Arta Republicii Romane. Arta plastică a Romei antice. Caracteristici ale culturii Romei antice Mari monumente arhitecturale ale epocii romane antice

Romanii au vrut să fie artăȘi arhitectură avantaje oamenilor. Ei au planificat cu mult înainte construcția de orașe, poduri, apeducte, băi publice, piețe, clădiri rezidențiale și porturi. La ordinul unui oficial roman, în centrul pieței orașului a fost construită o sculptură, care trebuia să spună viitoarei generații despre măreția Romei Antice. Chiar dacă art Roma anticăîmprumutat de la vechii greci și etrusci și a avut un început artistic în rândul acestor popoare, utilizarea sa practică a fost pur romană.

La sfârşitul anului 600 î.Hr. e. Cei mai influenți oameni din Italia au fost etruscii, care au venit din Asia Mică și s-au stabilit în Toscana, în nordul Romei. Deși etruscii au împrumutat stilul grecesc în artă, au realizat multe și singuri. Ei au dezvoltat un tip foarte realist de sculptură portret și au fost primii care au introdus utilizarea arcadelor de piatră în arhitectura antică.

Arhitectură

Romanii au pus în practică lecțiile etruscilor. Băile și arenele sunt un tribut adus priceperii marilor constructori ai Romei. Folosind arcade, romanii își puteau construi orașele pe suprafețe mari, spre deosebire de greci, care foloseau o bară și o traversă (grinzi susținute de două coloane) în loc de arcade. Arcul ar putea suporta mult mai multă greutate decât bara și bara transversală. Apeductele romane erau adesea construite cu trei niveluri de arcade îngrămădite una peste alta. Iar clădirile lor, numite băile Caracallei, ocupau teritorii vaste.

În secolul I î.Hr e. Romanii au fost primii care au folosit betonul în construcții. Au turnat beton în matrițe, în funcție de ceea ce doreau să construiască: arcade, bolți sau cupole. Utilizarea betonului a permis arhitecților să construiască structuri de proporții enorme. Una dintre aceste structuri gigantice a fost Templul Norocului de la Praeneste, construit de domnitorul Sulla în jurul anului 80 î.Hr. e. În timpul construcției, arhitecții au folosit beton pentru a susține terasa și au construit o clădire care în vremea noastră ar semăna cu un zgârie-nori. Pentru construcția teatrelor în aer liber, grecii foloseau zonele dintre dealuri, folosindu-și versanții ca suport pentru nivelurile de spectatori. Însă inginerii romani au folosit beton pentru a susține cele trei niveluri gigantice ale Colosseumului, stadionul lor principal pentru recreere în masă și spectacol public. La toate cele trei niveluri existau locuri vizuale pentru mai mult de 45 de mii de oameni.

Sculptură

Romanii foloseau sculpturi pentru a-și decora structurile arhitecturale. Pereții clădirilor pentru decorare erau adesea decorați cu coloane și de fapt nu erau un mijloc de susținere a structurii. Multe dintre aceste coloane au fost copiate din coloane ridicate în Grecia. De fapt, multe forme arhitecturale grecești au fost plasate pe fațadele clădirilor Romei Antice doar pentru decorare și nu au avut nicio utilizare practică.

În imaginile zeilor, grecii foloseau ideile de a le da formă și frumusețe. Sculptorii romani au folosit în mare măsură ideile grecilor. Cu toate acestea, romanii și-au arătat priceperea și originalitatea în realizarea portretelor. Ei și-au portretizat împărații, generalii și senatorii cu un grad de realism necunoscut grecilor. Rărirea părului, bărbia dublă, nasul strâmb și alte defecte ale trăsăturilor fizice care disting o persoană de alta pot fi găsite în portretele și picturile romane.

Pictura

În anul 79 d.Hr. e. Erupția muntelui Vezuvius a distrus orașele Pompei, acoperindu-l cu straturi de lavă, care în cele din urmă s-au transformat în roci. Frescele păstrate în aceste roci ne pot spune multe despre pictura romană.

Pictura este de obicei creată ca decor. La Pompei, de exemplu, pe pereții caselor se pictau picturi în frescă (pictură pe tencuială udă). Adesea, astfel de fresce erau folosite pentru a face o cameră să pară mai mare, creând iluzia de adâncime sau peisaje pastorale, în încăperile în care nu existau ferestre.

Coloanele și alte forme de arhitectură au fost adesea pictate în diferite compoziții pentru a adăuga un sentiment de profunzime. Sistemul de imagini cu puncte era cunoscut și folosit în Roma antică. Roșu, negru și alb crem au fost unele dintre cele mai populare și iubite.

pictura romana a atins un grad înalt de naturalism prin înțelegerea de către artiști a perspectivei utilizării luminii și umbrei. Romanii au pictat multe imagini fermecătoare ale naturii, portrete de copii, tineri și femei frumoase. Religia a oferit și inspirație pentru arta Romei antice.

(Vă avertizez - biletul a fost făcut pentru a-i face pe dragii mei colegi să zâmbească în strălucirea pregătirii pentru examene J și, de asemenea, cu scopul de a-și înțelege clar „ce rost are asta.”

Caracteristici generale.

Aproape întreaga moștenire simfonică a lui R.-K. a fost creat de el înainte de anii 90, o parte din lucrare a fost revizuită ulterior, dar aceasta nu a avut caracter de ediții cardinale. Simfonia I a suferit cea mai semnificativă modificare, în timpul căreia Rimski-Korsakov a lucrat la formă, textura și instrumentație. (Desigur, timpul a trecut și, pe măsură ce bagajul de cunoștințe și abilități s-a îmbogățit, Rimsky a considerat că este necesar să corecteze „erorile” profesionale timpurii chiar acolo, pentru care a fost pichenka!J)

În ceea ce privește imaginile și trăsăturile stilistice, simfonic opera sa este paralelă cu cea a operei. ( Ei bine, este oarecum de înțeles, un compozitor normal probabil că întotdeauna unele cântece le influențează pe altele, orice s-ar spune cineva și, ca rezultat, un fel de mâncare generală)

Genurile operelor simfonice ale lui Rimski sunt mai mult decât evidente: program (pictură muzicală „Sadko”, cunoscutul Antar, Șeherazada) și non-program (simfonii, suite, chiar și o simfonietă (1884), concerte, uverturi, are mai multe „Capriccio spaniol”) Simfonie. (așa e, în viață trebuie să încerci să faci pipi totul: ambele)

Și acum mai detaliat.

Simp. non-program. staniu.
„Uvertură pe teme rusești” (1886) în re major
„Fantezie pe teme sârbeşti” (1867).
Din punct de vedere stilistic, ele sunt foarte apropiate de lucrările lui Balakirev din anii 60. ( Este posibil ca B. să fi fost cel care l-a înhămat pe Rimski să le scrie, mai ales dacă vă amintiți că are și el lucrări de acest gen (uverturi în rusă - 2 piese, și în cehă - 1 bucată), ei bine, Rimski a luat temele pentru aceste uverturi, ghici de unde? - din colecția de folclor a lui Balakirev, prin urmare știm cu toții că primul colecționar de folclor cu publicarea colecțiilor în Rusia este Balakirev.)

Simfonii.
Simfonia I (terminată în 1865) este un exemplu care marchează într-o oarecare măsură nașterea simfoniei ruse (cum a remarcat Cui), dar, desigur, este inferioară simfoniilor timpurii ale lui Teanik și simfoniilor lui Borodin. În general, se simte influența simfonismului lui Glinka. (nu există unde să meargă și asta e mai mult bine decât rău)

Simfonia nr. 3 (1873) Ceaikovski părea să-i placă, dar se pare că kuciștilor nu le-a plăcut prea mult. Și tot de ce - pentru că, spun ei, vezi, li s-a părut o lucrare „academică” și „conservatorie”. Acest lucru este ciudat, pentru că există o mulțime de epopee pe care le iubesc, mai ales în părțile extreme ale ciclului, începând de la introducere până la 1 oră și terminând cu coda finală.

Sinfonietta (1884), de altfel, a fost compusă, oarecum, pe teme populare. („Este ceață pe câmp” - GP din prima parte, „Pera verde se leagănă în grădină” - o temă de 2 ore, iar finalul conține „Soțul meu are un băutor de apă”, „Și frunzele sunt groase pe mesteacăn”). Pe scurt, simfonietta este un gen până la măduvă.

„Capriccio spaniol” (1887) - palidă continuă șirul din „Jota de Aragon” și „Nopți la Madrid” lui Glinkin! Imagini ale vieții populare în cinci părți: Alborada - Variațiuni - Alborada - Scenă și cântec țigănesc - Fandango). Dar Rimski nu a mers în Spania, ca Glinka, ci a rostogolit teme din Colecția de cântece și dansuri a lui José Inseng. Aici. Principiul dezvoltării tematismului, desigur, este variațional. Una peste alta, pare să fie la fel peste tot.

Concert pentru pian (1882) într-o singură mișcare. Este construită pe o temă populară, din nou preluată din colecția lui Balakirev, „Adunați-vă, frați și băieți”.
Formă cu trăsături de sonată și tripartită, variații libere.
Pianistic, aici sunt multe, ca la Balakirev, există și niște maniere pentru trucurile lui Liszt, precum echipamente mari etc.

caracteristici ale simfonismului program R.-K.

Imaginile sunt fabuloase, imagini frumoase cu „Rusianness” sau „Russian East” sau pur și simplu „Est”, dacă se dorește, introducerea acolo a tot felul de începuturi fantastice, ca, de exemplu, cel puțin în „The Tale” (1880) pentru orchestră.
Apare prezentare pitorească, din care metoda de potrivire a imaginilor este de înțeles și, prin urmare suită. Suite și picturi - nu cicluri sonate-simfonice! - aici, sper, nu poți explica mai departe.
Dramaturgia poartă narativ personaj, este clar că în „Sheherazade” – acesta este în general un program: Sh. spune basme. Decizie formativă în acest sens în „Sh.” spiritual: sonate fără r-ki (părțile 1 și 3), variații rondo (partea 4) - unde se pune conflictul? totul aici este obiectiv, frumos și sigur.J
Bine întuneric târziu – Dumnezeu însuși a poruncit, e roman! Cum poți afișa imagini? Iar temele târzii formează aici doar un factor al integrității dezvoltării.

P.S. A ajutat în orice fel a putut. J Nu lovi tare.

Basmele, odată născute, se transmit din generație în generație, sunt păstrate de memoria oamenilor, sunt păstrate de paginile cărților.

Scriitorii, artiștii au îmbogățit imaginația, priceperea. N. A. Rimsky - Korsakov a tradus basmul în muzică

Imaginile unui basm însoțesc o persoană încă din copilărie de la primele povești ale adulților și citind cu voce tare, din povești și cântece de leagăn. Un copil lipsit de impactul său emoțional rămâne privat pentru viață: fantezia lui nu primește o bază pentru dezvoltare. Un basm pune, de asemenea, o bază morală într-o persoană: polii întunericului și luminii sunt conturați atât de clar și viu în el, încât, crescând cu un basm, copilul învață să facă distincția între bine și rău, I se dezvăluie dreptatea, mila și cruzimea, înșelăciunea.

Un basm combină concretitatea cotidiană cu generalizarea unei lumi condiționale, imaginare. Nu poate exista fără un miracol. Vrăjitorii buni - animale, păsări, creaturi fantastice - ajută eroul să treacă prin încercări, să învingă răul și să atingă scopul dorit. Și, cred, aceasta este înțelepciunea ei profundă, deoarece un miracol este realizarea unui ideal, a unui vis. Cunoaștem basmul în diferitele sale forme: în literatură, în teatru și în cinema; există un basm în muzică, în pictură, în sculptură, în toate felurile în care este jucat, dezvoltat.

Tale Lumea ei bizară, în care ficțiunea se îmbină atât de natural cu realitatea, atrage mulți compozitori ruși. Dar, niciunul dintre ei nu a oferit basmului atât de multă căldură sufletească ca Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov. Ne-a interesat acest compozitor ca povestitor. În copilărie, cu toții iubeam basmele. La urma urmei, când asculți basme, întâlnești noi aventuri împreună cu eroul lor, te bucuri de victoriile lor, te simți trist când răul poate învinge binele. Se pare că suntem eroii unui basm. În anii de studiu la o școală de muzică, s-au familiarizat cu opera muzicală a lui Rimsky-Korsakov. În munca noastră, vom lua în considerare lucrări individuale scrise pe basme.

Rimski-Korsakov este numit cel mai mare povestitor dintre compozitori. Unde, când și de cine au fost atinse corzile din sufletul său, rezonând cu antichitatea rusă, cântecele populare, poezia miturilor și imaginilor antice, determinându-l să cânte în opera sa frumusețea naturii și armonia vieții. Să deschidem biografia compozitorului, scrisă de el însuși și numită „Cronica vieții mele muzicale”, și ne confruntăm cu înfățișarea unui om reținut, concis în judecățile sale, deloc înclinat spre schimbări spirituale. Dimpotrivă, se poate vedea clar mentalitatea analitică, respingerea cuvintelor înalte și aureola poetică din jurul propriei creativități, viziunea asupra compunerii muzicii, în primul rând, ca o muncă neobosită și grea. Dar dacă vrem să înțelegem originile viziunii despre lume a lui Rimski-Korsakov, atunci muzica lui ne poate spune multe: vocile păsărilor și melodiile ciobanilor, zgomotul liniștit al pădurii, vuietul mării și emoția de pe suprafața lacului. , dansuri rotunde, dansuri, cântece împrăștiate de el cu o mână generoasă în creații, astfel încât nu pot fi create decât iubind și simțind profund natura și oamenii.

Am ajuns la descrierea poate temei principale a operei lui Rimski-Korsakov: Omul în fața extraordinarului, a miraculosului. Conținutul lucrărilor sale ne spune: întotdeauna au existat și sunt, două sfere coexistă una lângă alta. Una dintre ele este viața oamenilor plini de griji, bucurii și neliniști, viața este colorată, strălucitoare, dramatică. Țari, negustori, ciobani, bufoni, fecioare roșii, oameni buni trec în șir în operele sale. Se poate vorbi despre o altă lume în cuvintele lui Sadko, care a văzut-o pe Volkhva cu surorile ei - lebede pe malul lacului Ilmen: „Minunat, minunat, minunat, minunat!” Această lume este o natură reînviată, spiritualizată, care a venit din mituri, legende și basme. Pentru eroii operelor - această lume este ideală. Miracolul de basm al lui Rimski-Korsakov este cunoscut eroilor prin Frumusețe, dar este de neatins, separat de lumea reală și nu poate fuziona cu ea.

Toate acestea sunt prezentate în operele de basm. Dar, mai presus de toate, în frumoasa poetică „poveste de primăvară” „Crăiasa Zăpezii”.

În primul rând, Fecioara zăpezii l-a atras pe Nikolai Andreevici prin faptul că, într-o formă de basm, a glorificat bunătatea, dragostea pentru oameni, puterea bunătății și a frumuseții.

Fecioara Zăpezii este o operă strălucitor realistă, care corespunde profund însăși naturii basmului popular rusesc, care reflectă realitatea într-un mod deosebit. În structura sa, prezentarea și însăși dezvoltarea imaginilor muzicale, „The Snow Maiden” abordează o narațiune de basm cu o desfășurare caracteristică, unică, a acțiunii. Aceasta este una dintre diferențele dintre operele fabuloase ale lui Rimski-Korsakov și operele lui Ceaikovski.

Conținutul operei este adânc înrădăcinat în creativitatea orală, poetică și muzicală a poporului rus. S-a bazat pe diferite versiuni ale poveștilor populare rusești despre fata Snegurochka, dezvoltate și revizuite semnificativ. Ostrovsky. Frumoasa Fecioara Zăpezii, fiica Primăverii și a Înghețului, moare sub razele soarelui care se topește. Dar finalul operei sună vesel și luminos. Așa exprimă compozitorul ideea principală a operei - triumful începutului strălucitor, unitatea omului și a naturii.

În ceea ce privește dramaturgia muzicală a Fecioarei Zăpezii din Cronica sa, Rimski-Korsakov subliniază importanța laitmotiv-urilor în această operă. Toate personajele principale ale operei au laitmotive în The Snow Maiden. Yarilo-Sun are și o temă caracteristică. Făcând o analiză tematică detaliată a operei, Rimski-Korsakov indică grupuri întregi de laitmotive ale Fecioarei Zăpezii, Țarului Berendey, Primăvara, Leshy și alte personaje. De-a lungul operei, laitmotivele se dezvoltă, trec integral sau în fragmente mici cu diverse instrumente și în părți vocale, schimbându-și culoarea. Laitmotivele transmit cele mai subtile schimbări în poziția dramatică a personajelor. Dacă în operele următoare („Sadko”, „Povestea țarului Saltan”, etc.) Rimski-Korsakov descrie lumea fanteziei și lumea umană prin diferite mijloace muzicale, atunci în „Făioța zăpezii”, unde această împărțire în „obișnuit” și „neobișnuit” este aproape absent, laitmotivele sunt foarte melodioase, melodice și profund umane.

Opera a fost scrisă foarte repede, într-o vară. În mare măsură, acest lucru a fost facilitat de mediul poetic din jurul compozitorului la acea vreme. „Pentru prima dată în viața mea mi s-a întâmplat să petrec vara într-un sat rusesc adevărat, spune Rimski-Korsakov în Letopisi” - O locație frumoasă, plantații frumoase, o pădure imensă, un câmp, o mulțime de copaci împrăștiați, un mic râu, impracticabilitate, dezolare, totul m-a încântat, totul ceva deosebit de armonizat cu starea mea de spirit de atunci și cu dragostea mea pentru intriga Fecioarei Zăpezii.

Ca și în opera lui Rimski-Korsakov și în toată literatura de operă rusă, Fecioara zăpezii ocupă un loc remarcabil. Cu o luminozitate și imagini excepționale, Rimski-Korsakov a reușit să întruchipeze viața oamenilor de aici cu obiceiurile sale străvechi, ritualurile, cântecele, basmele.

Dar nu mai puțin fabuloasă și interesantă este tabloul simfonic „Sadko”, în care Rimsky-Korsakov a dezvăluit unul dintre episoadele epopeei antice rusești despre gusliarul Novgorod. Aici sunt pictate imagini ale mării, uneori calme și maiestuoase, alteori violente, și imagini fabuloase ale locuitorilor regatului subacvatic. Muzica groaznică reprezintă Regele Mării, liric sincer - Prințesa Mării; dans blând, grațios al peștilor de aur. Sadko cântă la harpă, un dans sălbatic, iar acum împărăția subacvatică se destrăma, valurile clocotesc și amenință să scufunde corăbiile.Atunci Sadko rupe coardele harpei de foc și din nou marea albastră calmă.

Tabloul muzical „Sadko” a marcat apariția unei linii epice populare în opera compozitorului. Ideea creării unui tablou simfonic „Novgorod” a venit de la V. V. Stasov, care și-a propus proiectul mai întâi lui Balakirev, apoi lui Musorsky și, în cele din urmă, lui Rimsky-Korsakov. Conform programului alcătuit de Stasov, a fost scris „Sadko simfonic”. Compozitorul și-a conceput opera ca întruchiparea principiului popular poetic, marcându-l cu imagini naturale magice: iar popularul ar trebui să iasă deosebit de strălucitor când cântă Sadko și, prin urmare, să-și separe personalitatea de alte creaturi fantastice din jurul său; acesta din urmă nu ar trebui să aibă un tip rusesc prea real, ci să fie, în primul rând, fantastic, apoi rus.

În „Sadko” talentul puternic de scriere a sunetului al lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit pentru prima dată în întregime. Imaginea oceanului maiestuos, descrierea minunilor magice ale regatului subacvatic, scufundarea lui Sadko pe fundul mării au fost o adevărată revelație în muzica secolului al XIX-lea. A. N. Serov a comentat cu entuziasm pitorescul uimitor al compoziției: „Această muzică ne duce cu adevărat adânc în valuri - este ceva „apos”, „sub apă”, atât de mult încât niciun cuvânt nu ar putea exprima așa ceva. Prin mediul misterios al pârâului mării, vezi cum apar, ca niște fantome, figurile bătrânului rege al mării și ale oaspeților săi, fie maiestuoase, fie ridicole; ești prezent la sărbătoarea lor, la dansul lor; le puteți urmări toate mișcările - fiecare dintre aceste mișcări, fiecare dintre figurile lor este tipic rusă. Această lucrare aparține unui talent enorm în specialitatea sa - a picta cu ajutorul muzicii.

Sadko este eroul nu numai al tabloului simfonic, ci și al operei Sadko. În anii 60, la Sankt Petersburg, un simplu pescar Onega T. G. Ryabinin a vorbit în cercuri de iubitori și colecționari de artă populară orală. Era renumit pentru capacitatea sa de a „povesti” epopee, pe care le cunoștea nenumărate. Ascultă și Rimski-Korsakov. A fost atras mai ales de epopeea despre Sadko. În 1867, el a scris una dintre lucrările sale timpurii pe tema sa - tabloul simfonic „Sadko”. A trecut mult timp, iar în 1894 epopeea a atras din nou atenția compozitorului, de data aceasta ca un complot pentru o operă.

Ideea creării operei Sadko i-a fost sugerată lui Rimski-Korsakov de Stasov.

„Ești un novgorodian”, i-a scris el compozitorului, „epopeea despre Sadko este cea mai bună și mai semnificativă epopee a lui Novgorod, există întotdeauna o antichitate păgână rusă cu părul gri și un element magic, fabulos, fantastic și toate par să fii cu cea mai mare putere și cel mai adânc încorporat în genul tău artistic. Mi se pare că aceasta va fi cea mai importantă creație a ta.” Stasov nu s-a înșelat. Opera „Sadko” este una dintre cele mai izbitoare și originale lucrări ale compozitorului.

Lumea basmelor l-a atras întotdeauna pe Rimski-Korsakov. Dintre cele douăsprezece opere create în ultimii douăzeci de ani ai vieții sale, șapte sunt bazate pe povești de basm sau legendare. Opera „Povestea țarului Saltan” aparține unor astfel de opere; compozitorul a întruchipat diversele genuri ale moștenirii poetice populare: cronică rusă, epopee, basm.

Stasov l-a sfătuit pe compozitor să apeleze la complotul „Povestea țarului Saltan”. Nu o dată, Nikolai Andreevici însuși s-a gândit la o operă bazată pe intrigile basmelor lui Pușkin. Ideea de a scrie o operă de basm l-a captivat imediat pe Rimski-Korsakov. În biroul său, din Sankt Petersburg, există o ediție a basmului lui Pușkin cu desene strălucitoare și suculente de S. S. Solomenko. Din nou și din nou Nikolai Andreevici a recitit această comoară poetică. Ca și cum ar fi tachinat, împingând să compună, replicile lui Pușkin păreau să excite imaginația creatoare a compozitorului: deja sclipeau motive familiare, intonații ale cântecelor înregistrate cândva și aleatorii printre oameni.Unele dintre ele au fost sugerate direct de Pușkin însuși: veverița lui magică cântă: „Este în grădina din grădină” și prințesa Swan - „spune limba rusă” - caracteristica ei muzicală din operă este țesută din intonațiile cântecului popular rusesc: „Rața a înotat în mare”. „Povestea țarului Saltan” a fost adevăratele motive ale poveștii populare rusești despre regină, care, pe defăimarea malefică a surorilor invidioase, regele a ordonat să fie pusă într-un butoi și aruncată în mare.

Din nou și din nou, Rimski-Korsakov a citit în lung, pentru a se potrivi cu epopeele populare, legendele, titlul poemului: „Povestea țarului Saltan, fiul său, gloriosul și puternicul bogat prinț Gvidon Saltanovici și frumoasa prințesă a Lebedele." Încă o dată mi-am trecut ochii prin replicile rapide ale lui Pușkin:

Vântul se plimbă pe mare

Și barca îndeamnă;

Aleargă în valuri

Pe pânzele ridicate.

Încetul cu încetul planul operei devine mai clar. Rimski-Korsakov s-a pus pe treabă în primăvara anului 1899. , după ce a primit de la Belsky un libret pentru începutul operei. Am vrut să scriu muzică care să se potrivească cu basmul lui Pușkin - ceva complet rusesc, teren de târguri. Lucrarea a mers rapid și ușor. Povestea țarului Saltan a fost finalizată de compozitor în 1890. Opera s-a dovedit a fi cu adevărat a lui Pușkin.

O altă operă bazată pe intriga lui Pușkin este Cocoșul de aur, ultima a cincisprezecea operă a lui Rimski-Korsakov, creată de el cu un an înainte de moartea sa. Cu toate acestea, în ultimii ani, le-a saturat din ce în ce mai mult cu sunet modern.

Opera se bazează pe poemul cu același nume de Pușkin. Sub îndrumarea compozitorului, libretistul a acordat cu îndrăzneală un accent modern, sporind astfel sunetul satiric al operei. Folosind textul lui Pușkin, Belsky l-a completat cu scene mari, a conturat actorii din operă în relief. Așa că, de exemplu, a introdus un nou personaj - menajera Amelfu, care este ocupată cu treburile gospodărești ale regelui, în timp ce Polkan - câinele lui de pază - cu treburile statului. Apropo, Pușkin nu are numele Palkan - el este numit Voyevoda, iar discursul său se limitează la pronunția doar a câtorva fraze. Iar fiii lui Dadon - Gvidon și Afron - sunt amintiți doar de poet. Toate aceste completări au fost făcute de Belsky cu talent în spiritul lui Pușkin. Imaginea reginei Shemakhan este, de asemenea, dezvoltată în mod liber în operă sau, cu alte cuvinte, întregul conținut al actului al doilea este completat. Aceasta este o imagine fantezie complexă. Cruzimea reginei nu este doar o trăsătură a caracterului ei. Autorii operei au căutat să arate tentațiile frumuseții senzuale.

Opera s-a dovedit a fi cu adevărat modernă: vorbește despre cât de putredă este puterea regală, creând crime, încălcând promisiunile.

După moartea compozitorului, premiera filmului „Cocoș” a avut loc pe 14 septembrie 1909 la Moscova. Opera a fost primită cu căldură de public.

Pe lângă opere, Nikolai Andreevici a creat lucrări simfonice magnifice - „Capriccio spaniol”, „Sheherazade”, „Basme”.

Basmele, odată născute, se transmit din generație în generație, sunt păstrate de memoria oamenilor, sunt păstrate de paginile cărților, de sunetele lucrărilor. Dar există basme care continuă să trăiască ca lucrări ale unor mari artiști.

Tranziția lui Rimski-Korsakov la programarea generalizată a fost determinată în cele din urmă în „Basme” pentru orchestră. De remarcat a fost apelul la prologul din poezia „Ruslan și Lyudmila”, care nu are o intriga și doar introduce atmosfera basmelor populare rusești. La fel ca Pușkin, Rimski-Korsakov dă în opera sa un „amestec” bizar de imagini și picturi de basm. Printre cele fantastice se numără Baba Yaga cu o mulțime de vrăjitoare și spiriduși, o colibă ​​pe pulpe de pui, păsări fantastice, sirene. El însuși nu a respins semnificația vizuală a muzicii, deși a subliniat că „Basmul” său nu a ilustrat deloc prologul lui Pușkin. O trăsătură importantă a artei dramatice generale a acestei opere este prevalența fanteziei: în mare măsură - sumbru, vicios - frenetic, într-o măsură mai mică - strălucitor, liric și misterios. Introducerea lentă atrage o răceală, ca și cum ar fi pândit în pădure de zâne. O schimbare pe îndelete a imaginilor magice și a staticii intonaționale, armonice.

Dramaturgie remarcabilă gânditoare, construită cu măiestrie a „Basmelor”. A menținut în mod constant contrastul a două intonaționale - sfere de timbru. Imaginile unei lumi inconfortabile de basm apar în sunete reci și întunecate.

Specificul „Basmei” constă în utilizarea imaginilor muzicale nu pe baza intrigii, ci pe baza unei interpretări generalizate a programului poetic și, ceea ce este foarte important, în condițiile unui instrument pur instrumental, compoziție sonată.

Dacă „Capriccio spaniol” este o piesă orchestrală strălucitoare, fără nicio intriga, atunci „Scheherazade” este o piesă de program. Programul său conține câteva imagini inspirate din poveștile orientale ale celor O Mie și Una de Nopți. Acesta este un basm în muzică. Și deși este „povestită” de un compozitor rus, muzica sa are un caracter pronunțat.

„Sheherazade” este o lucrare unică. Compozitorul a venit cu ideea de a crea o astfel de lucrare în 1877. Vorbind despre Orient, compozitorul aproape că nu a folosit melodii cu adevărat orientale. Dar toată muzica pare să fie pătrunsă de ritmuri urmărite și melodii capricioase ale cântăreților și muzicienilor orientali. De aceea, Șeherazada este atât de iubită nu numai aici, în Rusia, ci și în Orient, unde este percepută ca muzica proprie, națională. „Sheherazade”, potrivit unui compozitor egiptean, care transmitea fidel și profund culorile artei orientale, s-a îndrăgostit de egipteni. Melodiile lui Shekharazade au devenit foarte populare în rândul oamenilor.

Petersburg, a sunat „Sheherazade” în 1888. Orchestra a fost condusă de însuși Rimski-Korsakov. Poemul simfonic nu a câștigat imediat popularitate. Numai treptat ascultătorii ruși au înțeles-o.

Basmele, odată născute, se transmit din generație în generație, sunt păstrate de memoria oamenilor, sunt păstrate de paginile cărților. Dar există basme care continuă să trăiască nu numai ca o operă de artă populară, ci și ca opere ale marilor artiști.

Marile opere de artă sunt alese de istorie doar din numărul lucrărilor

caracter „confesional”.

Doar ceea ce a fost mărturisirea scriitorului, doar creația în care s-a ars în scrum, fie ca să se nască în creații noi, fie ca să moară, doar asta poate deveni mare.

Vrubel a apreciat muzica lui N. A. Rimsky-Korsakov în anii săi de studenție, când pentru seară a realizat mai multe compoziții pentru acompaniamentul vizual al tabloului simfonic al compozitorului pe tema epopeei „Sadko”. Dar o cunoaștere aprofundată a operelor simfonice și romantice ale muzicianului a avut loc abia la sfârșitul anilor 1890, când Nadezhda Ivanovna a devenit interpretul părților Fecioarei Zăpezii, Magul, Prințesa - Lebăda, Martha. Compozitorul a apreciat foarte mult talentul lui N. I. Zabela, a considerat-o cea mai potrivită pentru a-și exprima ideile, a avut în vedere tocmai abilitățile ei artistice atunci când a creat părțile corespunzătoare din operele Mireasa țarului, Povestea țarului Saltan, Koschey Nemuritorul.

Cunoașterea și apropierea dintre artist și compozitor în ultimii ani ai secolului, reflectate în corespondența lui Rimski-Korsakov cu cuplul Vrubel, a fost cauzată nu de interesul special al compozitorului pentru opera lui Mihail Alexandrovici, ci de vocea și talentul poetic al Nadezhda Ivanovna ca cântăreață de operă și interpret de romanțe. Pentru Vrubel, acest lucru era important, dar mai era un lucru - obsesia compozitorului pentru lumea poetică națională a imaginilor epice și de basm, care în acei ani erau deosebit de apropiate artistului. Muzica operelor epice de basm ale lui Rimski-Korsakov nu a făcut decât să confirme pe Vrubel în apelul său către această lume, în care a trăit chiar înainte de apropierea sa de compozitor.

Vrubel a simțit apropierea culorii fabulos de poetice a muzicii lui Rimski-Korsakov, eleganța sa capricioasă, modelarea, ornamentația ritmică. Operele „epopee” elegant fabuloase ale lui Rimski-Korsakov, în special „Sadko” și „Povestea țarului Saltan”, au un caracter epic – calm, dar operele „Mozart și Salieri”, „Boyarina Vera Sheloga” și „Mireasa țarului” , scrisă tot la sfârșitul anilor 1890, în anii apropierii lui Vrubel de compozitori, experții se referă la genul „dramelor muzicale”. S-ar părea că drama și tragicul din muzica lui Rimski-Korsakov ar trebui să fie și mai aproape de Vrubel prin natura propriei sale arte; a apreciat dramele de operă numite ale compozitorului și le-a pus în scenă ca artist al Operei private.

Știm și din alte surse că Vrubel a apreciat cel mai mult operele Sadko și Povestea țarului Saltan, pe care, s-ar putea crede, le-a perceput ca o analogie muzicală apropiată de propriile imagini.

Pe când se afla încă la fermă, în vara anului 1898, Vrubel a scris lucrarea „Sadko”, pe care Ekaterina Ivanovna a văzut-o când împacheta pozele pe 26 august. Poate că a fost una dintre schițele lui Vrubel pentru pictarea vaselor lui Kuznetsov, dar B.K. Yanovsky a scris despre panoul Sadko, realizat în 1898-1899, pe care nimeni nu a reușit să-l găsească încă. La expoziția din 1908, A. A. Botkina a văzut, printre alte lucrări ale lui Vrubel, o pânză - „o imagine foarte mare, foarte întunecată a lui Sadko”. În plus, un anume Konstantin Nikolayevich Bykov i-a scris lui Ostroukhov pe 27 februarie 1910 despre un tablou mare de Vrubel - Sadko cântând la harpă. Pe de o parte, un grup de nimfe, pe de altă parte, lebede înoată din iarbă la sunete: „Lumina lunii este multă dispoziție, iar figura lui Sadko este frumos desenată”.

Drept urmare, „după „Sadko” începe o nouă serie în opera compozitorului.

Se pare că în lucrările pe tema lui „Sadko” Vrubel ajunge la acea armonie a realului și a fantasticului, la care s-a gândit însuși compozitorul.

Într-una din serile lungi de iarnă din casa din Moscova a lui S. I. Mamontov, un mare industriaș și pasionat admirator al artei, au citit Fecioara zăpezii de Ostrovsky. Printre cei prezenți s-a numărat și un tânăr artist Viktor Vasnetsov. Lui Mamontov îi plăcea să adune tineri talentați în jurul lui. În acea seară de decembrie, au montat pe cont propriu The Snow Maiden. Filantropul i-a cerut lui Vasnețov să realizeze decorul și costumele pentru spectacolul de acasă. Viktor Mihailovici a întins o pânză pe podea și a pictat peisajul cu o pensulă mare. Pentru Vasnețov, aceasta a fost o meserie nouă, neobișnuită, dar a fost un succes. Era ceva nativ în peisaj, care amintea de copilărie, de ani de mult apuse, când basmele păreau la fel de plauzibile și reale ca lumea din jur.

La câțiva ani după spectacolul Fecioarei zăpezii de Ostrovsky pe scena teatrului de acasă, Mamontov și-a deschis propriul teatru la Moscova - Opera privată rusă. Afișe au anunțat prima reprezentație la Moscova a operei lui Rimski-Korsakov Fecioara zăpezii, decoruri și costume ale artistului V. Vasnețov. „Odată am fost întrebat”, a spus V. Vasnețov, „ce materiale au ajutat la scrierea decorului pentru Fecioara zăpezii?” Artistul nu a răspuns la această întrebare, dar s-a gândit în sine: doi oameni au ajutat: cu textul - Ostrovsky, muzică - Rimski-Korsakov.

Nu o dată, Fecioara Zăpezii a fost pusă în scenă pe scena teatrului de acasă al lui Mamontov, iar peisajul lui Vasnețov a stârnit admirația publicului.

Muzica lui Rimski-Korsakov a trecut nevătămată prin adâncimile și recifele pârâului istoric. Într-un anumit sens, ea a combinat trăsăturile prețioase inerente artei lui Balakirev, Musorsky, Borodin: gustul artistic ireproșabil al primului, adevărul fără compromisuri în descrierea vieții populare a celui de-al doilea, amploarea epică a celui de-al doilea. Dar, după ce a absorbit aproape, ea nu a schimbat-o. Nimeni nu a dezvăluit cu atâta profunzime idealul de frumusețe al oamenilor, nimeni nu a onorat spiritul iubirii de libertate și demnitatea umană cu un tribut atât de neipocrit precum Rimski-Korsakov. A fost un mare povestitor, nu numai pentru că știa să povestească cu muzică povești amuzante sau triste, să creeze epopee și legende muzicale și să construiască palate fără precedent. Rimsky - Korsakov a fost un povestitor, pentru că într-un basm a văzut o lume întreagă de ficțiune populară, într-un rit vechi - un sens uitat, într-o credință uitată - frumusețe. A fost poet și pictor în sunete.

AGENȚIA FEDERALĂ PENTRU EDUCAȚIE

Instituție de învățământ de stat de învățământ profesional superior

Universitatea Pedagogică de Stat Rusă. A.I. Herzen

FACULTATEA DE MUZICA

Departamentul de Educație și Educație Muzicală

Curs de istoria muzicii ruse

Lucrări simfonice ale lui N.A. Rimski-Korsakov

Efectuat

student anul 2

departamentul de seară

Kraineva Maria

Director stiintific

Verba Natalia Ivanovna

Sankt Petersburg 2010

Introducere

Acest subiect este relevant, deoarece: moștenirea creativă a lui Rimsky-Korsakov este foarte mare. A scris un număr mare de compoziții în diverse genuri muzicale. Calea creativă a lui Rimsky-Korsakov acoperă o eră complexă, bogată și diversă a dezvoltării muzicale a Rusiei. Muzica lui este iubită și admirată până astăzi.

Cine a scris despre compozitor: Rimsky-Korsakov N.A., „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980; muzicologul Abram Akimovich Gozenpud într-un interviu revista de teatru din Petersburg (2002) a citat o scrisoare a lui Rimski-Korsakov în care explică atitudinea sa față de propria sa opera; Maslov A., cântec popular rusesc în operele lui Rimski-Korsakov, „Muzică și viață”, 1909; Grachev P. V., Laitmotiv în operele lui Rimski-Korsakov, în cartea: De musica, nr. 3, L., 1927; Rushanov V. A., N. A. Rimski-Korsakov (1844-1908), L., 1928; Maggit S. D., Trăsături stilistice ale romanțelor de N. A. Rimsky-Korsakov, în colecția: Romantism rusesc, Experiența analizei intonației, ed. B. V. Asafiev, Moscova-Leningrad, 1930. Solovtsov A. A., N. A. Rimski-Korsakov, M., 1948, 1958; Solovtsov A., Opere simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Muzicală de Stat, 1953; Kabalevsky D. B., Rimski-Korsakov și modernismul, „SM”, 1953, nr. 6-8; Berkov V. O., Manualul de armonie al lui Rimski-Korsakov, M., 1953; Tretyakova L.S., Pagini de muzică rusă, Moscova, „Cunoașterea”, 1979; Ratskaya Ts., N.A. Rimski-Korsakov, Moscova, „Muzică”, 1958; Barsova L., Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov, Leningrad, „Muzica”, 1986; Komissarskaya M.A., Muzica rusă a secolului al XIX-lea, Moscova, „Cunoașterea”, 1974; Keldysh Yu., Istoria muzicii ruse, Moscova-Leningrad, Editura Muzicală de Stat, 1947 (partea a 2-a); Rapatskaya L.A., Istoria muzicii ruse de la Rus' antic la „Epoca de argint”, Moscova, Vlados, 2001; Kobalevsky D.B., Ossovsky A.V., Tumanina N.V., Yankovsky M.O., Moștenirea muzicală. Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Academiei de Științe a URSS, 1953; si multi alti autori.

Obiectul este opera simfonică a lui Rimski-Korsakov, subiectul este trăsăturile operei simfonice.

Scopul este de a lua în considerare și de a studia opera simfonică a lui N.A. Rimski-Korsakov.

Sarcini: 1. Să se familiarizeze cu biografia lui Rimsky-Korsakov; 2. Studiază-i ideile principale, dă o descriere generală a creativității; 3. Familiarizați-vă cu conceptul de „simfonism clasic rusesc” și luați în considerare dezvoltarea muzicii simfonice rusești în secolul al XIX-lea; 4. Luați în considerare programul lucrărilor simfonice ale lui Rimski-Korsakov pe exemplul tabloului muzical pentru orchestra simfonică „Sadko”, suita simfonică „Antar” și suita simfonică „Sheherazade”; 5. Luați în considerare lucrările simfonice care nu au un program publicat de autor pe exemplul primei și a treia simfonii și „Capriccio pe teme spaniole”; 6. Luați în considerare uverturi, suite simfonice din opere și transcrieri ale scenelor de operă pentru o orchestră simfonică pe exemplul uverturii la operă Noaptea de mai, suita simfonică din opera Fecioara zăpezii și suita din opera Noaptea înainte de Crăciun; 7. Rezumați toate cele de mai sus și trageți o concluzie: care sunt trăsăturile operei simfonice a lui Rimski-Korsakov.

Structura lucrării: introducere, conținut (partea 1 - Scurtă biografie, caracteristici generale ale creativității și ideilor, partea a 2-a - Creativitatea simfonică), concluzie, bibliografie, cuprins.

scurtă biografie

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (6 martie (18), 1844, Tikhvin, provincia Novgorod - 8 iunie (21), 1908, moșia Lyubensk, lângă Luga, provincia Sankt Petersburg) - compozitor rus, profesor, dirijor, persoană publică, muzică critic; reprezentant al „Mighty Handful”, a condus cercul Belyaevsky. Printre lucrările sale se numără 15 opere, 3 simfonii, lucrări simfonice, concerte instrumentale, cantate, muzică instrumentală de cameră, vocală și sacră.

Copilărie și tinerețe

Rimsky-Korsakov s-a născut în micul oraș Tikhvin. Tatăl compozitorului - Andrey Petrovici Rimski-Korsakov (1784-1862) - a servit de ceva timp ca viceguvernator Novgorod, iar apoi guvernator în Volyn, mama sa - Sofia Vasilievna - fiica unei țărănci iobag și a unui proprietar de pământ bogat Skaryatin, o femeie destul de educată. O influență puternică asupra viitorului compozitor a exercitat-o ​​și fratele său mai mare Voin Andreevich, contraamiral, reorganizator al sistemului de învățământ naval. Casa familiei Rimski-Korsakov era situată pe malul râului Tikhvinka, vizavi de Mănăstirea Tikhvin Bolshoy Bogoroditsky.

Compozitorul a învățat să cânte la pian acasă, iar apoi la un internat, unde lecțiile de muzică erau printre alte discipline educaționale generale. Se știe că din copilărie compozitorul a fost pasionat de muzică, s-a familiarizat cu operele lui Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Mendelssohn, dar cea mai mare impresie asupra lui a fost muzica lui M. I. Glinka - „Kamarinskaya”, „Uverturi spaniole” ”, opera „Viața pentru țar” și „Ruslan și Lyudmila”. În 1859-1869, simțind nevoia de a dobândi mai multe abilități muzicale profesionale, Rimsky-Korsakov a luat lecții de la pianistul F. A. Canille.

În 1856, tatăl său l-a dus pe tânărul Nikolai la Corpul Cadeților Navali, din care a absolvit cu onoare în primăvara anului 1862 (la vremea aceea instituția de învățământ și-a schimbat numele în Școala Navală). Până atunci, tatăl compozitorului murise (în 1861), iar familia Rimski-Korsakov s-a mutat la Sankt Petersburg.

Cunoștință cu Balakirev, serviciu la Almaz

În 1861, Canille l-a prezentat lui M. A. Balakirev pe N. A. Rimski-Korsakov. Tânărul compozitor a devenit imediat membru al cercului Balakirev („Mâna cea puternică”), care a avut o influență decisivă asupra formării personalității sale și a opiniilor estetice ale compozitorului. În acel moment, pe lângă capul său - Balakirev - și însuși Rimski-Korsakov, cercul includea pe Caesar Cui și Modest Mussorgsky. Balakirev, care a supravegheat munca colegilor mai tineri, nu numai că a determinat compozitorii să ia decizii potrivite pentru compozițiile pe care le-au creat, dar și-a ajutat și camarazii cu instrumente.

În 1862-1865, Rimsky-Korsakov a fost repartizat în serviciul naval pe mașina Almaz, datorită căruia a vizitat o serie de țări - Anglia, Norvegia, Polonia, Franța, Italia, Spania, SUA, Brazilia. Impresiile vieții marine au fost întruchipate după un timp în peisaje maritime uimitoare, pe care a reușit să le surprindă în lucrările sale prin intermediul culorilor orchestrale. Lucrările la mașina de tuns nu au lăsat mult timp pentru îmbunătățirea abilităților muzicale, așa că singura lucrare care a apărut în această perioadă din condeiul compozitorului a fost partea a doua (Andante) a Simfoniei I (sfârșitul anului 1862), după care Rimski-Korsakov a abandonat. scriind mult timp.

rimsky korsakov compozitor simfonic

Viața creativă a anilor 70, 80, 90

Din anii 70. limitele activității muzicale a lui Rimski-Korsakov s-au extins: a fost profesor la Conservatorul din Sankt Petersburg (din 1871, cursuri de compoziție practică, instrumentație, orchestrală), inspector de fanfare al Departamentului Naval (1873-84), director de Școala de muzică liberă (1874-81), dirijor de concerte simfonice (din 1874), și mai târziu de spectacole de operă, în calitate de asistent manager al Capelei de cântări de curte (1883-94), a condus cercul Belyaevsky (din 1882). La mijlocul anilor 70. a lucrat la perfecţionarea tehnicii sale de compunere. În această perioadă, în 1871, a fost invitat să predea la Conservatorul din Sankt Petersburg, cu titlul academic de profesor; și, după ce a început să predea la Conservator, Rimski-Korsakov descoperă neajunsuri serioase în educația sa muzicală și el însuși începe să studieze cu entuziasm disciplinele predate la Conservator.

Rimski-Korsakov a scris despre numirea sa ca profesor la conservator astfel: „În vara anului 1871, s-a întâmplat un eveniment important în viața mea muzicală. Într-o bună zi, a venit la mine Azanchevski, care tocmai și-a asumat postul de director al Conservatorului din Sankt Petersburg în locul lui N. I. Zaremba, care plecase. Spre surprinderea mea, m-a invitat să intru la conservator ca profesor de compoziție practică și instrumentație, precum și ca profesor, i.e. lider, clasa orchestrală. [N. Rimski-Korsakov „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980, p. 93]

În anii 80. a acordat o mare atenție genurilor simfonice, tocmai în această perioadă și-a creat cea mai mare pânză simfonică epică - suita simfonică „Scheherazade”.

La începutul anilor 90. s-a înregistrat un anumit declin al activității creative (în această perioadă a studiat filosofia, a scris articole, a revizuit și a editat unele dintre lucrările sale anterioare). În a doua jumătate a anilor '90. creativitatea a căpătat o intensitate excepțională: au apărut operele „Sadko” (1896), „Mireasa țarului” (după mai, 1898). În timpul Revoluției din 1905-07, Rimski-Korsakov a susținut activ cererile studenților grevi, a condamnat deschis acțiunile administrației reacționare a Conservatorului din Sankt Petersburg (a fost concediat din conservator, revenit abia după conservatorului i s-au acordat drepturi autonome parțiale și o schimbare a conducerii). Rimski-Korsakov a murit la 11 iunie 1908 din cauza unei insuficiențe cardiace. A fost înmormântat la cimitirul Novodevichy din Sankt Petersburg.

Caracteristici generale ale creativității și ideilor

Opera lui Rimski-Korsakov de-a lungul a mulți ani de activitate (peste 40 de ani) a suferit modificări, reflectând nevoile vremii, atât viziunile estetice ale compozitorului, cât și stilul său au evoluat. Rimsky-Korsakov s-a format ca muzician în atmosfera ascensiunii publice din anii 1960. sub influența principiilor estetice ale „Noii Școli muzicale rusești”. Cea mai importantă dintre ele - dorința de naționalitate, conținut ridicat, semnificația socială a artei - compozitorul a dus-o de-a lungul întregii sale vieți. În același timp, era mai interesat de problemele interne specifice ale artei decât alți membri ai cercului Balakirev. Rimsky-Korsakov se caracterizează prin identificarea principiului estetic în fiecare compoziție, dorința de frumusețe, perfecțiunea performanței. De aici o atenție specială acordată problemelor de profesionalism și estetică particulară a măiestriei, care a adus principiile lui Rimski-Korsakov mai aproape de tendințele generale în dezvoltarea artei rusești la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. În apariția creativă a lui Rimsky-Korsakov, există multe asemănări cu M. I. Glinka. În primul rând - armonia viziunii asupra lumii, echilibrul interior, arta subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândirii muzicale.

Gama de teme și intrigi întruchipate de Rimsky-Korsakov este largă și variată. La fel ca toți „kuciștii”, compozitorul s-a orientat către istoria rusă, imagini ale vieții populare, imagini ale Orientului, a atins și zona dramei cotidiene și sfera lirică și psihologică. Dar cu cea mai mare completitudine, talentul lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit în lucrări legate de lumea fanteziei și diverse forme de artă populară rusă. Un basm, o legendă, o epopee, un mit, un ritual determină nu numai subiectul, ci și sensul ideologic al majorității operelor sale. Dezvăluind tonurile filozofice ale genurilor folclorice, Rimsky-Korsakov dezvăluie viziunea asupra lumii a oamenilor: visul lor etern de o viață mai bună, de fericire, întruchipat în imaginile țărilor și orașelor luminoase de basm Kitezh); idealurile sale morale și estetice, care sunt întruchipate, pe de o parte, de eroinele captivant de pure și blânde ale operelor (Prițesa din Kashchei Nemuritorul, Fevronia), pe de altă parte, de cântăreții legendari (Lel, Sadko), aceste simboluri ale artei populare care nu se estompează; admirația lui pentru puterea dătătoare de viață și frumusețea veșnică a naturii; în cele din urmă, credința indestructibilă a oamenilor în triumful forțelor luminii, dreptății și bunătății - sursa optimismului inerentă lucrării lui Rimski-Korsakov.

Atitudinea lui Rimski-Korsakov față de cel reprezentat este, de asemenea, asemănătoare cu arta populară. Potrivit lui B.V. Asafiev, „...între empatia personală a compozitorului și obiectul operei sale există un mediastin minunat: cum gândesc oamenii despre asta și cum și-ar întruchipa oamenii gândul despre asta?...”. Această detașare a poziției autorului a determinat obiectivitatea tonului caracteristică lui Rimski-Korsakov și predominarea principiilor epice ale dramaturgiei în majoritatea operelor sale. De aceasta se leagă și trăsăturile specifice ale versurilor sale, mereu sincere și în același timp lipsite de tensiune emoțională - calm, întreg și oarecum contemplativ.

În opera lui Rimski-Korsakov, dependența de folclorul muzical rusesc (în principal straturile sale cele mai vechi) și de tradițiile clasicilor naționali (Glinka) sunt combinate organic cu dezvoltarea largă a tendințelor picturale și coloristice ale artei romantice, ordinea și ordinea. echilibrul tuturor elementelor limbajului muzical. Compozitorul introduce în operele sale cântece populare autentice și își creează propriile melodii în spiritul cântecelor populare. (Deosebit de tipice pentru el sunt temele diatonice arhaice în metri impare complexe, cum ar fi, de exemplu, refrenul final din „The Snow Maiden” din 11/4). Intonațiile cântecelor colorează și melodia lirică (în principal operică) a lui Rimski-Korsakov. Dar, spre deosebire de temele populare, se caracterizează mai mult prin completitudine structurală, disecție internă și repetarea periodică a legăturilor motive. Tipic pentru Rimski-Korsakov sunt melodiile mobile, bogat ornamentate, de natură instrumentală, adesea introduse în părțile vocale ale personajelor de operă fantastică (Volhova, Prințesa Lebedelor).

Dezvoltarea materialului tematic de către Rimsky-Korsakov nu duce de obicei la transformări intonaționale radicale. La fel ca toți „kuchkisții”, compozitorul folosește pe scară largă și variat tehnicile variaționale, completându-le cu polifonie – adesea subvocală, dar adesea imitativă.

Gândirea armonioasă a lui Rimski-Korsakov se distinge prin logică strictă, claritate și un principiu de organizare rațional se simte în ea. Astfel, utilizarea modurilor diatonice naturale, provenite din stilul cântecului țărănesc rus și principiile Balakirev ale prelucrării acestuia, este de obicei combinată în Rimsky-Korsakov cu o simplă armonizare a triadei, folosind acorduri de pași laterali. Contribuția compozitorului la dezvoltarea posibilităților coloristice de armonie este semnificativă. Bazat pe tradițiile lui „Ruslan și Lyudmila”, el a creat până la mijlocul anilor '90. sistemul său de mijloace armonice (asociat în primul rând cu sfera imaginilor fantastice), care se bazează pe moduri complexe: mărit, în lanț și mai ales redus, cu o scară caracteristică ton-semiton, așa-numita „scara Rimski-Korsakov”.

Tendințele coloristice apar și în orchestrație, pe care Rimski-Korsakov o considera parte integrantă a ideii („una dintre părțile sufletului” ale operei). Introduce numeroase solo-uri instrumentale în partituri și, urmând preceptele lui Glinka, preferă sunetul timbrelor pure culorilor groase amestecate. Strălucirea și strălucirea virtuozală a orchestrei sale sunt combinate cu transparența și ușurința texturii, care se distinge prin claritatea impecabilă a vocii.

Marea semnificație culturală și istorică a lucrării editoriale a lui Rimski-Korsakov, datorită căreia au fost publicate și interpretate multe capodopere ale muzicii ruse, Rimski-Korsakov a pregătit de două ori partiturile de operă ale lui Glinka pentru publicare (împreună cu Balakirev și Lyadov, 1877-81; cu Glazunov, cu ocazia împlinirii a 100 de ani de la nașterea lui Glinka, 1904). De două ori a orchestrat The Stone Guest (1870 și 1897-1902) de Dargomyzhsky. Împreună cu Glazunov a completat, editat și parțial orchestrat „Prințul Igor” (1887-90) și a instrumentat o serie de romane ale lui Borodin. Aproape întreaga moștenire creativă a lui Mussorgsky a fost supusă procesării editoriale de către Rimski-Korsakov: el a completat, editat și orchestrat „Khovanshchina” (1881-83), a realizat propria sa editare și instrumentare a „Boris Godunov” (1895-96, completat). în 1906), precum și prelucrarea liberă și orchestrarea ediției picturii simfonice „Noapte pe munte chel” (1886), editat și orchestrat o serie de fragmente din opera neterminată „Salambo”, piese simfonice (Intermezzo, Scherzo), coruri. Rimski-Korsakov a pregătit pentru publicare manuscrisul Căsătoriei (1906) și majoritatea lucrărilor vocale de cameră (a instrumentat câteva dintre ele). Această opera uriașă, care a contribuit la propaganda operei lui Mussorgski, nu este lipsită de contradicții interne, deoarece revizuirile făcute de Rimski-Korsakov poartă o amprentă profundă a personalității, vederilor estetice și gusturilor compozitorului său. Ca urmare, trăsăturile caracteristice ale stilului lui Mussorgsky (în primul rând, intonațional, modal, armonic) au suferit modificări semnificative.

Un rol deosebit în dezvoltarea culturii muzicale rusești îi revine lui Rimski-Korsakov, un profesor care, peste 37 de ani de muncă la St. 200 de compozitori, dirijori, muzicologi. A fost fondatorul școlii de compozitor. Printre elevii săi se numără A.K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky, N. N. Cherepnin, A. T. Grechaninov, V. A. Zolotarev, N. Ya. Myaskovsky, S S. Prokofiev, M. F. Gnesin, B. V. V. A. Asafi V. V. Rimsky-Korsakov a avut o contribuție semnificativă la dezvoltarea culturii muzicale a popoarelor Rusiei. Mulți dintre elevii săi au devenit figuri majore în școlile naționale de muzică - Ucraina (N.V. Lysenko, Y.S. Stenova, F.S. Akimenko), Letonia (A.A. Yuryan, J. Vitol, E. Melngailis), Estonia (R.I. Tobias, A.I. Kapp), Lituania (K.M. Galkauskas), Armenia (M.G. Ekmalyan, A.A. Spendiarov), Georgia (M.A. Balanchivadze). Rimski-Korsakov a acordat o mare atenție organizării procesului de învățământ: a scris articolele „Despre educația muzicală” (1892) și „Proiectul de transformare a programului de teorie muzicală și compoziție practică în conservatoare” (1901). O generalizare parțială a vastei experiențe pedagogice a lui Rimski-Korsakov au fost manualele pe care le-a creat: „Manualul armoniei” (părțile 1-2, 1884-85; transformat în „Manualul practic al armoniei”, 1886) și „Fundamentals of Orchestration” (1908, ed. 1913). Dintre operele literare ale lui Rimski-Korsakov se remarcă recenzia operei lui Napravnik Nizhegorodtsy (1869), articolul Wagner și Dargomyzhsky (1892) și analiza operei Fecioara zăpezii. Cel mai valoros material despre istoria culturii muzicale ruse din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. conține cartea sa autobiografică „Cronica vieții mele muzicale” (1876-1906, ed. 1909), care a contribuit la conștientizarea de către autor a propriului său drum creator.

Spectacolele lui Rimski-Korsakov ca dirijor au avut o valoare educațională inestimabilă. În concertele Școlii de Muzică Liberă, RMS, „Concerte simfonice ruse”, a promovat lucrările clasicilor ruși, opera compozitorilor „Mighty Handful”, lucrările contemporanilor - Glazunov, P. I. Ceaikovski, S. I. Taneyev, S. V. Rachmaninov și alții Activitatea multifațetă a lui Rimski-Korsakov a lăsat o amprentă profundă asupra istoriei culturii muzicale mondiale. Opera sa a avut impact nu numai asupra compozitorilor autohtoni (Glazunov, Lyadov, Spendiarov, Stravinsky, Prokofiev), ci a influențat semnificativ și muzica vest-europeană (C. Debussy, M. Ravel, O. Respighi, A. Baks). În 1944, în legătură cu aniversarea a 100 de ani de la nașterea lui Rimski-Korsakov, a fost deschisă o casă-muzeu în patria compozitorului din Tikhvin, în 1971 la Leningrad - un muzeu-apartament (în apartamentul în care compozitorul a petrecut ultimele 15 ani). Numele de Rimski-Korsakov a fost dat Conservatorului din Leningrad, iar în fața clădirii sale a fost ridicat un monument al lui Rimski-Korsakov de către sculptorii V. Ya. Bogolyubov și V. I. Ingal (1952).

Creativitate simfonică. simfonie clasică rusă

Una dintre cele mai importante trăsături ale simfonismului clasic rus este că genurile simfonice din Rusia, deja la cea mai timpurie etapă a dezvoltării lor, aveau o orientare democratică. Această originalitate remarcabilă a simfonismului rus s-a datorat întregului curs al dezvoltării socio-istorice a Rusiei.

De la începutul anilor 60 ai secolului al XIX-lea, o nouă etapă semnificativă a fost marcată în istoria simfoniei clasice rusești. Adepții lui Glinka - compozitorii „kuciști” și Ceaikovski, îndeplinind preceptele marelui „profesor”, au reușit să ridice muzica simfonică rusă la o asemenea înălțime încât i-a oferit un loc onorabil în dezvoltarea simfoniei mondiale.

Înflorirea strălucitoare a simfonismului clasic rus a fost stimulată de o atmosferă de mare entuziasm public. Sub influența ideilor democratice revoluționare avansate, compozitorii ruși ai secolului trecut au urmat în opera lor simfonică, ca, într-adevăr, în alte genuri, înaltele principii estetice ale realismului și popularului; s-au îndreptat constant către problemele vii ale timpului nostru.

Foarte indicativ pentru simfonia rusă în perioada clasică a dezvoltării sale a fost uimitoarea varietate de genuri. Aici puteți întâlni simfonia, care a avut o tradiție îndelungată, care a primit un aspect nou, original pe pământul rusesc, și uverturi simfonice colorate, suite, program de fantezii simfonice, poezii, picturi și concerte instrumentale de diferite caractere. Această bogăție de gen a muzicii simfonice rusești s-a datorat dorinței compozitorilor clasici pentru o afișare largă a fenomenelor realității, pentru afișarea multilaterală a vieții populare, pentru întruchiparea figurat concretă a temei naționale.

Aspirațiile realiste, democratice ale compozitorilor clasici s-au manifestat în atracția lor invariabilă pentru simfonismul programului. În esență, compozitorii ruși remarcabili ai secolului trecut au acționat ca creatori ai simfonismului programului clasic rusesc.

Ce este o lucrare instrumentală software? Orice compoziție de program se bazează în mod necesar pe un complot specific, împrumutat fie din realitatea înconjurătoare (de exemplu, uverturile spaniole ale lui Glinka), fie dintr-o operă literară (de exemplu, Șeherazada lui Rimski-Korsakov), fie din pictură (de exemplu, Tablourile lui Mussorgski). la o Expoziţie).orchestrată de M. Ravel).

Dezvăluirea conceptului de program al compoziției se realizează cu ajutorul unor imagini muzicale specifice, care uneori au o bază în folclor, care se disting printr-o specificitate de gen clar exprimată (adică semne de gen ale unui cântec, dans, marș, etc se simt clar în lucrare). Tematismul muzical al lucrărilor programului este marcat de un relief figurativ ascuțit.

Accesibilitatea, inteligibilitatea muzicii simfonice a compozitorilor ruși din secolul al XIX-lea pentru un public larg este determinată de legătura sa strânsă cu arta populară. În lucrările simfonice clasice, se poate găsi adesea o tematică folclorică autentică, care este atât de apropiată și de înțeles pentru un public larg. „...” Cu toate acestea, mult mai des compozitorii clasici au folosit melodii populare indirect, refractându-le prin prisma individualității lor creative.

Modalități de dezvoltare a muzicii simfonice ruse

Simfonismul clasic rus al secolului trecut a cuprins două direcții principale: liric-dramatic, cel mai strălucit reprezentant al căruia a fost P.I. Ceaikovski, și narativ-epopee, care a primit cea mai completă expresie în operele simfonice ale lui A.P. Borodin și N.A. Rimski-Korsakov.

Simfonismul lirico-dramatic se caracterizează prin conflicte vii ale vieții, claritatea și intensitatea dezvoltării, tensiunea internă a imaginilor muzicale și artistice. Pentru simfonismul epic, caracterul narativ-obiectiv al expresiei artistice este tipic. În lucrările de acest fel, ciocnirile conflictuale sunt mai puțin pronunțate. Imaginile realității înconjurătoare sunt iluminate de compozitori în tonuri calme, contemplative.

În ultima treime a secolului al XIX-lea se conturează clar o nouă etapă în istoria simfoniei ruse.

Compozitorii abordează acum programaticitatea în muzică într-un mod diferit; sunt atrași nu atât de caracterul descriptiv al intrigii sau de reprezentarea picturală, cât de problemele psihologice și filozofice mai generalizate. Se poate vorbi deja nu numai despre cele mai importante tendințe ale simfonismului rus, ci și despre lucrări simfonice individuale, uneori singulare, în opera unuia sau altuia.

Printre cele mai bune realizări ale simfoniei ruse și mondiale din această perioadă se numără Simfoniile a patra, a cincea și a șasea ale lui Ceaikovski, lucrări simfonice de Glazunov, Lyadov, Kalinnikov, Rahmaninov, Scriabin, Taneev, Rimski-Korsakov. În muzica acestor compozitori, care au dezvoltat tradițiile simfonice ale lui Glinka, principiile naționalității sunt întruchipate clar, s-a realizat o combinație organică a principiilor filozofice și estetice cu cele etice.

Lucrări simfonice de Rimski-Korsakov

Rimski-Korsakov a dedicat mult mai puțin timp și efort muzicii simfonice decât operei. Numărul compozițiilor sale simfonice este relativ mic. Dar în ceea ce privește puterea artistică, profunzimea și originalitatea uimitoare, ei ocupă un loc lângă operele lui Korsakov. Rimski-Korsakov este un compozitor de operă indiscutabil strălucit și, la fel de incontestabil, un simfonist genial.

Principalele lucrări simfonice au fost create de Rimski-Korsakov în anii 60 și 80. Simfonia I este din punct de vedere cronologic cel mai vechi exemplu al simfoniei naționale ruse. Un rol de hotar în formarea stilului simfonic al compozitorului a fost jucat de muzical Sadko (episod epic ) și o suită simfonică Antar (simfonia a 2-a, bazată pe povestea orientală cu același nume de Osip Ivanovich Senkovsky). Apelul la lumea fanteziei populare rusești și a fabulozității orientale a dezvăluit cele mai caracteristice aspecte ale individualității artistice a lui Rimski-Korsakov - darul său muzical și pictural. Compoziția liberă a ambelor lucrări, cu o schimbare întâmplătoare a episoadelor, datorită conturului intrigii, reflectă atitudinile estetice. Noua scoala ruseasca . Factorul unificator structural în Sadko servește ca tehnică de încadrare preferată a lui Balakirev (tema mării), în Antar - trecerea prin toate părțile simfoniei laitmotivului personajului principal, asemănătoare cu principiile simfonismului programului lui Berlioz.

Evoluția creativității simfonice în anii 80. s-a manifestat mai ales prin respingerea detaliilor complot programe, într-un efort către o transmitere generalizată a conținutului și (ca urmare) la o încredere mai puternică pe metodele clasice de modelare, la rotunjimea și armonia compoziției. Noile tendințe sunt deja parțial dezvăluite în basm . Textul Pușkin i-a trimis din prolog la Ruslan și Lyudmila este folosit nu ca un program, ci ca o epigrafă poetică, permițând interpretarea liberă a unei serii de imagini fantastice. O lucrare semnificativă a acestor ani a fost Concertul pentru pian și orchestră, al cărui tematism național (cântec de recrutare) se îmbină în mod unic cu principiile venite de la Liszt (interpretarea poetică a unei singure mișcări, mai precis, formă monociclică; transformarea monotematică a materialului). ; tehnici de prezentare la pian).

Jocul pe teme ale vieții bisericești este rezolvat într-un mod deosebit Sfântă sărbătoare (Uvertura de duminică ), în care compozitorul a căutat (în propriile sale cuvinte) să transmită latura legendară și păgână a sărbătorii . De aici și caracterul de gen al secțiunii principale (Allegro) a uverturii cu sunete de clopoțel interpretate ca dans muzică bisericească .

Genul și liniile de program ale simfoniei lui Rimski-Korsakov sunt completate de două capodopere - capriccio spaniol Și Scheherazade . ÎN capriccio schițe luminoase temperamentale ale vieții populare spaniole, continuând tradițiile uverturilor spaniole ale lui Glinka, sunt combinate cu conceptul muzical original în sine; această lucrare este un fel de concert strălucit pentru orchestră (timbricul și capacitățile virtuoz-tehnice ale fiecărui instrument sunt relevate în numeroase solo-uri și cadențe de improvizație). Partitura suitei simfonice este, de asemenea, marcată cu elemente de concert. Scheherazade . Spre deosebire de Antara , imaginile Orientului fabulos din el nu sunt asociate cu un complot anume. La aceasta se răspunde și o interpretare generalizată a celor mai importante laitmotive care nu sunt atribuite anumitor imagini și sunt supuse unei libere regândiri (de exemplu, tema lui Shakhriar devine tema mării în prima parte a suitei). Unitatea tematică, prin dezvoltarea simfonică, sintetizând rolul finalului conferă suitei o integritate excepțională și o fac să se raporteze la simfonie. Frumusețea plastică și reliefarea temelor, bogăția ritmică, orchestrația strălucitoare și perfecțiunea formei fac Scheherazade una dintre lucrările marcante ale muzicii ruse dedicate Orientului.

Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov este completată și îmbogățită de fragmente orchestrale ale operelor sale. Urmând tradițiile lui Glinka, Rimski-Korsakov a urmat încă de la începutul activității sale creatoare calea simfonizării genului de operă. Orchestra din operele lui Rimski-Korsakov nu se limitează la rolul modest de a însoți părțile vocale. Acesta este un participant activ și, în multe cazuri, dominant la acțiune. În operele lui Rimski-Korsakov se găsesc destul de multe episoade orchestrale și orchestral-vocale în care gândirea compozitorului se dezvoltă cu o amploare cu adevărat simfonică. Unele dintre ele au fost incluse în suitele compilate de Rimski-Korsakov din Fecioara Zăpezii , Mlada , Nopți înainte de Crăciun , Poveștile țarului Saltan , pan guvernator . Adiacent acestora: muzica pentru drama lui May Pskovicianka (bazat pe a 2-a ediție inedită a operei), Noapte pe Muntele Triglav (transcrierea concertului pentru orchestra actului 3 Mlada ) și o transcriere simfonică a Procesiunii din cocoș de aur . Puține imagini ale simfonismului dramatic din opera lui Rimski-Korsakov sunt asociate cu muzica de operă: uverturi la opere Pskovicianka , Vera Sheloga , mireasa regala , pauză epico-dramatică Bătălia de la Kerzhents din actul 3 Povești despre orașul invizibil Kitezh și fecioara Fevronia .

Programe compoziții simfonice

"Sadko"

Apropo de tabloul muzical, nu putem să nu ne amintim de opera epică Sadko. Rimski-Korsakov a introdus temele principale ale unui joc simfonic tineresc în opera epică ca fiind cele mai importante laitmotive. Datorită acestui fapt, ne putem imagina mai clar sensul, semnificația fiecărei teme a „primului” Sadko. Datorită acestui fapt, este mai ușor de urmărit cum se dezvăluie intriga epică în schimbarea și dezvoltarea imaginilor muzicale.

Peisajul sonor maiestuos deschide imaginea muzicală. Măsurător, se ridică încet valurile Oceanului-Mării de albastru. Dar această liniște este plină de putere ascunsă. Se pare că o furtună este pe cale să se ridice, iar elementul apă va apărea în toată puterea sa formidabilă.

Este greu să nu admiri natura pitorească și poetică a acestei imagini muzicale, găsită de un tânăr compozitor care făcea primii pași creativi. În „portul muzical” cu adevărat genial, Rimski-Korsakov nu urmează calea bătută. Evită onomatopeele directe, nu imită sunetul valurilor sau exploziile de unde. Rimski-Korsakov găsește o altă cale către fantezia ascultătorului. Muzica introductivă crește dintr-un motiv scurt (doar trei sunete). Laconismul sever al acestui motiv și simplitatea strictă a ritmului creează impresia de putere restrânsă. Îmbogățit cu noi și noi culori armonice și timbrale, motivul principal nu își pierde contururile. De aici apar impresiile de infinit, de nemărginire: marea este mereu în mișcare, mereu în schimbare și, în același timp, mereu aceeași.

Regele Mării îl târăște pe Sadko în adâncurile oceanului. Ritmul se schimbă rapid. Decolează rapid, aruncând de la un instrument la altul, un motiv scurt.

Sadko se scufundă pe fundul mării. Rimski-Korsakov găsește aici o imagine muzicală pitorească simplă și în același timp rară. Este un lanț de coarde; vocile lor superioare se deplasează pe o scară neobișnuită, în care intervale de ton și semiton alternează.

Această muzică lasă o impresie aproape clară vizual de cădere rapidă.

Una după alta, minunile regatului mării sunt înlocuite. La cererea țarului mării, Sadko începe să joace. Pe fondul enumerarii negrabite a harpei (harpa in orchestra), apare o melodie de dans simpla, clar ritmata. Este înlocuită cu o altă temă, foarte melodioasă - acesta este un cântec laudativ pe care Sadko îl cântă țarului mării. Este ușor să simți în ea, așa cum a remarcat însuși Rimski-Korsakov, „o anumită parte din priceperea rusă”. Într-un mod diferit - acorduri măsurate, solemne și sonore - acum sună harpa lui Sadko.

Dans din ce în ce mai rapid (această parte a poemului simfonic al lui Rimski-Korsakov se bazează pe dezvoltarea a două melodii). O lovitură puternică din partea întregii orchestre - Sadko a rupt coarda de la harpă... Și din nou imaginea unei mări calme. Aceasta este lucrarea muzicală „Sadko”, care este pe deplin în concordanță cu programul autorului.

Cu o îndemânare remarcabilă, Korsakov desenează elementul apă, marea în diverse stări: acum liniștit și doar puțin calm legănându-se, acum acoperit cu niște ondulații misterioase sinistre, acum amenințător și furios. Pentru a transmite toate acestea, compozitorul găsește un mijloc muzical și vizual nou și original. Așa este, în special, scara, constând dintr-o alternanță uniformă de tonuri și semitonuri, cu ajutorul căreia este transmisă imersiunea lui Sadko în adâncimea subacvatică. Această scară, numită „Cântarile lui Rimski-Korsakov”, servește drept bază pentru unul dintre modurile caracteristice pe care Rimski-Korsakov le-a folosit în lucrările sale ulterioare pentru a descrie lumea fanteziei magice, misterioase.

„Sadko” nu este prima lucrare a lui Rimski-Korsakov. „Sadko” a fost precedat de o simfonie și „Serbian Fantasy” pentru orchestră. Dar numai la Sadko apare Rimski-Korsakov ca un compozitor cu un stil simfonic bine conturat și extrem de original, ca un artist cu o direcție clar conștientă a gândirii creative. În „Sadko” au fost conturate clar cele mai importante tendințe, care în viitor pot fi urmărite cu ușurință în lucrarea lui Rimsky-Korsakov. Acestea sunt, în primul rând, acele trăsături care au fost deja menționate: discursul și intrigile muzicale programatice, populare, preluate în mare parte din poezie.

Muzica lui Rimski-Korsakov a inclus și imagini ale naturii. În Sadko, este elementul de apă care l-a captivat pe Rimski-Korsakov în prima tinerețe, în anii circumnavigației sale. Mai târziu, Rimski-Korsakov introduce în opera sa și alte fenomene și forțe de natură rusă.

Narațiunile lui Rimski-Korsakov despre evenimente fantastice se îmbină adesea cu peisajul sonor. În același timp, primele sunete ale piesei lui Rimski-Korsakov îl introduc pe ascultător în lumea misterioasă și magic vrăjitoare a fanteziei populare.

„Sadko” este o lucrare națională atât în ​​concept, cât și în implementare. În Sadko, Rimski-Korsakov acționează ca un artist rus progresist, gloriind trăsăturile nobile ale poporului rus în opera sa.

"Antar"

„Antar” în tendințele sale principale, în principalele sale trăsături stilistice, se învecinează cu tradițiile lui Glinka. Și în „Antar” - aceeași dramaturgie epică „Ruslan”, aceeași desfășurare calmă, narativ-picturală a acțiunii ca și în „Sadko”.

În „Antar” există o aromă orientală a muzicii (o trăsătură care este o caracteristică a artei muzicale rusești).

Suita este formată din patru părți. Partea a doua, a treia și a patra poartă numele: „Dulceața răzbunării”, „Dulceața puterii”, „Dulceața iubirii”.

În suita Antar, Rimski-Korsakov s-a arătat a fi un maestru matur și original al orchestrei. În unele episoade, Rimsky-Korsakov se mulțumește cu o compoziție foarte mică, folosind din abundență solo-uri instrumentale. Orchestra este interpretată ca un ansamblu de cameră care captivează ascultătorul prin bogăția sunetelor sale delicate și transparente.

Printre operele simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Antar ocupă un loc proeminent ca operă de merit artistic remarcabil. Acesta este unul dintre primele experimente ale autorului său în domeniul muzicii program și un predecesor direct al genialei Șeherazade.

"Sheherazade"

Programul Șeherazadei nu a ajuns niciodată la noi în toate detaliile sale, dar ideea generală a suitei și multe dintre detaliile sale sunt acum bine cunoscute.

Rimski-Korsakov a scris că Scheherazade se bazează pe episoade și imagini „separate, fără legătură” din „O mie și una de nopți”. Într-adevăr, picturile alese de Rimski-Korsakov nu sunt unite printr-un complot comun, aceasta nu este o poveste despre niciunul dintre eroii din O mie și una de nopți.

Cele patru părți ale suitei sunt conectate nu numai prin program, ci și prin mai multe gânduri muzicale și teme comune.

Acesta este un basm în muzică. Și deși a fost „povestită” de un compozitor rus, muzica ei are un pronunțat caracter oriental.

Fiecare dintre părți are un subtitlu și prezintă o narațiune armonioasă despre aventurile uimitoare ale marinarilor și alte evenimente minunate pe mare și pe uscat.

Toate cele patru părți nu sunt legate printr-o poveste secvențială. Acesta este un episod complet, fiecare dintre ele fiind o imagine frumoasă și magică a Orientului.

Două imagini principale - Shahriar și Scheherazade - apar chiar la începutul suitei (în prolog), apoi apar în alte părți ale acesteia.

Rimski-Korsakov nu descrie în „Sheherazade” toate aventurile lui Sinbad. Se limitează la imaginea mării de-a lungul căreia navighează nava lui Sinbad Marinarul. Prima parte a suitei este dedicată acestei imagini.

Particularitatea structurii primei părți este absența secțiunii din mijloc, care este obișnuită în forma sonată - dezvoltare. Repetarea este separată de expunere doar printr-o mică tranziție. Dar a doua temă laterală (împreună cu partea finală) și tema principală din reluare îndeplinesc în esență funcțiile de dezvoltare. Apare prima petrecere laterală - furtuna se potolește.

Repetarea repetă expunerea fără modificări semnificative. Apare o a doua subtemă: furtuna se ridică din nou.

Concluzia se bazează pe tema mării. Sună și mai dulce și mai tandru decât la începutul Allegro (această impresie se realizează printr-o prezentare transparentă subliniată). Prima parte se încheie cu ultima apariție a navei.

A doua parte a suitei este povestea prințului-calendar despre minunatele sale aventuri. Este scris într-o formă dezvoltată din trei părți, cu o construcție variațională a părților extreme, „încadratoare”.

Imaginile muzicale din „Povestea lui Calendar” sunt abundente, colorate și contrastante. Rămâne impresia că în fața ascultătorului se desfășoară, unul după altul, covoare orientale înflorite, pe care sunt înfățișate numeroase scene magice și de basm.

A treia mișcare, ca și prima, a fost scrisă în formă sonată-simfonică fără dezvoltare. Ea dezvoltă două gânduri muzicale; nu sunt contrastante, ci mai degrabă apropiate în tonul general și modelul melodic. Aceasta este tema Țareviciului și tema Prințesei. Ambele au o aromă orientală.

Repetiția repetă ambele teme în culori noi. Tema Șeherazadei apare aici de două ori. Autoarea suitei amintește încă o dată că ea este cea care conduce povestea magică.

Finalul este cea mai complexă parte a suitei atât ca structură („finalul este construit pe principiul sonatei rondo”), cât și din punct de vedere al abundenței imaginilor. O scurtă introducere se deschide cu prima temă a prologului. Ea ne aduce în atmosfera distracției festive.

Această muzică este întreruptă de două ori de melodia Șeherazadei. Apoi, imaginea ei este înlocuită cu o imagine muzicală a unei sărbători la Bagdad. O trăsătură caracteristică a acestui episod mare este un ritm ascuțit (ritmurile de acest tip nu sunt neobișnuite în melodiile de dans oriental), care nu se schimbă pe aproape toată scena festivității. Acest ritm conferă caracter de irezistibilitate rapidă unui motiv laconic, incendiar (partea principală a primei părți a finalului), care deschide o imagine de desfătare festivă.

În același ritm, într-un ritm vârtej, sunt purtate de temele din partea a doua și a treia a suitei. În primul rând, fanfara tulburătoare care a răsunat în scena bătăliei. Apoi - ecouri ale temei calendarului, schimbând în mod capricios dimensiunea. Și, în cele din urmă, apare melodia captivantă de grațioasă a Prințesei din a treia mișcare a suitei (ca parte laterală principală).

Pe lângă materialul tematic al expoziției, în dezvoltare au fost introduse încă două teme: o „temă Shahriar” puternic modificată și o exclamație războinică din scena bătăliei din povestea calendaristică.

În repriză, mai ales în încheiere, se aprinde distracția, se instalează zgomotul festivalului, se aude zgomotul neîncetat al mulțimii, exclamații puternice, zgomotul dansatorilor... Deodată, în momentul punctului culminant, un schimbarea pozelor. Și din nou, imaginea sonoră a unei furtuni maritime, deja familiară din prima parte. Dar aici este și mai rău. O coardă puternică a orchestrei cu un tam-tama puternic - nava s-a izbit de stâncă.

Furtuna se potolește, doar valuri ușoare excită vastele întinderi de apă. Tema navei apare pentru ultima dată. Aceasta este o amintire a călătorilor curajoși îngropați în adâncurile mării.

Povestea s-a terminat. A rămas doar un scurt epilog, făcând ecou prologului. Subiectele prologului sunt inversate aici. Suita lui Rimski-Korsakov, o poveste muzicală a miracolelor de basm creată de fantezia poetică a popoarelor din Orient, se încheie cu ecouri ale melodiei Șeherazadei.

În ciuda faptului că nu există o singură melodie cu adevărat orientală în muzica Șeherazadei, ea este percepută tocmai ca o narațiune orientală.

Turnuri melodice, ritmuri, culori orchestrale, folosirea caracteristică a instrumentelor de percuție - totul vorbește despre pătrunderea profundă a compozitorului în esența limbajului muzical al popoarelor din Orient.

Mai multe părți independente, complete ca formă și conținut, puternic contrastante sunt unite aici printr-un program comun și un concept muzical comun.

O astfel de vergetă unificatoare este imaginea muzicală a Șeherazadei. Această imagine întruchipează legenda despre originea basmelor arabe „O mie și una de nopți”, născute din fantezia populară.

Lucrări simfonice care nu au program publicat de autor

Acestea includ: Prima simfonie, Fantezie pe teme sârbești, Uvertură pe temele a trei cântece rusești, Simfonia a treia, Sinfonietta pe teme rusești, Capriccio pe teme spaniole, Dubinushka - lucrări simfonice de gen. Se caracterizează printr-un program generalizat, fără intrigi dezvăluite în detaliu în muzică.

Prima Simfonie

Prima simfonie, prima operă majoră a lui Rimski-Korsakov, a fost creată sub supravegherea directă a lui Balakirev. Compoziția simfoniei a durat mult timp, deoarece munca la ea a fost întreruptă de o călătorie lungă (doi ani și jumătate) a lui Rimski-Korsakov pe una dintre navele marinei ruse.

În tema principală dinamică, se aud ecouri ale cântecului rusesc „Jos mama, de-a lungul Volgăi”. Există, fără îndoială, o mulțime de „Korsakov” în jocul secundar. Aceasta este o melodie caldă, lirică, asemănătoare melodiilor lirice rusești.

Andante se bazează pe una dintre variantele piesei „Despre tătarul plin”. La începutul lui Andante, melodia populară sună cu o simplitate severă. Dezvoltând această melodie, Rimski-Korsakov dezvăluie întreaga profunzime a imaginii poetice create de oameni, iar Andante este perceput ca o narațiune concisă, epic reținută a durerii oamenilor.

Scherzo este elegant și dinamic. Spectaculoase la începutul temei principale sunt exclamațiile energice care se sparg într-o mișcare ușoară și rapidă.

Tema principală a finalului este atrăgătoare prin hotărârea sa, un model clar al unei melodii cuprinzătoare. Există momente interesante în dezvoltarea acestei teme (dominante în final). Cu toate acestea, alte imagini nu contrastează suficient cu ea și, prin urmare, finalul lasă impresia unei anumite monotonii.

Simfonia a treia

Simfonia a III-a este, fără îndoială, o lucrare mai matură decât Simfonia I, dar în același timp mai puțin emoționantă. Niciuna dintre părțile simfoniei a treia nu se ridică la plinătatea sentimentului care cucerește a doua parte a primei simfonii - Andante pe tema cântecului „Despre tătarul este plin”.

Tema principală a lui Allegro (care a apărut din tema introducerii) - o melodie mobilă de natură festivă - nu este foarte tipică pentru Rimsky-Korsakov. Dar nu se poate nega originalitatea celei de-a doua teme. Aceasta este o melodie lejeră, tandră, feminină, foarte fin armonizată. Astfel de imagini muzicale pot fi găsite atât în ​​operele, cât și în romance ale lui Rimski-Korsakov. Ambele teme sunt bogat dezvoltate în Allegro, care se încheie cu o codă pastorală neobișnuită, visătoare. Versurile idilice ale acestui scurt episod contrastează cu succes atât cu energia Allegro-ului, cât și cu rapiditatea grațioasă a următoarei părți a simfoniei - un scherzo colorat.

Ca o pipă de cioban, sună tema Andante. Colorarea pastorală a acestei teme determină caracterul întregului Andante, care este perceput ca o imagine a naturii de vară cu o scenă de furtună în episodul central.

Andante avansează în finală fără pauză. La finalul Andantei apar fanfare, la început abia auzite, apoi din ce în ce mai sonore. Din ele crește motivul principal al părții principale a finalului (Allegro con spirito).

Al doilea motiv al părții principale este un depozit rusesc plin de viață, o melodie de dans. Această melodie, anticipând temele de dans din The Snow Maiden, este cea mai strălucitoare și singura caracteristică a lui Rimsky-Korsakov, dintre imaginile muzicale ale finalului. Parte laterală nesemnificativă.

Finalul este partea cea mai puțin reușită a simfoniei. În final, fascinația unilaterală pentru tehnologie a „secat imaginația imediată” a autorului. Numeroase episoade contrapunctice, în cea mai mare parte, departe de a-și îndeplini în mod adecvat sarcina de a îmbogăți imaginile muzicale. Și numai în coda magnifică, care este plină de putere epică, combinația dintre intonațiile inițiale ale părții principale a primei mișcări cu motivele părții principale a finalului este foarte reușită.

La fel ca prima simfonie, a treia simfonie este o lucrare neuniformă. Dar prima simfonie atrage cu prospețime, inmediatețe a gândirii creatoare și doar imaturitatea autorului l-a lipsit de posibilitatea de a dezvolta pe deplin principalele imagini muzicale. În a treia simfonie, cu o maturitate creativă mult mai mare, există mai puțină imediatitate, mai puțină integritate stilistică. Cu toate acestea, ambele simfonii, cu toate deficiențele lor importante, au „dreptul la viață”. Și, desigur, este nedrept că de zeci de ani doar câțiva muzicieni le-au cunoscut. În ultimii ani, cercurile largi de iubitori de muzică au putut să se familiarizeze cu simfoniile lui Rimski-Korsakov.

Capriccio pe teme spaniole

„Spanish Capriccio” este o piesă orchestrală virtuoasă, în care proprietățile expresive și posibilitățile virtuoase ale instrumentelor orchestrale sunt dezvăluite cu cea mai mare perfecțiune. Este, de asemenea, o poveste muzicală poetică despre culorile strălucitoare ale naturii sudice, despre viața populară spaniolă.

Elementul de dans popular vesel, plin de viață și foc domnește în „Capriccio spaniol”, care este o suită de cinci părți, interpretată fără întrerupere. Pentru toate cele cinci mișcări, Rimski-Korsakov a ales melodii de dans simple. Ele nu primesc, în cea mai mare parte, o dezvoltare simfonică largă, dar sunt îmbogățite cu culori orchestrale inepuizabil de diverse. Dragostea lui Rimski-Korsakov pentru un ritm clar și instrumente de percuție a fost extrem de potrivită aici - în muzica populară spaniolă, rolul percuției nu este mai puțin semnificativ decât în ​​muzica popoarelor orientale.

Prima parte din „Capriccio” - Alborada (dans popular spaniol). Melodia de dans rapidă sună pe fundalul unui acompaniament repetitiv extrem de simplu, aproape fără schimbare. Apare o mulțime de tineri - exclamații vesele, zgomot de dans...

În incendiara Alborade, Rimsky-Korsakov folosește de bunăvoie puterea și strălucirea întregii „matrice” orchestrale. Abia la sfârșitul piesei sună motivul principal de dans în apelul de instrumente din lemn și cu coarde; se pare că zgomotul mulțimii dansatoare vine de undeva departe.

În partea a doua - Variații - există opoziții mai colorate, contraste dinamice. Caracterul general al Variațiilor este determinat de tema principală - o simplă melodie atentă.

Încă de la primele sunete, se simte înrudirea cu melodiile orientale preferate ale lui Rimski-Korsakov. Liber variabilă, colorată în diverse timbre, această temă nu-și pierde caracterul calm, oarecum idilic. Savoarea pastorală este resimțită mai ales clar în „dialogul” cornului englez și cornului francez; parcă răsună două țevi de cioban.

A patra parte a Capriccio-ului este extrem de originală. Conținutul său programatic este subliniat de autor în titlul: „Scena și cântecul gitanei”. Această parte se bazează pe două teme de dans. Unul este elegant, grațios și în același timp pasionat. Ascultătorul își imaginează un dansator popular dansând pe sunetele unei tamburine, chitarei și mandolinei.

O altă temă – tot dansul, dar de cu totul altă natură – impulsiv, impetuos (nota autorului: feroce – furios). Ne putem imagina că dansul grațios măsurat a fost înlocuit cu un dans sălbatic spontan.

Particularitatea celei de-a patra mișcări sunt cadențele care o deschid (mici episoade virtuozice cu caracter improvizațional). Ele pot fi percepute ca un fel de preludiu înaintea spectacolului dansatorului-cântăreț. În același timp, aceasta este o demonstrație strălucitoare a posibilităților expresive și virtuoase ale instrumentelor orchestrale și a priceperii interpreților. Aproape toate cadențele sunt construite pe intonațiile temei principale a gitanei. Prima cadență - grupuri de instrumente de alamă; este urmată de cadența viorii solo. A doua cadență este separată de a treia prin apariția temei principale a gitanei în sunetul transparent al flautului, clarinetului și viorilor (cu acompaniament de percuție). A treia cadență este pentru flaut solo, a patra este pentru clarinet (cu participarea oboiului), a cincea și ultima este pentru harpă. Instrumentele de percuție participă la toate cadențele, creând un fundal sonor de „foșnet”.

Finala, partea a cincea a „Capriccioului spaniol” - Fandango (dans popular) - se deschide cu o exclamație solemnă, urmată de melodii de dans grațioase. A treia dintre principalele imagini muzicale ale lui Fandango este o melodie ușoară și netedă, un fel de vals.

Rimski-Korsakov introduce în Fandango imaginile muzicale ale mișcărilor precedente. Apar ambele teme gitan. Codul se bazează pe o temă Alborada ușor modificată. Fandango este perceput ca o imagine a unui festival popular pictat cu culori bogate și linii largi, plin de jubilație.

Uverturi, suite simfonice din opere și transcrieri ale scenelor de operă pentru orchestră simfonică

Uvertură la opera „Noaptea de mai”

Uvertura la „Noaptea de mai” nu dă o scurtă descriere a evenimentelor care se desfășoară în operă - Rimski-Korsakov alternează, compară și dezvoltă imaginile muzicale ale operei foarte liber. Dar cu „Noaptea de mai” uvertura este unită de teme comune și un ton vesel și luminos al muzicii.

Uvertura începe cu o melodie gânditoare, melancolică, preluată de la începutul actului al treilea al operei: Levko s-a trezit noaptea la un iaz și s-a oprit, izbit de frumusețea ei.

Muzica visătoare-gânditoare este înlocuită cu tulburătoare. Această imagine muzicală sumbră-misterioasă transformată într-o uvertură a scenei de lângă lac: pannochka înecată va apărea în fața lui Levko în orice moment. Apoi intră o melodie lină și melodioasă, în care se aud clar intonațiile muzicii populare ucrainene. Acesta este cântecul pe care îl cântă Levko, amintindu-și de iubitul său: „Doarme, frumusețea mea, dormi dulce”.

Ecourile refrenului cântecului lui Levko (imitarea melodiei pe bandura) duc la o melodie nouă, plină de bucurie, aceasta este tema Hannei. Acompaniamentul (mișcare rapidă uniformă în șaisprezecele) crește în uvertura la valoarea unei imagini artistice independente, creând o stare de bucurie emoționată.

Mișcarea rapidă dispare, iar după acorduri calme și netede intră o nouă temă - o melodie ușoară și melodioasă a duetului final al lui Ganna și Levko.

Imagini noi au izbucnit: un motiv ascuțit, unghiular și un „patter” de note a șaisprezecelea pe fundalul unei scări cromatice „furios” la vocea inferioară. Aceasta este cumnata, care și-a atacat cu înverșunare colega de cameră - Capul, care este gata să tragă după toate fetele drăguțe din sat.

Cântarea melancolică care deschide uvertura reapare, înlocuită de melodia familiară a Hannei; apoi revine tema duetului, de data aceasta cu un sunet puternic din toată orchestra. Încă o dată, imaginea muzicală comică supărată a cumnatei își amintește de ea însăși, un motiv vesel de Kalenik pâlpâit și intră tema veselă a corului final al operei „Gloria Soarelui Roșu”.

Uvertura se încheie cu o concluzie scurtă, rapidă și solemnă.

Abundența imaginilor muzicale incluse în uvertură nu dă impresia de variație datorită armoniei obișnuite a structurii pentru Rimski-Korsakov, în care nu este dificil să se detecteze elemente ale formei sonatei clasice. Primele trei teme pot fi considerate ca o introducere, tema Hanna ca parte principală a sonatei Allegro, tema duet ca parte secundară, episodul central (după tema duet) ca dezvoltare, revenirea temei duet. ca o scurtă reluare (cu partea principală omisă); apariția temei refrenului „Slavă soarelui roșu” începe coda.

Suită simfonică din opera „The Snow Maiden”

Intriga destul de complexă a Fecioarei Zăpezii nu este dezvăluită în suita compilată de Rimski-Korsakov; nici măcar un episod legat de imaginea Fecioarei Zăpezii nu a fost inclus în suită.

Dintre cele patru părți ale suitei, primele două sunt fantastice, următoarele două sunt din viața lui Berendey.

Prima parte a suitei - Introducere în Prologul operei. Aceasta este o imagine a trezirii treptate a naturii. Motive calde și strălucitoare ale primăverii sună pe fundalul ciripitului păsărilor. Motivul ciripitului păsărilor a apărut din motivul primăverii.

Coloratul idilic deschis este susținut în partea a doua a suitei - „Dansul păsărilor”. Și aici - strigătele și ciripitul păsărilor, împotriva cărora sună două melodii vii și grațioase. Primul dintre ele este un cântec popular autentic „Vulturul este guvernatorul, prepelița este funcționarul”. A doua temă este o melodie modificată a cântecului popular „Ringing the Bell” (în operă – cu textul „Birds Gathered”).

În ambele fragmente – mai ales în „Dans” – „vocile naturii” și intonațiile cântecelor populare rusești se îmbină cu adevărat.

A treia parte a suitei este un tablou simfonic în miniatură „Procesiunea țarului Berendey”. Tema „Procesiunii”, potrivit lui Rimski-Korsakov, „în prima sa parte este capricioasă, formidabilă în mod jucăuș, iar în a doua - tremurătoare, senilă”. Această temă, ca întreg tabloul muzical care a crescut din ea, atrage, potrivit compozitorului, „aspectul general al regelui”.

A patra și ultima parte a suitei este „Dansul Bufonilor”. Sărbătoarea lui Berendey, adunată în pădurea protejată. Cântece, dansuri rotunde. La ordinul regelui, bufonii încep să danseze, fugind în sunetele unui motiv energetic, „la distanță”. Din acest motiv crește prima temă din „Dansul Bufonilor” - o melodie veselă cu ritm ascuțit.

Caracterul de dans al celei de-a doua melodii, mai netedă, este subliniat de acompaniamentul „călcat” al contrabașilor, violoncelului și fagotului.

Ambele teme, strălucitor naționale prin originile intonaționale, se dezvoltă într-o variație tipică muzicii populare rusești, cu contraste dinamice ascuțite, cu schimbări bruște ale culorilor orchestrale.

Suită din opera „Noaptea de dinainte de Crăciun”

Scenele fantastice ale operei Noaptea de dinainte de Crăciun i-au permis într-adevăr lui Rimski-Korsakov să creeze o mulțime de muzică „interesantă” - poetică. Scene fantastice stau la baza suitei din Noaptea de dinainte de Crăciun.

Deja prima parte a suitei - Introducerea în operă - spune destul de clar ascultătorului că evenimente fantastice se vor desfășura în fața lui. Acesta este un peisaj sonor magic care, potrivit lui Rimsky-Korsakov, descrie „o seară geroasă târzie în Dikanka în ajunul Crăciunului”.

Într-adevăr, muzica intro-ului atrage atât frigul iernii, cât și peisajul iernii („rece”, cu o nuanță fantastică, sunetele celestei, clopoței și harpei, sunetul cornelor, viorilor și clarinetului) și lumini intermitente ale stelelor („înțepături” scurte ale flautului).

Introducerea, fără întrerupere în fluxul muzicii, este înlocuită de scenele magice din actul al treilea, mergând tot fără întrerupere. Această unitate a tuturor părților suitei a dat autorului motiv să o numească „imagini muzicale în mișcare”.

Poza cerului înstelat, care deschide un lanț de scene fantastice, este apropiată de Introducere în ceea ce privește starea generală de spirit și mijloacele vizuale. Sună și motivul „rece magic” al celestei, clopotelor și harpei, familiar din Introducere. Stelele se adună în grupuri pe nori. Încep jocurile și dansurile. O mazurcă ușoară, „fâlfâitoare” în sunetul transparent de cameră al unui flaut, coarde pizzicato și acorduri susținute de fagot și clarinet, pași solemni ai unei comete, un dans rotund de stele, chardash - acestea sunt imaginile magice care trec înaintea ascultător...

Norii se rostogolesc, stelele se ascund în spatele norilor. Se aude un motiv ascuțit, scurt și rapid al spiritelor rele. Vrăjitoarele zboară pe mături, vrăjitorii în oale, cazane și mortare. Spiritele rele s-au adunat în ultima noapte înainte de Crăciun pentru a lupta împotriva spiritelor luminii. Rimski-Korsakov păstrează și în această scenă gustul bun și plin de umor al poveștii lui Gogol. Vrăjitoarele și vrăjitorii s-au înarmat cu tigăi, clești și pistiluri pentru a „sperii, înspăimânta” pe Kolyada și Ovsen - spirite strălucitoare care ar trebui să apară în zorii dimineții de Crăciun.

În depărtare, Vakula este arătat călărind un diavol. Spiritul rău decide să-și ajute prietenul și să-l împiedice pe Vakula să ajungă la Sankt Petersburg. Vrăjitoarele și vrăjitorii pornesc în urmărirea fierarului.

Există, de asemenea, puțin „demonic” în imaginea expresivă și colorată a urmăririi. Aici poți simți același umor de basm bun, care colorează atât povestea lui Gogol, cât și opera lui Rimski-Korsakov.

Spiritul rău nu reușește să blocheze calea lui Vakula, iar acesta ajunge în siguranță în Sankt Petersburg.

O poloneză solemnă și spectaculoasă a intrat în suită de pe scena din palatul regal.

Scena finală a suitei. Din nou spațiu aerian. Duhul rău a dispărut, sunt purtate doar cazane, oale, clești și mături, pe care zburau vrăjitorii și vrăjitoarele. Se aude un cor lăudând pe Kolyada și Ovsen. Se face lumina. Kolyada și Ovsen dispar. În adâncuri se vede Dikanka, luminată de soare. Clopotele și cântatul bisericii se aud de departe.

Concluzie

Caracteristicile creativității simfonice a lui Rimski-Korsakov.

Trăsăturile caracteristice ale operei simfonice a lui Rimski Korsakov pot fi luate în considerare: simfonismul programului, simfonismul genului, apelul la muzica Orientului, imaginea mării în toate manifestările sale, naționalitatea vorbirii muzicale și intrigii preluate în mare parte din poezie, glorificarea a trăsăturilor nobile ale persoanei ruse, un ritm clar, dezvoltarea temelor cântecelor populare rusești, programare colorată și picturală de o natură fabuloasă, armonie a viziunii asupra lumii, artă subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândire muzicală.

Rimski-Korsakov este „unul dintre cei mai mari maeștri ai clasicilor muzicali ruși ai secolului trecut”.

Lista surselor

1.Keldysh Yu., Istoria muzicii ruse, Moscova-Leningrad, Editura Muzicală de Stat, 1947 (partea a 2-a)

.Komissarskaya M.A., Muzica rusă a secolului XIX, Moscova, „Cunoașterea”, 1974

.Rapatskaya L.A., Istoria muzicii ruse de la Rus' antic la „Epoca de Argint”, Moscova, Vlados, 2001

.Ratskaya Ts., N.A. Rimski-Korsakov, Moscova, Muzică, 1958

.Rimsky-Korsakov N. A., „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980

.Solovtsov A., Lucrări simfonice de Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Muzicală de Stat, 1953

.Tretyakova L.S., Pagini de muzică rusă, Moscova, „Cunoașterea”, 1979

.#"justify">9. http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_music/6482/Roman

- Perioada de dezvoltare a triburilor Italiei, cultura etrusca: 8 - 2 secole. î.Hr.
- Perioada „regale” a Romei Antice: 8 - 6 secole. î.Hr.
- Perioada republicană a Romei Antice: secolele V - I. î.Hr.
- Perioada imperială a Romei Antice: 1 - 5 secole. ANUNȚ (căderea Romei în 476 d.Hr.).

arta etrusca

Dezvoltarea artei romane se datorează în mare măsură vechii culturi artistice a etruscilor.
Înainte de stăpânirea romană în Italia, cea mai importantă zonă culturală era Etruria (cu excepția orașelor grecești) - o zonă situată pe partea de vest a Peninsulei Apenini.
Perioada celui mai mare apogeu politic al Etruriei este secolul al VI-lea. î.Hr.

Arhitectură

Templele etrusce sunt foarte asemănătoare ca tip cu cele grecești, dar
- stătea pe un piedestal înalt,
- avea o cornișă puternic proeminentă,
- de obicei bogat decorate cu detalii de teracotă.
Etruscii foloseau așa-numitul ordin toscan, asemănător celui doric (coloane fără flaut, dar aveau soclu și un capitel asemănător celui doric). Această arhitectură s-a format sub influența Greciei perioadei arhaice.

artă

Din a doua jumătate a secolului al VII-lea. î.Hr. Arta etruscă s-a dezvoltat sub influența Greciei.
Ca și în Grecia din perioada elenistică în picturile murale de la sfârșitul secolelor V-III. î.Hr. starea de spirit în pictură se schimbă, sunt înfățișate imagini sumbre ale lumii interlope, domnii lui Hades - Pluto și Proserpina, ... În imaginea sărbătorilor funerare, participanții sunt plini de tristețe și tristețe. Era în secolul al V-lea. î.Hr. Roma a început operațiuni militare împotriva Etruriei.

Pictură a mormântului Scuturilor din Tarquinia. Detaliu al unei figuri feminine. Frescă. BINE. 280 î.Hr

Din secolul al IV-lea. î.Hr. iar în secolele următoare, un loc mare în arta etruscă îl ocupă un portret - în picturile mormintelor și în sculptură.

Până în 280 î.Hr. Etruria era deja cucerită toată de Roma. În secolele III - II. î.Hr. Etruria, sub stăpânirea Romei, a cunoscut a doua sa ascensiune, deși nu la fel de strălucitoare ca în secolele V-IV. î.Hr e.
Arta continuă să se dezvolte în două direcții: una este asociată cu arta elenistică, cealaltă este tradițional locală.
Originalitatea artei etrusce a fost cea mai evidentă în portret. Acum obiceiul include înmormântarea în sarcofage și urne cu imaginea defunctului culcat pe capac.
Un astfel de portret este cel mai adesea doar fizionomic și rareori se ridică la unul psihologic.

Vechile tradiții etrusce sunt vizibile în statuia mare de bronz a oratorului.

Portretul arată clar atenția etruscilor față de trăsăturile fizionomice.

Arta Republicii Romane

Până la sfârșitul secolului al VI-lea. î.Hr. Roma a devenit o republică aristocratică a sclavilor.
Cea mai înaltă autoritate este Senatul, care nu putea include decât reprezentanți ai aristocrației (patricieni).
Poetul roman Horațiu a spus: „Grecia, luată în robie, i-a captivat pe cuceritorii sălbatici, aducând arta în severul Latius...” Deși nu există, fără îndoială, o exagerare poetică în aceste cuvinte, Horațiu a subliniat la figurat faptul că romanii s-au închinat în fața geniul artistic al grecilor.
La mijlocul secolului al II-lea. î.Hr. Roma a dominat întreaga Mediterană. Cartagina a fost distrusă, Grecia și Macedonia au fost transformate în provincii romane.
De la sfârșitul secolului al III-lea î.Hr. e. Comandanții romani au început să scoată opere de artă pe nave din orașele grecești cucerite. Acest lucru a contribuit la dezvoltarea gustului artistic al romanilor. Clădirile publice, templele și piețele Romei erau pline de statui frumoase. Printre aceștia s-au numărat creațiile unor maeștri atât de mari precum Phidias, Myron, Polykleitos, Skopas, Praxitep, Lysippus.

Potrivit legendei, orașul Roma a apărut încă din secolul al VIII-lea. î.Hr.
Potrivit legendei, Vestala a dat naștere a doi gemeni de la zeul Marte. Vestale - preotese ale zeiței Vesta, trebuiau să depună un jurământ de celibat. A fost condamnată la moarte pentru că și-a încălcat jurământul.
Regele a ordonat ca gemenii să fie aruncați în Tibru. Dar sclavii cărora li s-a încredințat acest lucru au lăsat coșul cu gemenii într-un loc puțin adânc, deoarece din cauza viiturii râului le era greu să se apropie de apa adâncă. Când scurgerea s-a diminuat, coșul s-a găsit într-un loc uscat. În plânsul gemenilor, o lupoaică a coborât în ​​fugă din munții din jur la râu pentru a se îmbăta și i-a hrănit cu laptele ei.
Curând copiii au fost găsiți de ciobanul regal. I-a adus acasă și i-a dat soției sale pentru a le crește. Gemenilor li s-au dat numele Romulus și Remus. Crescând, pe lângă vânătoare, au început să se angajeze și în faptul că i-au atacat pe tâlhari, le-au luat prada de la ei și au împărțit-o între păstori.
În cele din urmă, secretul a fost dezvăluit că ei erau nepoții regelui. Frații au decis să întemeieze un oraș nou în locurile în care au fost găsiți. La temelia ei, s-au certat, iar Romulus l-a ucis pe Remus și a numit orașul după el.

Arhitectură

Roma s-a format pe mai multe dealuri (Capitol, Palatin și Quirinal).
Piața centrală a Romei Antice este Forumul Roman (forum Romanum). În viitor, cinci forumuri (pătrate) s-au alăturat primului. Ca urmare a dezvoltării treptate, forumul a căpătat un caracter asimetric.
Clădirile din vremea Romei republicane mărturisesc stăpânirea deplină a ordinelor grecești. Practic, clădirile au fost construite din calcar, tuf și parțial din marmură.

În arhitectura romană, tipul de templu rotund, tholos, a devenit larg răspândit.
În aceste temple s-a folosit ordinul corintian, îndrăgit de romani, adoptat de ei de la greci.

1 in. î.Hr.

La Forumul Taurului se află un alt templu din vremea Republicii Romane. Un exemplu unic de pseudo-peripter.

Caracteristici ale arhitecturii romane - un podium, un portic adânc cu patru coloane.

Un alt templu, în plan rotund.

În secolul I î.Hr e. inginerul și arhitectul Vitruvius a creat tratatul „Zece cărți de arhitectură”, care era o adevărată enciclopedie a practicii de construcție a epocii sale. Vitruvius a formulat cerințele de bază care se aplică unei structuri arhitecturale de orice timp: trebuie să îmbine utilitatea, forța și frumusețea. De la arhitectul Romei Antice, era necesară o educație cuprinzătoare, inclusiv cunoștințe despre climă, știința solului, mineralogie, acustică, igienă, astronomie aplicată, matematică, istorie, filozofie și estetică arhitecturală.

artă

În artele vizuale ale Romei republicane, influența artei grecești și etrusce este remarcabilă.
Dar în arta greacă dominau imaginile zeilor, eroilor mitologici și sportivilor. Portretul din Grecia a apărut relativ târziu (la mijlocul secolului al V-lea î.Hr.).
La Roma, dimpotrivă, portretul a căpătat o importanță dominantă. În portret, mai ales în cel sculptural, s-a manifestat originalitatea artei romane.
De asemenea, în pictură, nu temele mitologice, ci comploturile care povestesc despre evenimente specifice câștigă popularitate.

Arhitectură

Cea mai veche lucrare a primelor decenii ale republicii este celebra sculptură din bronz:

Tehnica excelentă de turnare a bronzului sugerează că aceasta este opera maeștrilor etrusci.

Conform cultului consacrat, nobilii romani au comandat imagini sculpturale ale defunctului fie sub forma unei stele, care era așezată pe mormânt, fie sub formă de busturi portret.
Maeștrii secolului I. î.Hr., în timp ce lucrau la un portret, au urmat exact natura, adesea, probabil deja pe un chip mort. Nu au schimbat nimic și au păstrat toate micile detalii.
Expresia feței în astfel de portrete este întotdeauna calmă, ridurile de pe frunte sunt marcate, privirea este lipsită de viață, colțurile gurii sunt coborâte. Părul este tuns scurt și aproape de frunte.
Cel mai adesea, bărbații sunt înfățișați, deja în ani.
În portretul feminin iese în evidență clar o trăsătură caracteristică artei romane: absența oricărei idealizări.

Odată cu dezvoltarea vieții publice și creșterea rolului comandantului cuceritor, omul de stat, nu numai piatra funerară, ci și sculptura seculară apare la Roma. Această sculptură este o statuie onorifică a unui roman învelit într-o togă.

Un model similar de draperie, doar mai moale, se păstrează pe statuile din sec. I - II. ANUNȚ

Pictura

La Roma, secolele II - I. î.Hr., sunt create picturi care înfățișează bătălii și triumfuri (cunoscute din surse literare). Picturile de luptă au reprodus cu exactitate zona în care a avut loc bătălia și dispoziția trupelor. Astfel de picturi au fost purtate într-o procesiune triumfală și expuse în locuri publice pentru ca toți să le vadă. Picturile înfățișau portrete ale învingătorilor în toge albe cu margine violetă, defilând în fruntea unei armate sau în care.

Primul stil decorativ - incrustație.
Toate detaliile arhitecturale (pilaștri, cornișe, plinte, rafturi, pătrate individuale) au fost realizate tridimensional din ipsos, apoi vopsite.

Al doilea stil decorativ - arhitectural și promițător.
Detaliile arhitecturale nu sunt create în volum, ci sunt reprezentate prin pictură (coloane, pilaștri, cornișe complexe, nișe).
Impresia de volum se realizează prin utilizarea reducerii perspectivei.
Picturile tematice sunt introduse în decorarea pereților (cel mai adesea repetarea originalelor grecești).

Vila misterelor.
anii 60 î.Hr.