. Cu toate acestea, lucrurile încă nu au mers prea bine, iar după moartea lui Hendriki în 1661, situația s-a înrăutățit și mai mult. Șapte ani mai târziu, a murit și fiul care a gestionat afacerile companiei.

Situația financiară a marelui artist devine pur și simplu teribilă, dar sărăcia nu i-a ucis dorința de a crea. Continuă să picteze cu încăpăţânare tablouri, care, însă, nu se mai bucură de acelaşi succes în rândul contemporanilor săi ca înainte, pentru că gusturile publicului s-au schimbat de-a lungul anilor.

Rembrandt Harmens van Rijn a murit în octombrie 1669, complet singur și în sărăcie extremă.

Rembrandt: biografie, picturi

Spre deosebire de contemporanii marelui pictor, generațiile următoare au apreciat foarte mult nu numai lucrările timpurii ale artistului, ci și lucrările și pânzele ulterioare ale lui Rembrandt. Astăzi, maestrul este personificarea picturii olandeze și unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai acesteia.

Laitmotivul principal al întregii sale opere poate fi numit realism, care pătrunde în toate lucrările autorului. Chiar și atunci când descrie subiecte mitologice, Rembrandt demonstrează zeii și zeițele grecești antice sub masca locuitorilor contemporani ai Olandei. Un exemplu izbitor în acest sens este pictura „Danae”, care este păstrată în Muzeul Ermitaj de Stat din Sankt Petersburg.

Unele picturi mitologice au, în general, reprezentări semi-caricaturale ale zeilor și zeițelor. Acest lucru poate fi văzut în lucrarea „Răpirea lui Ganymede” (al doilea titlu „Ganymede în ghearele unui vultur”), păstrată în Muzeul din Dresda. Aici proporțiile corpului lui Ganymede nu corespund realității, ceea ce nu vorbește despre nivelul scăzut de îndemânare a artistului, ci despre abordarea sa caricaturală intenționată a descrierii personajului pe pânză, deoarece în multe picturi Rembrandt realizează cu ușurință chiar și elemente complexe care înfățișează. părți ale fiziologiei și anatomiei umane.

Lucrările portretistice ale artistului se disting în general printr-un realism și credibilitate fără precedent pentru vremea lui, care vorbește despre talentul și capacitatea incredibilă a maestrului de a transfera pe pânză ceea ce a văzut în viață, precum și cunoștințele sale destul de profunde despre anatomia și fiziologia umană.

Pentru acest gen de lucrari, artistul este foarte atent si precis cu diverse detalii si mici accesorii. Acest lucru se vede clar în imagini:

• „Caligraf” (Muzeul Ermitaj de Stat);
• „Lecția de anatomie” (Mauritshuis);
• „Breasla țesătorilor” (Muzeul din Amsterdam).

Stilul creativ

Este caracteristic lucrărilor lui Rembrandt că toate elementele importante ale tabloului sunt întotdeauna aduse în prim-plan de către artist, indiferent de trăsăturile compoziționale. Artistul nu se străduiește întotdeauna să arate că oamenii sau obiectele descrise sunt corecte din punctul de vedere al realității. El este caracterizat de hiperbolism deliberat.

Principala caracteristică care străbate toate lucrările sale este lipsa culorilor strălucitoare și a culorii. Mai mult, acest lucru poate fi văzut din primele lucrări ale artistului. Și acest lucru îi deosebește foarte mult de picturile maeștrilor italieni sau, de exemplu, de opera pictorului flamand Rubens.

Rembrandt a pus cel mai mare accent pe jocul culorilor cu luminile și umbrele. În acest sens, priceperea lui este considerată recunoscută și de neîntrecut până astăzi. Uneori, jocul de culori pe pânzele artistului este atât de puternic încât experții în artă încă se ceartă despre ce moment al zilei este reprezentat în pictură.

Unul dintre cele mai izbitoare exemple ale picturii lui Rembrandt cu o paletă atât de magnifică este, probabil, cea mai faimoasă pictură a sa, „The Night Watch”, dezbaterea despre care continuă și astăzi.

„Pazul de noapte”

Acest tablou este intitulat oficial „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”, dar în întreaga lume este numit în mod obișnuit „Căpitanul de noapte”.

Cu toate acestea, datorită dragostei artistului pentru jocul de lumini și umbre descris mai sus, dezbaterile despre ce moment al zilei este reprezentat în imagine, zi sau noapte, sunt încă în desfășurare și nu există un răspuns cert.

Această pânză este un simbol și cea mai izbitoare lucrare nu numai a lui Rembrandt însuși, ci și a întregii școli olandeze de pictură. Este considerată proprietatea Regatului Țărilor de Jos și a artei mondiale în general.

Milioane de turiști din întreaga lume vin în Amsterdam în fiecare an pentru a vizita Rijksmuseum și pentru a admira faimoasa pictură. Toată lumea vede ceva diferit în ea, fiecare are propria impresie și părere despre acest tablou. Dar rămâne întotdeauna neschimbat faptul că această lucrare magnifică a celebrului creator nu lasă pe nimeni indiferent.

Concluzie

Astăzi, pictorul și gravorul Rembrandt, a cărui scurtă biografie și lucrare au fost descrise în acest articol, este mândria nu numai a țării sale natale. Este cunoscut în întreaga lume, iar picturile sale sunt admirate de cunoscătorii de artă și pictură de pe toată planeta. Picturile artistului sunt cumpărate cu ușurință pentru sume incredibile de bani la licitații în care sunt vândute picturi și opere de artă, iar numele Rembrandt este bine cunoscut de oricine are chiar și cea mai mică idee despre artă.

Este greu de supraestimat contribuția creativă a acestui mare artist la pictura și cultura țării sale și a lumii întregi. Nu degeaba astăzi școala olandeză de pictură este asociată în primul rând cu numele de Rembrandt Harmensz van Rijn.

„Flora” (1641, Dresda)

Pilda omului bogat (1627, Berlin)

Returnarea a 30 de piese de argint de către Iuda (1629, colecție privată)

Autoportret (1629, Boston)

Ieremia deplânge distrugerea Ierusalimului (1630, Amsterdam)

Portretul unui om de știință (1631, Ermitage)

Anna profetesa (1631, Amsterdam)

Apostol Petru (1631, Israel)

Furtuna pe Marea Galileii (1663, Boston)

Autoportret cu Saskia (1635, Dresda)

Sărbătoarea lui Belşaţar (1638, Londra)

Predicatorul și soția sa (1641, Berlin)

„Saskia cu pălărie roșie” (1633/1634, Kassel)

Podul de piatră (1638, Amsterdam)

Portretul Mariei Tripp (1639, Amsterdam)

Sacrificiul lui Manoah (1641, Dresda)

Fată (1641, Varșovia)

Veghea de noapte (1642, Amsterdam)

Sfânta Familie (1645, Schitul)

Flora (1654, New York)

Întoarcerea fiului risipitor (c. 1666-69, Ermitage)

Saskia (1643, Berlin)

Conspirația lui Julius Civilis (1661, Stockholm)

Tânără care încearcă cercei (1654, Hermitage)

Sindic (1662, Amsterdam)

Mireasa evreiască (1665, Amsterdam)

Portretul Maertenei Soolmansa (1634, colecție privată)

Alegoria muzicii. 1626. Amsterdam.

Auto portret
Martin Lauten
Bărbat în haine orientale

Portretul lui Hendrickje Stofells

***

Auto portret
Tobit, bănuindu-și soția de furt. 1626. Amsterdam.
măgarul lui Balaam. 1626. Paris.
Samson și Dalila. 1628. Berlin.
Tânăra Saxia. 1633. Dresda.
Saxia van Uylenburch. 1634. Amsterdam.
Portretul lui Jan Utenbogaert. 1634. Amsterdam.
Floră. 1633-34. Muzeul Ermitaj. Saint Petersburg.
Răpirea lui Ganymede, 1635. Dresda.
Orbirea lui Samson.1636. Frankfurt pe Main. jertfa lui Avraam. 1635. Schitul. Saint Petersburg
Andromeda.1630-1640. Haga.
David şi Ionatan.1642. Muzeul Ermitaj. Saint Petersburg.
Mill.1645. Washington.
Natura moartă cu un păun.Anii 1640. Amsterdam.
Portretul unui bătrân războinic. 1632-34. Los Angeles.
Susanna şi bătrânii.1647. Berlin-Dahlem.
Un bărbat cu o cască de aur. 1650. Berlin-Dahlem.
Aristotel cu un bust al lui Homer. 1653. New York.
Bat-Șeba. 1654. Luvru. Paris.
Portretul lui Jan Sixt. 1654. Amsterdam.
acuzația lui Iosif. 1655. Washington.
Hendrickje intrând în râu. 1654. Londra.
Binecuvântarea lui Iacov.1656. Kassel.
Lepădarea apostolului Petru. 1660. Amsterdam.
Hendrikje la fereastră.1656-57. Berlin.
Evanghelistul Matei și îngerul. 1663. Luvru, Paris.
Frederick Riel călare.1663. Londra.
Portretul unei bătrâne. 1654. Schitul. St.Petersburg.
Conspirația batavilor.1661-62. Stockholm.
Portretul lui Jeremiah Dekker.1666. Muzeul Ermitaj. Saint Petersburg.
Autoportret.1661. Amsterdam. Rembrandt Harmens van Rijn(Rembrandt Harmensz van Rijn) (1606-1669), pictor, desenator și gravor olandez. Opera lui Rembrandt, impregnată de dorința unei înțelegeri profund filozofice a vieții, a lumii interioare a omului cu toată bogăția experiențelor sale spirituale, marchează punctul culminant al dezvoltării artei olandeze din secolul al XVII-lea, unul dintre vârfurile artistice mondiale. cultură. Moștenirea artistică a lui Rembrandt este excepțional de diversă: a pictat portrete, naturi moarte, peisaje, scene de gen, picturi pe teme istorice, biblice și mitologice.Rembrandt a fost un maestru de neîntrecut al desenului și gravurii. După un scurt studiu la Universitatea din Leiden (1620), Rembrandt a decis să se dedice artei și a studiat pictura cu J. van Swanenburch la Leiden (circa 1620-1623) și P. Lastman la Amsterdam (1623); în 1625-1631 a lucrat la Leiden. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden sunt marcate de o căutare a independenței creatoare, deși influența lui Lastman și a maeștrilor caravagismului olandez este încă vizibilă în ele („Aducerea la templu”, circa 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). În picturile „Apostolul Pavel” (circa 1629-1630, Muzeul Național, Nürnberg) și „Simeon în templu” (1631, Mauritshuis, Haga), el a folosit pentru prima dată clarobscurul ca mijloc de a spori spiritualitatea și expresivitatea emoțională a imagini. În aceiași ani, Rembrandt a lucrat din greu la portret, studiind expresiile faciale ale feței umane. În 1632, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde s-a căsătorit curând cu bogatul patrician Saskia van Uylenburgh. Anii 1630 sunt o perioadă a fericirii familiei și a unui succes artistic enorm pentru Rembrandt. Tabloul „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632, Mauritshuis, Haga), în care artistul a rezolvat în mod inovator problema unui portret de grup, dând compoziției o ușurință vitală și unind pe cei portretizați într-o singură acțiune, l-a adus pe Rembrandt larg. faimă. În portretele pictate pentru numeroase comenzi, Rembrandt van Rijn a transmis cu atenție trăsăturile feței, îmbrăcămintea și bijuterii (pictura „Portretul unui Burgrave”, 1636, Galeria Dresda).

Dar mai libere și mai variate în compoziție sunt autoportretele și portretele unor persoane apropiate ale lui Rembrandt, în care artistul a experimentat cu îndrăzneală în căutarea expresivității psihologice (autoportret, 1634, Luvru, Paris; „Smiling Saskia”, 1633, Picture). galerie, Dresda). Căutarea acestei perioade a fost completată de celebrul „Autoportret cu Saskia” sau „Societatea veselă”; circa 1635, Galeria de imagini, Dresda), rupând cu îndrăzneală canoanele artistice, remarcată prin spontaneitatea plină de viață a compoziției, modul liber de a picta și o gamă majoră, plină de lumină, colorată.

Compozițiile biblice din anii 1630 („Sacrificiul lui Avraam”, 1635, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg) poartă pecetea influenței picturii baroc italiene, care se manifestă în dinamica oarecum forțată a compoziției, unghiuri ascuțite și lumină. și contrastele de umbre. Un loc special în opera lui Rembrandt din anii 1630 îl ocupă scenele mitologice în care artistul a contestat cu îndrăzneală canoanele și tradițiile clasice („Răpirea lui Ganymede”, 1635, Galeria de Artă, Dresda).

O întruchipare vie a vederilor estetice ale artistului a fost compoziția monumentală „Danae” (1636-1647, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg), în care părea să intre într-o polemică cu marii maeștri ai Renașterii: a executat nudul. figura lui Danae, departe de idealurile clasice, cu o spontaneitate realistă îndrăzneață, și a pus în contrast frumusețea senzual-fizică, ideală a imaginilor maeștrilor italieni, cu frumusețea spiritualității și căldura sentimentului uman. În aceeași perioadă, Rembrandt a lucrat mult în tehnicile de gravură și gravură („Femeia pis”, 1631; „Vânzătoare de otravă de șobolan”, 1632; „Cuplu rătăcitor”, 1634), creând desene îndrăznețe și generalizate în creion.

În anii 1640, se pregătea un conflict între opera lui Rembrandt și cerințele estetice limitate ale societății sale contemporane. S-a manifestat în mod clar în 1642, când pictura „Vizorul de noapte” (Rijksmuseum, Amsterdam) a provocat proteste din partea clienților care nu au acceptat ideea principală a maestrului - în locul unui portret de grup tradițional, el a creat o compoziție eroic optimistă cu o scenă a unui performanța breslei de trăgători la un semnal de alarmă, adică . în esență o imagine istorică care evocă amintiri ale luptei de eliberare a poporului olandez. Afluxul de comenzi pentru Rembrandt este în scădere, circumstanțele vieții sale sunt umbrite de moartea lui Saskia. Opera lui Rembrandt își pierde eficacitatea exterioară și notele sale de major inerente anterior. Scrie scene calme biblice și de gen, pline de căldură și intimitate, dezvăluind nuanțe subtile ale experiențelor umane, sentimente de apropiere spirituală, de familie („David și Ionatan”, 1642, „Sfânta familie”, 1645, ambele în Ermita, Sankt Petersburg. ).

Cel mai subtil joc de lumini și umbre, creând o atmosferă deosebită, dramatică, intensă din punct de vedere emoțional, devine din ce în ce mai important atât în ​​pictură, cât și în grafica lui Rembrandt (monumentala fișă grafică „Hristos vindecând bolnavii” sau „Foaia de o sută de guldeni”, circa 1642. -1646; peisaj plin de dinamică a aerului și luminii „Trei copaci”, gravură, 1643). Anii 1650, plini de încercări dificile de viață pentru Rembrandt, au inaugurat perioada de maturitate creativă a artistului. Rembrandt se îndreaptă din ce în ce mai mult la genul portretului, înfățișându-i pe cei mai apropiați (numeroase portrete ale celei de-a doua soții a lui Rembrandt, Hendrikje Stoffels; „Portretul unei bătrâne”, 1654, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg; „Fiul Titus Reading”, 1657, Kunsthistorisches Muzeul, Viena).

Artistul este din ce în ce mai atras de imaginile oamenilor obișnuiți, bătrâni, care servesc ca întruchipare a înțelepciunii vieții și a bogăției spirituale (așa-numitul „Portret al soției fratelui artistului”, 1654, Muzeul de Stat de Arte Frumoase, Moscova; „Portret al unui bătrân în roșu”, 1652-1654, Schitul, Sf. -Petersburg). Rembrandt se concentrează asupra feței și mâinilor, smulse din întuneric de lumina difuză moale, expresiile faciale subtile reflectă mișcarea complexă a gândurilor și sentimentelor; uneori, lovituri de pensulă ușoare, alteori păstoase creează suprafața picturii strălucitoare cu nuanțe colorate și deschise și nuanțe.

La mijlocul anilor 1650, Rembrandt a dobândit abilități mature de pictură. Elementele de lumină și culoare, independente și chiar parțial opuse în lucrările timpurii ale artistului, se îmbină acum într-un singur întreg interconectat. Masa de vopsea luminoasă, roșu-maro fierbinte, acum care se aprinde, acum se estompează, tremură, sporește expresivitatea emoțională a operelor lui Rembrandt, ca și cum le-ar fi încălzit cu un sentiment uman cald. În 1656, Rembrandt a fost declarat debitor în insolvență, iar toate proprietățile sale au fost vândute la licitație. S-a mutat în cartierul evreiesc din Amsterdam, unde și-a petrecut restul vieții în circumstanțe extrem de înghesuite. Compozițiile biblice create de Rembrandt în anii 1660 rezumă gândurile sale despre sensul vieții umane. În episoade care exprimă ciocnirea întunericului și a luminii în sufletul uman („Asur, Haman și Esther”, 1660, Muzeul Pușkin, Moscova; „Căderea lui Haman” sau „David și Urie”, 1665, Schitul de stat, Sankt Petersburg ), o paletă caldă bogată, stilul flexibil de pictură impasto, jocul intens de umbre și lumină, textura complexă a suprafeței colorate servesc la dezvăluirea ciocnirilor complexe și a experiențelor emoționale, afirmând triumful binelui asupra răului.

Pictura istorică „Conspirația lui Julius Civilis” („Conspirația batavilor”, 1661, un fragment a fost păstrat, Muzeul Național, Stockholm) este impregnată de dramă și eroism sever. În ultimul an al vieții sale, Rembrandt și-a creat capodopera principală - pânza monumentală „Întoarcerea fiului risipitor” (circa 1668-1669, Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg), care întruchipa toate problemele artistice, morale și etice. a lucrării târzii a artistului. Cu o abilitate uimitoare, el recreează în ea o întreagă gamă de sentimente umane complexe și profunde, subordonând mijloacele artistice pentru a dezvălui frumusețea înțelegerii umane, a compasiunii și a iertării. Momentul culminant al trecerii de la tensiunea sentimentelor la rezoluția pasiunilor este întruchipat în ipostaze sculptural expresive, gesturi de rezervă, în structura emoțională a culorii, sclipind puternic în centrul imaginii și estompând în spațiul umbrit al fundalului. Marele pictor, desenator și gravor olandez Rembrandt van Rijn a murit la 4 octombrie 1669 la Amsterdam. Influența artei lui Rembrandt a fost enormă. A afectat nu numai munca elevilor săi imediati, dintre care Carel Fabricius s-a apropiat cel mai mult de a înțelege profesorul, ci și arta fiecărui artist olandez mai mult sau mai puțin semnificativ. Arta lui Rembrandt a avut un impact profund asupra dezvoltării artei realiste din lume ulterior.

Majoritatea imaginilor feminine de pe pânzele lui Rembrandt din 1934-1942 au fost pictate de la iubita soție a artistului, Saskia van Uylenburch. În imaginea străvechii zeițe a primăverii Flora, maestrul a descris-o pe Saskia de trei ori - portretul pe care îl luăm în considerare a fost creat în anul nunții lor - este clar cu ochiul liber că Rembrandt și-a idolatrizat soția, a admirat-o și a pus totul. tandrețea lui în pictură.

Saskia avea 22 de ani la momentul căsătoriei; la 17 a rămas orfană. Un incident a adus-o împreună cu viitorul ei soț - a venit la Amsterdam să-și viziteze verișoara, soția predicatorului Johann Cornelis Silvius, care l-a cunoscut pe Rembrandt. Nunta a avut loc la 10 iunie 1634. În 1942 - la doar un an după nașterea fiului mult așteptat Titus - Saskia a murit.

Flora-Saskia este întruchiparea tinereții, prospețimii și castității; există atât de multă timiditate fermecătoare și prospețime de fetiță în aspectul ei. Rembrandt a combinat cu pricepere portretele pastorale și istorice în acest tablou. Dintre cele trei Flore pictate împreună cu soția sa (celelalte două tablouri au fost create în 1935 și 1941), primul se referă cel mai mult la antichitate, celelalte două portrete sugerează mit doar în detalii subtile.

2. „Danae” (1633-1647). Ermitage, Sankt Petersburg

Chiar dacă nu știi nimic despre Rembrandt și nu ești deloc interesat de pictură, acest tablou îți este cu siguranță familiar. Pânza, depozitată în Schitul din Sankt Petersburg, a fost aproape pierdută pentru totdeauna în 1985, din cauza unui vandal care a stropit-o cu acid sulfuric și apoi a tăiat pânza cu un cuțit.
Pictura, care înfățișează o fată goală întinsă pe un pat în razele de lumină nepământeană, a fost pictată de Rembrandt pentru casa lui - tema a fost faimosul mit grec antic despre frumoasa Danae, viitoarea mamă a câștigătoarei Medusa Perseus și Zeus Tunetorul. Însăși apariția lui Danae a reprezentat o ghicitoare pentru cercetătorii în creativitate, care a fost rezolvată abia recent: se știe că modelul lui Rembrandt a fost soția sa Saskia van Uylenburch, dar Danae care a ajuns până la noi nu seamănă deloc cu soția artistului. Un studiu cu raze X al pânzei a arătat că Rembrandt a rescris parțial chipul lui Danae după moartea soției sale - și a făcut-o asemănătoare cu chipul celui de-al doilea iubit, dădaca fiului său Titus, Gertje Dirks. Cupidon care plutea deasupra lui Danae arăta și el inițial diferit - zeul înaripat a râs, dar în versiunea finală a existat o suferință înghețată pe față.
După atacul asupra picturii din 1985, a fost nevoie de 12 ani pentru a o restaura. Pierderea picturii a fost de 27%; cei mai buni maeștri au lucrat la restaurarea capodopera lui Rembrandt - dar nu existau garanții de succes. Din fericire, pânza a fost salvată; acum pictura este protejată în mod fiabil de sticlă blindată.

3. „Vizorul de noapte”, (1642). Rijksmuseum - Muzeul Național din Amsterdam

Pânza colosală, de aproape patru metri, a devenit cu adevărat fatală în cariera creatorului său. Titlul corect al picturii este „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. A devenit „Cegul de noapte” după ce istoricii de artă l-au descoperit, uitat timp de două secole. S-a decis că pictura înfățișează mușchetari în timpul unei slujbe de noapte - și abia după restaurare a devenit clar că sub stratul de funingine era o colorare originală complet diferită - umbrele vorbesc elocvent despre asta - acțiunea pe pânză are loc în jurul orei 2 ora dupa-amiaza.
Lucrarea a fost comandată de Rembrandt de la Shooting Society, o unitate de miliție civilă din Țările de Jos. Un portret de grup de șase companii urma să decoreze noua clădire a societății - lui Rembrandt i sa cerut să picteze compania de puști a căpitanului Frans Banning Cock. Artistul era de așteptat să facă un portret ceremonial tradițional - toate personajele la rând - dar a decis să înfățișeze mușchetarii în mișcare. Compoziția îndrăzneață, în care fiecare figură este cât se poate de dinamică, nu a găsit înțelegere în rândul clientului - nemulțumirea a fost cauzată de faptul că unele dintre cele ilustrate erau clar vizibile, în timp ce altele erau în fundal. „The Night Watch” a rupt literalmente cariera lui Rembrandt - după acest tablou, clienții bogați obișnuiți s-au îndepărtat de pictor, iar stilul său de pictură s-a schimbat radical.
Apropo, soarta acestui tablou nu este mai puțin tragică decât cea a lui „Danae”. Pentru început, în secolul al XVIII-lea a fost tăiat complet în mod barbar pentru a se încadra în noua sală a Societății de Tragere. Așa că mușchetarii Jacob Dirksen de Roy și Jan Brugman au dispărut din imagine. Din fericire, s-a păstrat o copie a picturii originale. „Night Watch” a fost atacat de vandali de trei ori: prima dată a fost tăiată o bucată mare de pânză, a doua oară pictura a fost înjunghiată de 10 ori și a treia oară a fost stropită cu acid sulfuric.
Acum pânza este păstrată în Rijksmuseum - Muzeul Național din Amsterdam. Puteți privi această imagine timp de multe ore - toate personajele sunt descrise atât de detaliat pe pânza imensă, atât „fabricate la comandă” (de fapt, sunt 18 mușchetari), cât și cele adăugate de Rembrandt la propria discreție (16 figuri, cea mai misterioasă este fetița din locul „secțiunilor de aur” ale tabloului)

4. „Fiul risipitor în cârciumă” (1635 (1635). Galeria Dresda

Acest autoportret al artistului cu iubita sa soție Saskia în poală este păstrat în Galeria Old Masters din Dresda (cunoscută și sub numele de Galeria Dresda). Nu există nicio îndoială că artistul a pictat acest tablou fiind absolut fericit. În această perioadă a vieții sale, Rembrandt a muncit din greu și fructuos, a fost popular, a primit taxe mari pentru lucrările sale și printre clienții săi se numărau oameni celebri și bogați. Maestrul a reelaborat complotul din Evanghelia lui Luca în spiritul vremurilor - fiul risipitor este îmbrăcat într-o camisolă și o pălărie cu boruri largi, cu o penă, desfrânata din poală este și ea îmbrăcată în moda vremii. Apropo, acesta este singurul tablou al unui autoportret al artistului împreună cu soția sa - Rembrandt a făcut o altă imagine despre el și Saskia în același spațiu pictural folosind tehnica gravurii în 1638. În ciuda tonului general vesel al imaginii, autorul nu a uitat să vă reamintească că, mai devreme sau mai târziu, va trebui să plătiți pentru tot în această viață - acest lucru este evidențiat în mod elocvent de placa de ardezie din fundal, unde foarte curând petrecătorul va fi facturat. Ar fi putut Rembrandt să ghicească cât de mare va fi propria lui răzbunare pentru talentul său?

5. „Întoarcerea fiului risipitor” (1666-1669). Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Aceasta este cea mai mare pictură a lui Rembrandt pe o temă religioasă. Centrul semantic al imaginii este puternic deplasat în lateral, figurile principale sunt evidențiate cu lumină, caracterele rămase sunt acoperite în umbră, ceea ce face imposibilă greșeala când citiți ceea ce este descris. Apropo, toate picturile lui Rembrandt sunt unite de un detaliu important - în ciuda clarității generale a intrigii principale, fiecare pictură conține mistere pe care istoricii de artă nu le pot rezolva. La fel ca fata din The Night's Watch, Return of the Prodigal Son prezintă personaje învăluite în mister. Sunt patru dintre ei - cineva le numește în mod convențional „frați și surori” ale personajului principal. Unii cercetători interpretează figura feminină din spatele coloanei ca pe un al doilea fiu ascultător - deși în mod tradițional acest rol este atribuit bărbatului din prim-plan. Acest bărbat, bărbos, cu toiagul în mâini, ridică nu mai puține întrebări - în Evanghelia după Luca, fratele decanului a venit în fugă să întâmpine ruda risipitoare direct de pe câmp, dar aici este înfățișat mai degrabă ca un nobil rătăcitor, poate chiar Evreul Etern. Apropo, este posibil ca Rembrandt să se fi descris în acest fel - autoportretele, după cum știți, nu sunt neobișnuite în picturile sale.

La 15 iulie 1606 s-a născut cel mai mare pictor olandez, Rembrandt Harmensz van Rijn.
Viitorul reformator al artelor plastice s-a născut în familia unui morar bogat din Leiden. Băiatul a arătat un interes pentru pictură încă din copilărie, așa că la vârsta de 13 ani a fost ucenic la artistul din Leiden Jacob van Swanenburch. Rembrandt a studiat mai târziu cu pictorul din Amsterdam Pieter Lastman, care s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice.

Deja în 1627, Rembrandt a reușit să-și deschidă propriul atelier împreună cu prietenul său Jan Lievens - tânărul pictor, care abia avea 20 de ani, a început să recruteze el însuși studenți.

Deja în primele lucrări ale lui Rembrandt, un stil special de pictură este clar vizibil, care începe să prindă contur - artistul se străduiește să-și picteze personajele cât mai emoțional posibil, literalmente fiecare centimetru al pânzei este plin de dramă. Chiar la începutul călătoriei sale, viitorul maestru de neîntrecut al lucrului cu clarobscurul și-a dat seama de puterea acestei tehnici de transmitere a emoțiilor.

În 1631, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde a fost întâmpinat extrem de entuziasmat; cunoscătorii de artă au comparat stilul de pictură al tânărului artist cu lucrările lui Rubens însuși - apropo, Rembrandt a fost bucuros să ia repere de la mare parte din estetica acestui artist.

Perioada de lucru din capitala olandeză a devenit un reper pentru genul portretului în opera lui Rembrandt - aici maestrul a pictat multe studii despre capete de femei și bărbați, lucrând cu atenție fiecare detaliu, înțelegând toate subtilitățile expresiilor faciale ale omului. față. Artistul pictează orășeni înstăriți - faima sa se răspândește rapid și devine cheia succesului comercial - și lucrează mult și la autoportrete.

Soarta lui Rembrandt – atât personală, cât și creativă – nu a fost ușoară. Favorizat devreme de faimă și succes, talentatul pictor și-a pierdut brusc clienți bogați care nu au reușit să realizeze curajul revoluționar al lucrărilor sale. Moștenirea lui Rembrandt a fost cu adevărat apreciată doar două secole mai târziu - în secolul al XIX-lea, artiștii realiști s-au inspirat din picturile acestui maestru, unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai epocii de aur a picturii olandeze.

Autoportret la 54 de ani - Rembrandt. 1660. Ulei pe pânză. 80,3x67,3. Muzeul Metropolitan de Artă

Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu grijă cuvintele, figurile de stil potrivite, nu știți de unde să începeți... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.

În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - în timpul orelor de MHC la institut, cu tobogane vechi într-o clasă întunecată în serile lungi de decembrie. În tinerețea mea - în uimitoarea Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am ținut deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut zeci de excursii, dar încă am senzația că acum ești pe cale să te cufunda în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.

Este ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării unde te-ai găsit pentru prima dată. Nu știi dacă apa este rece acolo sau câte pietre sunt în fund. Anticiparea și îndoiala îți fac mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - săriți în alergare, simțindu-vă inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul vostru este dusă undeva în depărtare, iar acum sunteți singur cu ceva complet nou... Ei bine, bine! Să sărim, să deschidem ochii și să ne uităm!

La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. A fost considerat cel mai bun maestru al picturii portretistice într-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei - Amsterdam.

Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze așa ceva! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să lumineze toate deficiențele persoanei, dar Rembrandt a gândit diferit. Portretele lui erau vii. Ele transmiteau caracter; au conținut conflict. Iată un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Vtenbogaert.

Aproape întreaga avere a republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă de blană de samur rusesc - indică clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și imediat vă vine în minte pânza marelui predecesor al lui Rembrandt -. Nu îl privește apostolul pe Hristos cu aceeași expresie atunci când îl cheamă la sine? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez a putut să arate acest lucru într-un moment înghețat.

Rembrandt Harmens van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Pentru el era important să surprindă cele mai mici nuanțe de emoții.

Fața umană, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului; el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde, cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică la maestrul nostru.

Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acesta este tabloul „Coborârea de pe cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești omenești cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu îl făcuse înainte sau după el.

Ierusalimul din fundal se îneacă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul de cea mai mare disperare; nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul bărbatului pe care l-au iubit și l-au închinat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.

Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat vizibil. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile unui băiat, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină se spune aici povestea adevărată, se dezvăluie sensul filosofic al tabloului.

Lumina felinarului este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o introducere în misterul său. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Ceea ce iese în evidență din întuneric este chipul Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, în care urmează să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a folosit pentru prima dată o tehnică care, în ultimii ani ai vieții sale, a devenit centrală pentru munca sa.

Și acum vedem cum un om care a stăpânit perfect tehnica scrisului a pictat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar, pe măsură ce ne-am îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.

Cu toate acestea, există un alt personaj pe această pânză care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și pare să-ți pună o întrebare:

„Te-ai implicat în ceea ce se întâmplă?”

Da, maestrul olandez nu a fost niciodată mulțumit de rama unui tablou; a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume și că privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a coborât de pe culmile gloriei în abisul uitării de secole.

Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmens van Rijn a experimentat acest lucru direct în 1642. Bineînțeles, au existat dureri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.

Putem vorbi la nesfârșit despre „Night Watch” al lui Rembrandt. Acest tablou este atât de mare în conținutul său, atât de unic în compoziția sa structurată, încât istoria creației sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care mai târziu a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporanii săi.

Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați și mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru munca artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a suferit un fiasco cu cea mai bună lucrare a sa. S-ar părea că este suficient, dar nu, acesta a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.

Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și ar putea primi din nou bani mari pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. Portretele sale nu mai erau ale oamenilor bogați, ci ale celor mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.

Rembrandt nu mai era interesat de reprezentările detaliate ale tuturor articolelor de îmbrăcăminte; s-a străduit pentru o mai mare abstracție, străduindu-se să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.

În loc de o imagine clasică, pompoasă, patriotică, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.

În fața noastră este o imagine a unui festin barbar, nepoliticos, inestetic. Acest tablou a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este surprinzător că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.

Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv „Întoarcerea fiului risipitor” într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum Rembrandt a putut să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului plouau asupra lui de pretutindeni. Acest lucru nu a putut continua mult timp, iar artistul a avut un presentiment.

Lovitura finală este întotdeauna dată în zona care doare cel mai mult. Era singurul fiu, Titus, un băiat foarte bolnav care semăna cu mama lui moartă. El a fost cel mai des înfățișat Rembrandt la acea vreme: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură, precum și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... Nu a fost posibil...

După părerea mea, „Portretul lui Titus în robe de călugăr” este una dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei și tot talentul ei de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta spre tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja corpul, un lucru iese în evidență - chipul palid al fiului artistului, cu ochii în jos, plini de smerenie.

Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar cu un an.

Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a primit totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de picturile lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, care și-au ales propriul drum unic în loc de faimă și bani.