Mesaj către lumea culturii artistice a renașterii. Renaştere. Cultura Renașterii secolele XIV-XVI XVII

Arta renascentista in Italia (secolele XIII-XVI).

MATERIALE RESURSEI http://artclassic.edu.ru PE CARE LE-AM FOLOSIT LA COMPILAREA PAGINII

Caracteristici ale artei Renașterii în Italia.

Arta Renașterii a luat naștere pe baza umanismului (din latinescul humanus - „uman”) - o tendință de gândire socială care a apărut în secolul al XIV-lea. în Italia, iar apoi în a doua jumătate a secolului al XV-lea și în secolul al XVI-lea. răspândit la altul tari europene Oh. Umanismul a proclamat cea mai înaltă valoare a omului și a binelui său. Adepții acestei tendințe credeau că fiecare persoană are dreptul de a se dezvolta liber ca persoană, realizându-și abilitățile. Ideile umanismului sunt cel mai pe deplin și viu întruchipate în artă, tema principală care a devenit o persoană frumoasă, dezvoltată armonios, cu posibilități spirituale și creative nelimitate. Umaniștii s-au inspirat din antichitate, care le-a servit drept sursă de cunoaștere și model de creativitate artistică. Marele trecut al Italiei, amintindu-și constant de sine, era perceput la acea vreme ca cea mai înaltă perfecțiune, în timp ce arta Evului Mediu părea ineptă și barbară. Termenul de „renaștere”, care a apărut în secolul al XVI-lea, a însemnat nașterea unei arte noi, reînviind cultura antică clasică. Cu toate acestea, arta Renașterii datorează mult tradiției artistice din Evul Mediu. Vechiul și noul erau indisolubil legate și confruntate. Cu toată diversitatea contradictorie a originilor sale, arta Renașterii este marcată de o noutate profundă și fundamentală. Ea a pus bazele culturii europene a timpurilor moderne. Toate formele majore de artă - pictură și grafică, sculptură, arhitectură - s-au schimbat enorm.
În arhitectură, principiile reelaborate creativ ale anticului sistem de ordine , au apărut noi tipuri de clădiri publice. Pictura a fost îmbogățită cu o perspectivă liniară și aeriană, cunoașterea anatomiei și proporțiilor corpului uman. Conținutul pământesc a pătruns în temele religioase tradiționale ale operelor de artă. Interes crescut pentru mitologia antică, istorie, scene cotidiene, peisaje, portrete. Alături de picturile murale monumentale care împodobeau structurile arhitecturale, a apărut și un tablou; pictura în ulei a apărut.
Arta nu a încetat încă să fie un meșteșug, dar individualitatea creatoare a artistului, ale cărui activități la acea vreme erau foarte diverse, ocupase deja primul loc. Talentul universal al maeștrilor Renașterii este uimitor - au lucrat adesea simultan în domeniul arhitecturii, sculpturii și picturii, și-au combinat pasiunea pentru literatură, poezie și filozofie cu studiul științelor exacte. Conceptul de personalitate bogată din punct de vedere creativ sau „Renaștere” a devenit mai târziu un cuvânt de uz casnic.
În arta Renașterii, căile de înțelegere științifică și artistică a lumii și a omului erau strâns împletite. Semnificația sa cognitivă era indisolubil legată de frumusețea poetică sublimă; în efortul său pentru naturalețe, nu a coborât la viața de zi cu zi meschină. Arta a devenit o nevoie spirituală universală.
Formarea culturii Renașterii în Italia a avut loc în orașe independente din punct de vedere economic. În ascensiunea și înflorirea artei renascentiste, Biserica și curțile magnifice ale suveranilor neîncoronați - familiile bogate conducătoare, care erau cei mai mari patroni și clienți ai lucrărilor de pictură, sculptură și arhitectură, au jucat un rol important. Principalele centre ale culturii Renașterii au fost la început orașele Florența, Siena, Pisa, apoi Padova, Ferrara, Genova, Milano, iar mai târziu, în a doua jumătate a secolului al XV-lea, bogatul negustor Veneția. În secolul al XVI-lea. Roma a devenit capitala Renașterii italiene. De atunci, toate celelalte centre de cultură, cu excepția Veneției, și-au pierdut importanța anterioară.
În epoca Renașterii italiene, se obișnuiește să se distingă mai multe perioade:

Proto-Renaștere (a doua jumătate a secolelor XIII-XIV),

Renașterea timpurie (secolul al XV-lea),

Înalta Renaștere (sfârșitul secolului al XV-lea - prima treime a secolului al XVI-lea)

Renașterea târzie (ultimele două treimi ale secolului al XVI-lea).

Proto-Renaștere

În cultura italiană a secolelor XIII-XIV. Pe fundalul tradițiilor bizantine și gotice încă puternice, au început să apară trăsături ale unei arte noi, care mai târziu va fi numită arta Renașterii. Prin urmare, această perioadă a istoriei sale a fost numită Proto-Renaștere(din grecescul „protos” - „primul”, adică a pregătit începutul Renașterii). Nu a existat o perioadă de tranziție similară în niciuna dintre țările europene. În Italia însăși, arta proto-Renașterii a apărut și s-a dezvoltat doar în Toscana și Roma.
În cultura italiană, trăsăturile vechiului și noului erau împletite. Ultimul poet al Evului Mediu și primul poet nouă eră Dante Alighieri (1265-1321) a creat limba literară italiană. Ceea ce a început Dante a fost continuat de alți mari florentini ai secolului al XIV-lea - Francesco Petrarca (1304-1374), fondatorul liricii europene și Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatorul genului de roman (nuvela) în lume. literatură. Mândria epocii sunt arhitecții și sculptorii Niccolo și Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio și pictorul Giotto di Bondone .
Arhitectură
Arhitectura italiană a urmat tradițiile medievale pentru o lungă perioadă de timp, care s-a exprimat în principal în utilizarea un numar mare motive gotice. În același timp, goticul italian în sine era foarte diferit de arhitectura gotică din nordul Europei: gravita spre forme mari calme, chiar luminoase, diviziuni orizontale și suprafețe largi de pereți. În 1296, construcția a început la Florența Catedrala Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio a vrut să încununeze altarul catedralei cu o cupolă imensă. Cu toate acestea, după moartea arhitectului în 1310, construcția a fost amânată, fiind finalizată deja în perioada Renașterii timpurii. În 1334, conform proiectului lui Giotto, s-a început construcția clopotniței catedralei, așa-numitul campanil - un turn dreptunghiular zvelt, cu împărțiri orizontale pe etaje și ferestre gotice elegante, a cărui formă arcuită de lancet era păstrat în arhitectura italiană multă vreme.
Printre cele mai cunoscute palate ale orașului se numără Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) din Florența. Se crede că a fost construit de Arnolfo di Cambio. Este un cub greu, cu un turn înalt, căptușit cu rusticare din piatră tare. Fațada cu trei etaje este decorată cu ferestre pereche înscrise în arcade semicirculare, ceea ce conferă întregii clădiri o impresie de austeritate restrânsă. Clădirea definește aspectul centrului vechi al orașului, invadând piața cu un volum dur.
Sculptură
Mai devreme decât în ​​arhitectură și pictură, căutare artistică au fost conturate în sculptură, și mai ales în școala pisană, al cărei fondator a fost Niccolo Pisano (circa 1220 - între 1278 și 1284). Niccolo Pisano s-a născut în Apulia, în sudul Italiei. Se crede că a studiat sculptura în școlile sudice, unde a înflorit spiritul renașterii tradițiilor clasice din antichitate. Fără îndoială, Niccolo a studiat decorația sculpturală a sarcofagelor romane târzii și creștine timpurii. Cel mai devreme din ziua de azi lucrări celebre sculptor – hexagonal amvon de marmură, realizată de el pentru baptisteriul din Pisa (1260), - a devenit o lucrare remarcabilă a sculpturii renascentiste și a avut un impact uriaș asupra dezvoltării sale ulterioare. Principala realizare a sculptorului este că a reușit să dea volum și expresivitate formelor, iar fiecare imagine are putere corporală.
Din atelierul lui Niccolò Pisano au venit maeștrii remarcabili de sculptură ai Proto-Renașterii - fiul său Giovanni Pisano și Arnolfo di Cambio, cunoscut și ca arhitect. Arnolfo di Cambio (circa 1245 - după 1310) a gravitat către sculptura monumentală, în care și-a folosit observațiile vieții. Una dintre cele mai bune lucrări pe care le-a făcut împreună cu tatăl și fiul său Pisano - Fântână din Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, decorat cu numeroase statui și reliefuri, a devenit mândria orașului. Era interzis să se bea animale din el, să se ia apă în butoaie de vin sau în vase nespălate. Muzeul orașului a păstrat fragmente de figuri înclinate realizate de Arnolfo di Cambio pentru fântână. În aceste figuri, sculptorul a reușit să transmită toată bogăția mișcărilor corpului uman.
Pictura
În arta Renașterii italiene, pictura murală a ocupat un loc dominant. A fost realizată în tehnică frescă. Cu vopsele preparate pe apă, au scris fie pe tencuială umedă (de fapt o frescă), fie pe uscat - această tehnică se numește „a secco” (tradus din italiană – „uscat”). Liantul principal al tencuielii este var. pentru că varul durează puțin să se usuce, pictura în frescă trebuia făcută rapid, adesea pe părți, între care existau cusături de legătură. Din a doua jumătate a secolului al XV-lea. tehnica frescei a început să fie completată cu pictarea unui secco; acesta din urmă permitea o muncă mai lentă și permitea finisarea pieselor. Lucrarea la picturile murale a fost precedată de realizarea sinopiei - desene auxiliare aplicate sub frescă pe primul strat de ipsos. Aceste desene au fost realizate cu ocru roșu, care a fost extras din lut lângă orașul Sinop, situat pe litoralul Mării Negre. După numele orașului, vopseaua a fost numită Sinop, sau sinopia, mai târziu desenele în sine au început să fie numite la fel. Sinopia a fost folosită în pictura italiană din secolul al XIII-lea până la mijlocul secolului al XV-lea. Cu toate acestea, nu toți pictorii au recurs la ajutorul sinopiei - de exemplu, Giotto di Bondone, cel mai de seamă reprezentant al epocii Proto-Renașterii, a făcut fără ele. Treptat, sinopia a fost abandonată. De la mijlocul secolului al XV-lea. Cartonurile au fost utilizate pe scară largă în pictură - desene pregătitoare realizate pe hârtie sau pe țesătură de dimensiunea lucrărilor viitoare. Contururile desenului au fost transferate pe ipsos umed cu ajutorul prafului de cărbune. A fost suflat prin găurile străpunse în contur și presat în tencuială cu o unealtă ascuțită. Uneori, sinopia dintr-o schiță se transforma într-un desen monumental finit, iar cartonurile dobândeau valoarea unor lucrări independente de pictură.

Fondatorul noului stil italian de pictură este Cimabue (de fapt Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue a fost faimos în Florența ca maestru al picturilor de altar solemne și al icoanelor. Imaginile sale se caracterizează prin abstracție și caracter static. Și deși Cimabue a urmat tradițiile bizantine în opera sa, în lucrările sale a încercat să exprime sentimente pământești, să înmoaie rigiditatea canonului bizantin.
Piero Cavallini (între 1240 și 1250 - în jurul anului 1330) a trăit și a lucrat la Roma. Este autorul mozaicurilor Bisericii Santa Maria din Trastevere (1291), precum și al frescelor Bisericii Santa Cecilia din Trastevere (circa 1293). În lucrările sale, Cavallini a dat formelor volum și tangibilitate.
Realizări Cavallini adoptate și continuate Giotto di Bondone(1266 sau 1267 - 1337), cel mai mare artist al Proto-Renașterii. Numele de Giotto este asociat cu o întorsătură în dezvoltarea picturii italiene, ruperea acesteia cu canoanele artistice medievale și cu tradițiile artei italo-bizantine din secolul al XIII-lea. Cel mai lucrări celebre Giotto - fresce în Capela Arena din Padova (1304-06). Frescele se remarcă prin claritatea lor, narațiunea necomplicată, prezența detaliilor cotidiene care conferă vitalitate și naturalețe scenelor reprezentate. Respingând canonul bisericesc care domina arta de atunci, Giotto își înfățișează personajele ca fiind asemănătoare cu oamenii reali: cu corpuri proporționale, ghemuite, fețe rotunde (mai degrabă decât alungite), tăierea corectă a ochilor etc. Sfinții lui nu plutesc deasupra pământului, ci stau ferm pe el cu ambele picioare. Ei se gândesc mai mult la pământesc decât la ceresc, trăind sentimente și emoții complet umane. Pentru prima dată în istoria picturii italiene, starea de spirit a eroilor unui tablou este transmisă prin expresii faciale, gesturi, postură. În loc de fundalul tradițional auriu, frescele lui Giotto înfățișează peisaje, interioare sau grupuri sculpturale de pe fațadele bazilicilor.
În a doua jumătate a secolului al XIV-lea. scoala pitoreasca din Siena iese in prim plan. Cel mai mare și mai rafinat maestru al picturii siene din secolul al XIV-lea. a fost Simone Martini (c. 1284-1344). Pensula Simonei Martini deține prima imagine din istoria artei a unui beton eveniment istoric cu portretul unui contemporan. Imaginea asta " Condotierul Guidoriccio da Fogliano„în camera Mappamondo (Hărțile lumii) din Palazzo Publico (Siena), care a fost prototipul pentru numeroase portrete ecvestre viitoare. Retabloul Buna Vestire de Simone Martini, păstrat acum în Galeria Uffizi din Florența, se bucură de faima binemeritată.

Caracteristici ale Renașterii. Proto-Renaștere

Caracteristici ale Renașterii

Renașterea timpurie

În secolul XV. arta Italiei a ocupat o poziţie dominantă în viaţa artistică a Europei. Bazele unei culturi umaniste seculare (adică nu ecleziastice) au fost puse la Florența, ceea ce a împins Siena și Pisa în plan secund. Puterea politică de aici aparținea negustorilor și artizanilor, cea mai puternică influență asupra treburilor orașului a fost exercitată de mai multe familii bogate, care au concurat constant între ele. Această luptă s-a încheiat la sfârșitul secolului al XIV-lea. victoria casei bancare Medici. Capul său, Cosimo de' Medici, a devenit conducătorul nerostit al Florenței. Scriitori, poeți, oameni de știință, arhitecți, artiști s-au înghesuit la curtea lui Cosimo Medici. Cultura renascentista din Florenta a atins apogeul sub Lorenzo de' Medici, supranumit Magnificul. Lorenzo a fost un mare mecenat al artelor și științelor, creatorul Academiei platonice, unde s-au adunat mințile remarcabile ale Italiei, poeții și filozofii, unde au avut loc dezbateri rafinate care au ridicat spiritul și mintea.

Arhitectură

Sub Cosimo și Lorenzo Medici, a avut loc o adevărată revoluție în arhitectura Florenței: aici a fost lansată o construcție extinsă, care a schimbat semnificativ fața orașului. Strămoșul arhitecturii renascentiste din Italia a fost Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arhitect, sculptor și om de știință, unul dintre creatorii teoriei științifice a perspectivei. Cea mai mare realizare inginerească a lui Brunelleschi a fost construcția cupolei. Catedrala Santa Maria del Fioreîn Florenţa. Datorită geniului său matematic și tehnic, Brunelleschi a reușit să rezolve cea mai dificilă problemă a timpului său. Principala dificultate cu care s-a confruntat maestrul a fost cauzată de deschiderea gigantică a crucii din mijloc (42 m), care a necesitat eforturi deosebite pentru a facilita răspândirea. Brunelleschi a rezolvat problema aplicând un design ingenios: o cupolă ușoară goală formată din două cochilii, un sistem de cadru de opt nervuri portante legate prin inele care le înconjoară, un felinar ușor care a închis și încărcat arcul. Domul Catedralei Santa Maria del Fiore a devenit precursorul a numeroase biserici cu cupolă din Italia și din alte țări europene.

Brunelleschi a fost unul dintre primii din arhitectura Italiei care a înțeles creativ și a interpretat inițial sistemul de ordine antică ( Ospedale degli Innocenti (Adăpost pentru copii găsiți), 1421-44), a marcat începutul creării bisericilor cu cupolă bazate pe ordinea antică ( Biserica San Lorenzo ). O adevărată bijuterie a Renașterii timpurii a fost creată de Brunelleschi la comanda unei familii florentine bogate Capela Pazzi(început în 1429). Umanismul și poezia operei lui Brunelleschi, proporția armonioasă, lejeritatea și eleganța clădirilor sale, păstrarea contactului cu tradițiile goticului, libertatea creatoare și valabilitatea științifică a ideilor sale au determinat marea influență a lui Brunelleschi asupra dezvoltării ulterioare a arhitecturii renascentiste.

Una dintre principalele realizări ale arhitecturii italiene din secolul al XV-lea. a fost crearea unui nou tip de palate ale orașului, palazzo, care a servit drept model pentru clădirile publice de mai târziu. Caracteristicile palatului din secolul al XV-lea sunt o împărțire clară a volumului închis al clădirii în trei etaje, o curte deschisă cu arcade de podea de vară, utilizarea ruginii (piatră cu o suprafață frontală aproximativ teșită sau convexă) pentru placarea fațadei, precum și o cornișă decorativă puternic extinsă. . Un exemplu izbitor al acestui stil este construcția capitală a studentului lui Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), arhitectul curții al familiei Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), care a servit drept model pentru construirea multor palate florentine. Crearea lui Michelozzo este aproape Palazzo Strozzi(fondat în 1481), care este asociat cu numele arhitectului și sculptorului Benedetto da Maiano (1442-97).

Un loc special în istoria arhitecturii italiene îl ocupă Leon Battista Alberti(1404-72). Un om dotat și educat pe scară largă, a fost unul dintre cei mai străluciți umaniști ai timpului său. Gama intereselor sale era neobișnuit de diversă. Acopera morala și dreptul, matematica, mecanica, economie, filozofie, poezie, muzică, pictură, sculptură, arhitectură. Un stilist genial, Alberti a lăsat numeroase lucrări în latină și italiană. În Italia și în străinătate, Alberti și-a câștigat faima de remarcabil teoretician al artei. Celebrele tratate „Zece cărți de arhitectură” (1449-52), „Despre pictură”, „Despre statuie” (1435-36) aparțin stiloului său. Dar arhitectura a fost principala vocație a lui Alberti. În munca de arhitectură, Alberti a gravitat către soluții îndrăznețe, experimentale, folosind în mod inovator moștenirea artistică antică. Alberti a creat un nou tip de palat al orașului ( Palazzo Rucellai ). În arhitectura religioasă, străduindu-se spre grandoare și simplitate, Alberti a folosit motive de arcade de triumf și arcade romane în proiectarea fațadelor ( Biserica Sant'Andreaîn Mantua, 1472-94). Numele Alberti este considerat pe drept unul dintre primii dintre marii creatori ai culturii Renașterii italiene.

Sculptură

În secolul XV. Sculptura italiană, care a căpătat o semnificație independentă independentă de arhitectură, este înfloritoare. Comenzile pentru decorarea clădirilor publice încep să intre în practica vieții artistice; se organizează concursuri de artă. Unul dintre aceste concursuri - pentru fabricarea bronzului celei de-a doua uși nordice ale baptisteriului florentin (1401) - este considerat un eveniment semnificativ care a deschis o nouă pagină în istoria sculpturii renascentiste italiene. Lorenzo Ghiberti (1381-1455) a câștigat.

Unul dintre cei mai educați oameni ai timpului său, primul istoric al artei italiene, un desenator strălucit, Ghiberti și-a dedicat viața unui tip de sculptură - relieful. Principiul principal al artei sale Ghiberti a considerat echilibrul și armonia tuturor elementelor imaginii. Punctul culminant al operei lui Ghiberti a fost ușile de est ale baptisteriului din Florența (1425-52), care a imortalizat numele maestrului. Decorul ușilor include zece compoziții pătrate din bronz aurit (" Crearea lui Adam și a Evei”), cu expresivitatea lor neobișnuită care amintește de picturile pitorești. Artistul a reușit să transmită adâncimea spațiului, saturat cu imagini ale naturii, figuri de oameni, structuri arhitecturale. Cu mâna ușoară a lui Michelangelo, au început să fie numite ușile de est ale baptisteriului florentin „Porțile Paradisului”.

Atelierul Ghiberti a devenit o școală pentru o întreagă generație de artiști, în special acolo a lucrat celebrul Donatello, marele reformator al sculpturii italiene. Opera lui Donatello (c. 1386-1466), care a absorbit tradițiile democratice ale culturii Florenței în secolul al XIV-lea, este unul dintre vârfurile în dezvoltarea artei Renașterii timpurii. Ea a întruchipat căutarea unor mijloace noi, realiste de înfățișare a realității, caracteristice artei Renașterii, o atenție deosebită pentru om și lumea sa spirituală. Influența operei lui Donatello asupra dezvoltării artei renascentiste italiene a fost enormă.

A doua generație de sculptori florentini a gravitat către o artă mai lirică, pașnică, seculară. Rolul principal în ea a aparținut familiei sculptorilor della Robbia. Capul familiei, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), a devenit faimos pentru utilizarea tehnicii de glazură în sculptura rotundă și relief. Tehnica glazurării (maiolica), cunoscută din cele mai vechi timpuri popoarelor din Asia de Vest, a fost adusă în Peninsula Iberică și insula Mallorca în Evul Mediu (de unde și numele), apoi s-a răspândit pe scară largă în Italia. Lucca della Robbia a creat medalioane cu reliefuri pe un fundal albastru profund pentru clădiri și altare, ghirlande de flori și fructe, busturi de majolica ale Maicii Domnului, ale lui Hristos și ale sfinților. Arta vesela, eleganta, amabila a acestui maestru a primit o binemeritata recunoastere a contemporanilor sai. O mare perfecțiune în tehnica majolicii a fost obținută și de nepotul său Andrea della Robbia (1435-1525) ( reliefuri de pe faţada Ospedale degli Innocenti).

Pictura

Rolul uriaș pe care l-a jucat Brunelleschi în arhitectura Renașterii timpurii și Donatello în sculptură i-a aparținut lui Masaccio (1401-1428) în pictură. Masaccio a murit tânăr, înainte de a împlini 27 de ani, și totuși a reușit să facă multe în pictură. Cunoscutul istoric de artă Vipper a spus: „Masaccio este unul dintre cele mai independente și mai consistente genii din istoria picturii europene, fondatorul unui nou realism...” Continuând căutarea lui Giotto, Masaccio rupe cu îndrăzneală tradițiile artistice medievale. . În frescă „Trinitate”(1426-27), creat pentru biserica Santa Maria Novella din Florența, Masaccio folosește pentru prima dată perspectiva completă în pictura murală. În picturile murale ale Capelei Brancacci a Bisericii Santa Maria del Carmine din Florența (1425-28) - principala creație a scurtei sale vieți - Masaccio conferă imaginilor o vitalitate fără precedent, subliniază fizicitatea și monumentalitatea personajelor sale, transmite cu măiestrie starea emoțională a profunzimii psihologice a imaginilor. În Fresca „Expulzarea din Paradis” artistul rezolvă cea mai dificilă sarcină a timpului său de a înfățișa o figură umană goală. Arta aspră și curajoasă a lui Masaccio a avut un impact uriaș asupra culturii artistice a Renașterii.

Dezvoltarea picturii Renașterii timpurii a fost ambiguă: artiștii au mers pe cont propriu, uneori în moduri diferite. Începutul secular, dorința unei narațiuni fascinante, sentimentul liric pământesc și-au găsit o expresie vie în lucrările lui Fra Filippo Lippi (1406-69), călugăr din ordinul carmeliților. Maestru fermecător, autor al multor compoziții de altar, dintre care pictura este considerată cea mai bună « Adorarea Copilului » creat pentru capela din Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi a reușit să transmită în ei căldura umană și dragostea poetică pentru natură.

La mijlocul secolului al XV-lea. pictura din Italia Centrală a cunoscut o înflorire rapidă, un exemplu izbitor al căruia este opera lui Piero della Francesca(1420-92), cel mai mare artist și teoretician al artei al Renașterii. Cea mai remarcabilă creație a lui Piero della Francesca - ciclu de fresce din biserica San Francesco din Arezzo, care se bazează pe legenda Arborelui Dătător de Viață al Crucii. Frescele, dispuse pe trei niveluri, urmăresc istoria crucii dătătoare de viață încă de la început, când un copac sacru crește din sămânța arborelui paradis al cunoașterii binelui și răului pe mormântul lui Adam. ("Moartea lui Adam") până la sfârșit, când împăratul bizantin Heraclius returnează solemn relicva creștină la Ierusalim. (« Bătălia dintre Heraclius și Chosroes » ). Opera lui Piero della Francesca a depășit școlile locale de pictură și a determinat dezvoltarea artei italiene în general.

În a doua jumătate a secolului al XV-lea, mulți meșteri talentați au lucrat în nordul Italiei, în orașele Verona, Ferrara și Veneția. Dintre pictorii din acest timp, cel mai faimos este Andrea Mantegna (1431-1506) - maestru al picturii de șevalet și monumentale, desenator și gravor, sculptor și arhitect. Maniera picturală a artistului se remarcă prin urmărirea formelor și a desenelor, rigoarea și veridicitatea imaginilor generalizate. Datorită profunzimii spațiale și naturii sculpturale a figurilor, Mantegna obține impresia unei scene reale înghețate pentru un moment - personajele sale arată atât de voluminoase și naturale. Cea mai mare parte a vieții sale, Mantegna a trăit în Mantua, unde și-a creat cea mai faimoasă lucrare - pictura murală „Chamber degli Sposi” in castelul de tara al marchizului L. Gonzaga. Numai prin pictură, el a creat aici un interior luxos renascentist, un loc pentru recepții ceremoniale și sărbători. Arta Mantegna, care s-a bucurat de o mare faimă, a influențat întreaga pictură din nordul Italiei.

Un loc special în pictura Renașterii timpurii îi aparține Sandro Botticelli(de fapt Alessandro di Mariano Filipepi), care s-a născut în 1445 la Florența în familia unui tăbăbar de piele bogat. În 1459-64. tânărul studiază pictura cu celebrul maestru florentin Filippo Lippi. În 1470 și-a deschis propriul atelier la Florența, iar în 1472 a devenit membru al Breslei Sf. Luca.

Prima creație a lui Botticelli a fost compoziția „Forța”, pe care a interpretat-o ​​pentru curtea comercială din Florența. Tânărul artist a câștigat rapid încrederea clienților și a câștigat faima, ceea ce a atras atenția lui Lorenzo Magnificul, noul conducător al Florenței, a devenit maestrul și favoritul său de curte. Botticelli a executat majoritatea picturilor sale pentru casele ducelui și ale altor familii nobile florentine, precum și pentru biserici, mănăstiri și clădiri publice din Florența.

A doua jumătate a anilor 1470 și 1480 a devenit pentru Botticelli o perioadă de înflorire creativă. Pentru fațada principală a bisericii Santa Maria Novella, el scrie compoziția „ Adorarea Magilor„- un fel de portret de grup mitologizat al familiei Medici. Câțiva ani mai târziu, artistul își creează celebra sa alegorie mitologică „Primăvara”.

În 1481, Papa Sixtus al IV-lea a ordonat unui grup de pictori, printre care se număra Botticelli, să-și decoreze capela cu fresce, care ulterior au primit numele de „Sistina”. Frescuri în Capela Sixtină de Botticelli Ispita lui Hristos », « Scene din viața lui Moise », « Pedeapsa Coreei, Datanului și Avironului". În următorii câțiva ani, Botticelli a finalizat o serie de 4 fresce bazate pe nuvele din Decameronul lui Boccaccio, și-a creat cele mai faimoase lucrări mitologice („Nașterea lui Venus”, „ Pallas și Centaur”), precum și mai multe compoziții de altar pentru bisericile florentine („ Încoronarea Fecioarei Maria », « Altarul San Barnaba"). De multe ori a apelat la imaginea Madonei (" Madonna del Magnificat », « Madonna cu rodie », « Madonna cu o carte”), a lucrat și în genul portretului („ Portretul lui Giuliano Medici”, „Portretul unei tinere”, „Portretul unui tânăr”).

În anii 1490, în perioada mișcărilor sociale care au zguduit Florența și predicile mistice ale călugărului Savonarola, în arta lui Botticelli apar note moralizatoare și dramă („Călmuire”, „ Plângere pentru Hristos », « Crăciun mistic"). Sub influența lui Savonarola, într-un acces de exaltare religioasă, artistul chiar și-a distrus unele dintre lucrările sale. La mijlocul anilor 1490, odată cu moartea lui Lorenzo Magnificul și expulzarea fiului său Pietro din Florența, Botticelli și-a pierdut faima de mare artist. Uitat, își trăiește în liniște viața în casa fratelui Simon. În 1510 artistul a murit.

Arta rafinată a lui Botticelli cu elemente de stilizare (adică generalizarea imaginilor folosind tehnici convenționale - simplificarea culorii, formei și volumului) este considerată unul dintre vârfurile dezvoltării picturii. Arta lui Botticelli, spre deosebire de majoritatea maeștrilor Renașterii timpurii, se baza pe experiența personală. Excepțional de sensibil și sincer, Botticelli a parcurs un drum dificil și tragic de căutare creativă - de la percepția poetică a lumii în tinerețe până la misticism și exaltarea religioasă la vârsta adultă.

renașterea timpurie

renașterea timpurie

Înalta Renaștere

Înalta Renaștere, care a dat omenirii atât de mari maeștri ca Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, acoperă o perioadă relativ scurtă de timp - sfârșitul secolului al XV-lea și prima treime a secolului al XVI-lea. Numai la Veneția înflorirea artei a continuat până la mijlocul sec.

Schimbările fundamentale asociate cu evenimentele decisive din istoria lumii, succesele gândirii științifice avansate, au extins la nesfârșit ideile oamenilor despre lume - nu numai despre pământ, ci și despre spațiu. Percepția asupra lumii și asupra personalității umane păreau a fi lărgite; în creativitatea artistică acest lucru s-a reflectat nu numai în amploarea maiestuoasă a structurilor arhitecturale, a monumentelor, a ciclurilor solemne de frescă și a picturilor, ci și în conținutul lor, expresivitatea imaginilor. Arta Înaltei Renașteri este un proces artistic plin de viață și complex, cu revolte uluitor de strălucitoare și crize ulterioare.

Donato Bramante.

Roma a devenit centrul arhitecturii Înaltei Renașteri, unde s-a format un singur stil clasic pe baza descoperirilor și succeselor anterioare. Maeștrii au folosit în mod creativ sistemul de ordine antică, creând structuri, a căror monumentalitate maiestuoasă era în ton cu epoca. Donato Bramante (1444-1514) a devenit cel mai mare reprezentant al arhitecturii Înaltei Renașteri. Clădirile lui Bramante se disting prin monumentalitate și grandoare, perfecțiunea armonioasă a proporțiilor, integritatea și claritatea soluțiilor compoziționale și spațiale și utilizarea liberă și creativă a formelor clasice. Cea mai mare realizare creativă a Bramante este reconstrucția Vaticanului (arhitectul a creat de fapt o nouă clădire, incluzând organic clădiri vechi împrăștiate în ea). Bramante a fost, de asemenea, autorul designului Catedralei Sf. Petru din Roma. Cu opera sa, Bramante a determinat dezvoltarea arhitecturii în secolul al XVI-lea.

Leonardo da Vinci.

În istoria omenirii nu este ușor să găsești o altă persoană la fel de strălucitoare precum fondatorul artei Înaltei Renașteri. Leonardo da Vinci(1452-1519). Caracterul cuprinzător al activităților acestui mare artist, sculptor, arhitect, om de știință și inginer a devenit clar doar atunci când au fost examinate manuscrise împrăștiate din moștenirea sa, în număr de peste șapte mii de foi care conțin proiecte științifice și arhitecturale, invenții și schițe. Este dificil să numești domeniul de cunoaștere pe care geniul său nu l-ar fi atins. Universalismul lui Leonardo este atât de de neînțeles, încât celebrul biograf al figurilor renascentiste, Giorgio Vasari, nu a putut explica acest fenomen altfel decât prin intervenția cerului: „Orice s-ar întoarce acest om, fiecare acțiune a lui poartă pecetea divinității”.

În celebrul său „Tratat de pictură” (1498) și în alte note, Leonardo a acordat o mare atenție studiului corpului uman, informațiilor despre anatomie, proporții, relația dintre mișcări, expresii faciale și starea emoțională a unei persoane. Leonardo s-a ocupat și de problemele clarobscurului, modelării volumetrice, perspectivei liniare și aeriene. Leonardo a adus un omagiu nu numai teoriei artei. A creat o serie de retaule și portrete magnifice. Pensula lui Leonardo aparține uneia dintre cele mai faimoase lucrări ale picturii mondiale - „Mona Lisa” („La Gioconda”). Leonardo a creat imagini sculpturale monumentale, a proiectat și construit structuri arhitecturale. Leonardo rămâne până astăzi una dintre cele mai carismatice personalități ale Renașterii. Un număr imens de cărți îi sunt dedicate, viața lui este studiată în cel mai detaliat mod. Și, cu toate acestea, multe din opera sa rămâne un mister și continuă să emoționeze mințile oamenilor.

Rafael Santi.

Arta lui Raphael Santi (1483-1520) aparține și ea culmilor Renașterii italiene. Ideea de frumusețe și armonie sublimă este asociată cu opera lui Rafael în istoria artei mondiale. Este general acceptat că, în constelația maeștrilor străluciți ai Înaltei Renașteri, Rafael a fost principalul purtător al armoniei. Efortul necruțător pentru un început luminos, perfect pătrunde în toată opera lui Rafael, alcătuiește sensul său interior. Opera sa este extraordinar de atractivă prin eleganța sa naturală (" Madonna Sixtina"). Poate de aceea maestrul a câștigat o popularitate atât de extraordinară în rândul publicului și a avut în orice moment mulți adepți printre artiști. Raphael nu a fost doar un pictor uimitor, portretist, ci și un muralist care a lucrat în tehnica frescei, un arhitect și un decorator. Toate aceste talente s-au manifestat cu o forță deosebită în picturile sale din apartamentele Papei Iulius al II-lea la Vatican („Școala din Atena”). În arta unui artist strălucit, s-a născut o nouă imagine a unui om renascentist - frumos, armonios, perfect fizic și spiritual.

Michelangelo Buonarotti.

Contemporan Leonardo da Vinci iar Rafael era rivalul lor etern - Michelangelo Buonarroti, cel mai mare maestru al Înaltei Renașteri - sculptor, pictor, arhitect și poet. A mea mod creativ acest titan al Renașterii a început cu sculptura. Statuile sale colosale au devenit simbolul unui om nou - un erou și un luptător ("David"). Maestrul a ridicat multe structuri arhitecturale și sculpturale, dintre care cea mai faimoasă este Capela Medici din Florența. Splendoarea acestor lucrări este construită pe tensiunea colosală a sentimentelor personajelor ( Sarcofagul lui Giuliano de' Medici). Dar deosebit de celebre sunt picturile lui Michelangelo la Vatican, la Capela Sixtină, în care s-a dovedit a fi un pictor strălucit. Poate că nimeni în lumea artei, nici înainte, nici după Michelangelo, nu a creat personaje atât de puternice în trup și în spirit („ Crearea lui Adam"). Fresca uriașă, incredibil de complexă de pe tavan a fost realizată de artist singur, fără asistenți; până astăzi rămâne o lucrare monumentală neîntrecută a picturii italiene. Dar, pe lângă picturile murale de pe tavanul Capelei Sixtine, maestrul, deja la bătrânețe, a creat „Judecata de Apoi” extrem de inspirată - un simbol al prăbușirii idealurilor marii sale epoci.

Michelangelo a lucrat mult și fructuos în arhitectură, în special, a supravegheat construcția Catedralei Sf. Petru și a ansamblului Piața Capitoliuluiîn Roma. Opera marelui Michelangelo a constituit o epocă întreagă și a fost cu mult înaintea timpului său, a jucat un rol colosal în arta mondială, în special, a influențat formarea principiilor barocului.

Giorgione și Titian.

În istoria artei Înaltei Renașteri, Veneția a intrat într-o pagină strălucitoare, unde pictura este la apogeu. Giorgione este considerat primul maestru al Înaltei Renașteri din Veneția. Arta lui este foarte specială. Spiritul armoniei clare și o contemplație intimă specială și reverie domnește în el. Adesea scria frumuseți încântătoare, adevărate zeițe. De obicei, aceasta este o ficțiune poetică - întruchiparea unui vis, admirația pentru un sentiment romantic și o femeie frumoasă. În picturile sale există o notă de pasiune senzuală, plăcere dulce, fericire nepământeană. Odată cu arta lui Giorgione, pictura venețiană a căpătat o semnificație integral italiană, afirmându-și trăsăturile artistice.

Tizian în a intrat în istoria artei italiene ca titan și șef al școlii venețiane, ca simbol al epocii sale de glorie. În opera acestui artist, respirația unei noi ere s-a manifestat cu o forță deosebită - furtunoasă, tragică, senzuală. Opera lui Tizian se distinge printr-o acoperire excepțional de largă și versatilă a tipurilor și genurilor de pictură. Tizian a fost unul dintre fondatorii picturii monumentale de altar, peisajul ca gen independent, diverse tipuri de portrete, inclusiv cele solemne-ceremoniale. În opera sa imagini perfecte cot la cot cu personaje strălucitoare, conflicte tragice - cu scene de bucurie jubilatoare, compoziții religioase - cu picturi mitologice și istorice.

Titian a dezvoltat o nouă tehnică de pictură care a avut o influență excepțională asupra dezvoltării ulterioare a artelor plastice mondiale, până în secolul al XX-lea. Titian aparține celor mai mari coloriști ai picturii mondiale. Picturile sale strălucesc cu aur și cu o gamă complexă de tonuri luminoase vibrante de culoare. Titian, care a trăit aproape un secol, a supraviețuit prăbușirii idealurilor renascentiste, opera maestrului aparținând pe jumătate Renașterii târzii. Eroul său, care intră în lupta împotriva forțelor ostile, moare, dar își păstrează măreția. Influența marelui atelier al lui Tițian a afectat toată arta venețiană.

REVIERE ÎNALTĂ

REVIERE ÎNALTĂ

Renașterea târzie

În a doua jumătate a secolului al XVI-lea. în Italia, declinul economiei și comerțului era în creștere, catolicismul a intrat într-o luptă cu cultura umanistă, arta era în criză profundă. A întărit tendințele antirenascentiste, întruchipate în manierism. Cu toate acestea, manierismul aproape că nu a afectat Veneția, care în a doua jumătate a secolului al XVI-lea a devenit principalul centru al artei Renașterii târzii. În conformitate cu înalta tradiție umanistă a Renașterii în noile condiții istorice de la Veneția, s-a dezvoltat opera marilor maeștri ai Renașterii târzii, îmbogățită cu noi forme - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Lucrarea arhitectului italian de nord Andrea Palladio (1508-80), bazată pe un studiu profund al arhitecturii antice și renascentiste, este unul dintre vârfurile în arta Renașterii târzii. Palladio a dezvoltat principiile arhitecturii, care au fost dezvoltate în arhitectura clasicismului european din secolele XVII-XVIII. și a primit numele de Palladianism. Arhitectul și-a conturat ideile în lucrarea teoretică Four Books on Architecture (1570). Clădirile din Palladio (în principal palate și vile urbane) sunt pline de frumusețe și naturalețe grațioasă, completitate armonioasă și ordine strictă, se disting prin claritatea și oportunitatea planificării și o legătură organică cu mediul ( Palazzo Chiericati). Capacitatea de a conecta armonios arhitectura cu peisajul înconjurător s-a manifestat cu o forță deosebită în vilele Palladio, impregnate de un simț elegiac și luminat al naturii și marcate de claritatea și simplitatea clasică a formelor și compoziției ( Vila Capra (Rotonda)). Palladio a creat prima clădire monumentală de teatru din Italia, Teatrul Olimpico. Influența lui Palladio asupra dezvoltării arhitecturii în secolele următoare a fost enormă.

Veronese și Tintoretto...

Natura festivă, de afirmare a vieții, a Renașterii venețiane s-a manifestat cel mai clar în opera lui Paolo Veronese. Artist monumental, a creat ansambluri decorative magnifice de picturi pe perete și tavan cu multe personaje și detalii distractive. Veronese și-a creat propriul stil: picturile sale spectaculoase, spectaculoase sunt pline de emoții, pasiune și viață, iar eroii, nobilimea venețiană, se află de obicei în palate patriciene sau pe fundalul naturii luxoase. Sunt purtați de sărbători grandioase sau de festivități încântătoare („Căsătoria la Cana”). Veronese a fost stăpânul Veneției vesele, al triumfurilor ei, poetul strălucirii sale de aur. Veronese a avut un dar excepțional ca colorist. Culorile sale sunt pătrunse de lumină, intense și nu doar dotează obiectele cu culoare, ci ele însele se transformă într-un obiect, transformându-se în nori, țesătură, corp uman. Din acest motiv, frumusețea reală a figurilor și obiectelor este înmulțită de frumusețea culorii și texturii, ceea ce produce un puternic impact emoțional asupra privitorului.

Complet opusul lui Veronese a fost contemporanul său Tintoretto (1518-94) - ultimul maestru major al Renașterii italiene. Abundența influențelor artistice externe s-a dizolvat în individualitatea creativă unică a lui Tintoretto. În opera sa, a fost o figură gigantică, creatorul temperamentului vulcanic, al pasiunilor violente și al intensității eroice. Opera sa a avut un succes imens atât în ​​rândul contemporanilor, cât și în rândul generațiilor ulterioare. Tintoretto se distingea printr-o capacitate cu adevărat inumană de a lucra, de căutare neobosit. A simțit tragedia timpului său mai puternic și mai profund decât majoritatea contemporanilor săi. Maestrul s-a răzvrătit împotriva tradițiilor consacrate în artele vizuale - respectarea simetriei, echilibrul strict, static; a extins granițele spațiului, l-a saturat cu dinamică, acțiune dramatică, a început să exprime sentimentele umane mai viu. 1590 . Arta manierismului se îndepărtează de idealurile renascentiste ale percepției armonioase a lumii. Omul este la cheremul forțelor supranaturale. Lumea pare instabilă, tremurătoare, într-o stare de decădere. Imaginile manieriste sunt pline de anxietate, neliniște, tensiune. Artistul se îndepărtează de natură, se străduiește să o depășească, urmând în opera sa o „idee interioară” subiectivă, a cărei bază nu este lumea reală, ci imaginația creatoare; mijlocul de performanţă este „maniera frumoasă” ca sumă a unor tehnici. Printre acestea se numără alungirea arbitrară a figurilor, ritmul serpentin complex, irealitatea spațiului fantastic și a luminii și, uneori, culorile reci și pătrunzătoare.

Jacopo Pontormo (1494-1556) a fost cel mai mare și mai talentat maestru al manierismului, un pictor cu un destin creativ complex. În faimoasa lui pictură Coborâre de pe Cruce» compoziția este instabilă, figurile sunt rupte pretențios, culorile deschise sunt tăioase. Francesco Mazzola, supranumit Parmigianino (1503-40) îi plăcea să impresioneze privitorul: de exemplu, el a scris „ Autoportret într-o oglindă convexă". Deliberarea deliberată distinge faimoasa lui pictură " Madonna cu gâtul lung ».

Pictorul de la curtea Medici Agnolo Bronzino (1503-72) este cunoscut pentru portretele sale ceremoniale. Ei au făcut ecou epocii atrocităților sângeroase și a declinului moral care a cuprins cele mai înalte cercuri ale societății italiene. Clienții nobili ai Bronzinoului sunt, parcă, despărțiți de privitor printr-o distanță invizibilă; rigiditatea ipostazei lor, impasibilitatea fețelor lor, bogăția hainelor lor, gesturile frumoaselor lor mâini din față - toate acestea sunt ca o înveliș exterioară care ascunde o viață interioară defecte. În portretul lui Eleonora de Toledo cu fiul ei (c. 1545), inaccesibilitatea imaginii reci și îndepărtate este întărită de faptul că atenția privitorului este complet absorbită de modelul mare plat al hainelor magnifice de brocart ale ducesei. Tipul de portret de curte creat de manierişti a influenţat arta portretului din secolele XVI-XVII. în multe alte ţări europene.

Arta manierismului era de tranziție: Renașterea se estompează în trecut, venise timpul pentru o nouă paneuropeană. stil artistic- baroc.

Arta Renașterii de Nord.

Țările din nordul Europei nu au avut trecutul lor străvechi, dar perioada Renașterii se remarcă în istoria lor: de la rândul lor.XV – XVIpentru a doua jumătateXVIIsecol. Acest timp se distinge prin pătrunderea idealurilor renascentiste în diverse sfere ale culturii și schimbarea treptată a stilului său. Ca și în locul de naștere al Renașterii, în arta Renașterii de Nord, interesul pentru lumea reală a schimbat formele creativității artistice. Cu toate acestea, arta țărilor din nord nu a fost caracterizată de patosul picturii italiene, gloriind puterea omului-titan. Burgerii (așa-zișii orășeni înstăriți) prețuiau mai mult integritatea, fidelitatea față de datorie și cuvânt, sfințenia jurământului conjugal și vatra. În cercurile burgheze, propriul lor ideal de persoană se dezvolta - un clar, sobru, pios și de afaceri. Arta burghezilor poetizează omul obișnuit și lumea lui - lumea vieții de zi cu zi și a lucrurilor simple.

Maeștrii Renașterii în Țările de Jos.

Noi trăsături ale artei renascentiste au apărut în primul rând în Țările de Jos, care era una dintre cele mai bogate și mai industrializate țări din Europa. Datorită legăturilor sale internaționale extinse, Țările de Jos au adoptat noi descoperiri mult mai repede decât alte țări nordice.

S-a deschis stilul renascentist în Țările de Jos Jan Van Eyck(1390-1441). Cea mai faimoasă lucrare a lui este retablo de la Gent, la care artistul a început să lucreze cu fratele său, iar după moartea sa a continuat să lucreze singur timp de încă 6 ani. Altarul din Gent, creat pentru catedrala orașului, este un pliu cu două niveluri, pe 12 scânduri din care există imagini ale vieții cotidiene, de zi cu zi (pe scândurile exterioare, care erau vizibile la închiderea pliului) și festivă, jubilatoare, viață transfigurată (pe ușile interioare, care apăreau deschise în timpul sărbătorilor bisericești). Acesta este un monument de artă, care slăvește frumusețea vieții pământești. Sentimentul emoțional al lui Van Eyck - „lumea este ca un paradis”, fiecare particulă a căruia este frumoasă – este exprimat clar și clar. Artistul s-a bazat pe multe observații din natură. Toate figurile și obiectele au volum și greutate tridimensionale. Frații Van Eyck au fost printre primii care au descoperit posibilitățile picturii în ulei; din acest moment începe deplasarea treptată a temperei de către aceasta.

În a doua jumătate a lui XVsecol, plin de lupte politice și religioase, în arta Olandei iese în evidență o artă complexă, deosebită Hieronymus Bosch(1450?-1516). Acesta este un artist foarte curios, cu o imaginație extraordinară. A trăit în lumea lui proprie și teribilă. În picturile lui Bosch există o condensare de reprezentări folclorice medievale, montaje grotești ale viu și mecanic, teribil și comic. În compozițiile sale, care nu aveau centru, nu există un personaj principal. Spațiul în mai multe straturi este umplut cu numeroase grupuri de figuri și obiecte: reptile monstruos de exagerate, broaște râioase, păianjeni, creaturi teribile, în care sunt combinate părți ale diferitelor creaturi și obiecte. Scopul compozițiilor lui Bosch este edificarea morală. Bosch nu găsește armonie și perfecțiune în natură, imaginile sale demonice amintesc de vitalitatea și omniprezența răului lumii, de ciclul vieții și al morții.

Bărbatul din picturile lui Bosch este patetic și slab. Deci, în triptic Transportul de fân» artistul dezvăluie istoria omenirii. Aripa stângă spune povestea căderii lui Adam și a Evei, cea dreaptă înfățișează Iadul și toate ororile care îi așteaptă pe păcătoși aici. Partea centrală a imaginii ilustrează proverbul popular „Lumea este un car de fân, fiecare ia din el ceea ce reușește să apuce”. Bosch arată cum oamenii luptă pentru un petic de fân, mor sub roțile unui vagon, încearcă să se urce pe el. Pe vârful vagonului, renunțând la lume, îndrăgostiții cântă și se sărută. Pe o parte dintre ei este un înger, iar pe cealaltă, diavolul: cine va învinge? Creaturi înfiorătoare trag căruciorul în lumea interlopă. În spatele tuturor acțiunilor oamenilor, Dumnezeu privește uluit. O dispoziție și mai sumbră este impregnată de imagine” Purtând Crucea”: Hristos își poartă crucea grea, înconjurat de oameni dezgustători, cu ochii bombați și cu gurile căscate. De dragul lor, Domnul se jertfește, dar moartea Sa pe cruce îi va lăsa indiferenți.

Bosch murise deja când s-a născut un alt artist celebru olandez - Pieter Brueghel cel Bătrân(1525-1569), supranumit Muzhitsky pentru multe picturi care descriu viața țăranilor. Brueghel a luat ca bază pentru multe comploturi proverbe populare și grijile de zi cu zi ale oamenilor obișnuiți. Completitudinea imaginilor picturilor " nunta taraneasca" Și " dansul taranesc„poartă puterea elementelor poporului. Chiar și picturile lui Brueghel pe scene biblice sunt locuite de Țările de Jos, iar evenimentele din îndepărtata Iudee au loc pe fundalul străzilor acoperite de zăpadă sub cerul întunecat al țării sale natale („ Predica lui Ioan Botezătorul"). Arătând aparent neimportant, minor, artistul vorbește despre principalul lucru din viața oamenilor, recreează spiritul timpului său.

O pânză mică Vânători în zăpadă” (ianuarie) din seria „Anotimpurile” este considerată una dintre capodoperele de neîntrecut ale picturii mondiale. Vânătorii obosiți cu câini se întorc acasă. Împreună cu ei, privitorul intră pe deal, din care se deschide o panoramă a unui orășel. Malurile râului acoperite de zăpadă, copacii spinoși au înghețat în aerul limpede și geros, păsările zboară, stau pe crengile copacilor și pe acoperișurile caselor, oamenii sunt ocupați cu treburile lor zilnice. Toate aceste fleacuri aparent, împreună cu albastrul cerului, copacii negri, zăpada albă, creează în imagine o panoramă a lumii pe care artistul o iubește cu pasiune.

Cel mai tragic tablou al lui Brueghel Pilda orbilor„Scris de artist cu puțin timp înainte de moartea sa. Ea ilustrează povestea Evangheliei „dacă orbii conduc pe orbi, atunci amândoi vor cădea în groapă”. Poate că aceasta este o imagine a umanității, orbită de dorințele sale, îndreptându-se spre moartea ei. Cu toate acestea, Brueghel nu judecă, ci, cuprinzând legile relației oamenilor între ei, cu mediu inconjurator pătrunzând în esenţă natura umana, dezvăluie oamenilor înșiși locul lor în lume.

Pictura în Germania în timpul Renașterii.

Caracteristicile Renașterii în arta Germaniei apar mai târziu decât în ​​Țările de Jos. Perioada de glorie a umanismului german, științelor seculare și culturii cade în primii aniXVIîn. Acesta a fost perioadă scurtă, timp în care cultura germană a oferit lumii cele mai înalte valori artistice. În primul rând, ar trebui să includă lucrări Albrecht Dürer(1471-1528) - cel mai important artist al Renașterii germane.

Durer este un reprezentant tipic al Renașterii, a fost pictor, gravor, matematician și inginer, a scris tratate de fortificație și teoria artei. Pe autoportrete el apare inteligent, nobil, concentrat, plin de reflexii filosofice profunde. În picturi, Dürer nu se mulțumește cu frumusețea formală, ci caută să dea o expresie simbolică a gândurilor abstracte.

Un loc special în moștenirea creativă a lui Dürer aparține seriei Apocalypse, care include 15 gravuri mari în lemn. Dürer ilustrează predicțiile din „Apocalipsa lui Ioan Teologul”, de exemplu, foaia „ patru călăreţi„simbolizează dezastre teribile - război, ciumă, foamete, judecată nedreaptă. Prezentarea schimbării, încercărilor grele și dezastrelor, exprimate în gravuri, s-au dovedit a fi profetice (în curând au început Reforma și războaiele țărănești și religioase care au urmat).

Un alt mare artist al vremii a fost Lucas Cranach cel Bătrân(1472-1553). Schitul adăpostește picturile sale Madona cu Pruncul sub măr" Și " Portret feminin". În ele vedem un chip de femeie, surprins în multe dintre tablourile maestrului (chiar se numește „Cranach”): o bărbie mică, o fantă îngustă a ochilor, păr auriu. Artistul scrie cu atenție bijuterii și haine, picturile sale sunt o sărbătoare pentru ochi. Puritatea și naivitatea imaginilor te fac din nou să te uiți în aceste picturi. Cranach a fost un minunat portretist, a creat imagini ale multor contemporani celebri - Martin Luther (care i-a fost prieten), Ducele Henric de Saxonia și mulți alții.

Dar cel mai faimos portretist al Renașterii de Nord poate fi recunoscut, fără îndoială, ca un alt pictor german. Hans Holbein cel Tânăr(1497-1543). Multă vreme a fost pictorul de curte al regelui englez HenricVIII. În portretul său, Holbein transmite perfect natura imperioasă a regelui, care nu este familiarizat cu îndoiala. Ochi mici și inteligenți pe o față cărnoasă trădează un tiran în el. Portretul lui Heinrich VIII era atât de de încredere încât îi speria pe cei care îl cunoșteau pe rege. Holbein a pictat portrete ale multor oameni celebri din acea vreme, în special ale omului de stat și scriitorului Thomas More, filosofului Erasmus din Rotterdam și mulți alții.

Dezvoltarea culturii Renașterii în Germania, Țările de Jos și în alte țări europene a fost întreruptă de Reformă și de războaie religioase. În urma acesteia, a venit momentul formării unor noi principii în artă, care au intrat în următoarea etapă a dezvoltării ei.

Căutare text integral:

Acasă > Rezumat >Cultură și artă

Rezumat despre MHK

pe tema: „Cultura Renașterii”

Efectuat:

elev de clasa a IX-a

gimnaziu №1

Egorova Olga

Novoulianovsk

RENAŞTERE

Renaştere , înflorire intelectuală și artistică, o perioadă din istoria culturii Europei de Vest și Centrale în secolele XIV-XVI, al cărei conținut principal a fost formarea unei noi imagini, „pământene”, în mod inerent seculară a lumii, radical diferită. din cel medieval. Noua imagine a lumii și-a găsit expresie în umanism, tendința ideologică principală a epocii, iar filosofia naturală, s-a manifestat în artă și știință, care au suferit schimbări revoluționare. Materialul de construcție pentru construcția inițială a noii culturi a fost antichitatea, care a fost adresată prin șeful Evului Mediu și care, așa cum spune, a „renascut” la o nouă viață - de unde și numele epocii - „Renaștere”. , sau „Renaștere” (în maniera franceză), dată acestuia mai târziu. Născut în Italia, o nouă cultură la sfârșitul secolului al XV-lea. trece prin Alpi, unde, ca urmare a sintezei tradițiilor naționale italiene și locale, ia naștere cultura Renașterii de Nord. Termenul a primit o justificare teoretică în secolul al XVI-lea în lucrările lui Vasari, dedicate operei unor artiști, sculptori și arhitecți celebri. În acest moment, s-a format o idee despre armonia care domnește în natură și despre om ca coroana creației ei. În timpul Renașterii, noua cultură a Renașterii a coexistat cu cultura Evului Mediu târziu, care este caracteristică în special țărilor care se află la nord de Italia.

Artă

Sub teocentrismul și asceza tabloului medieval al lumii, arta în Evul Mediu a servit, în primul rând, religiei, vehiculând lumea și omul în relația lor cu Dumnezeu, în forme condiționate, s-a concentrat în spațiul templului. Nici lumea vizibilă, nici omul nu ar putea fi obiecte de artă valoroase. În secolul al XIII-lea în cultura medievală se observă noi tendințe (învățătura veselă a Sfântului Francisc, opera lui Dante, înaintașii umanismului). În a doua jumătate a secolului al XIII-lea. începutul unei ere de tranziție în dezvoltarea artei italiene – Proto-Renașterea (a durat până la începutul secolului al XV-lea), care a pregătit Renașterea. Opera unor artişti ai acestui timp (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini etc.), destul de medievală în iconografie, este impregnată de un început mai vesel şi mai laic, figurile capătă un volum relativ. În sculptură se depăşeşte necorporalitatea gotică a figurilor, se reduce emotivitatea gotică (N. Pisano). Pentru prima dată, o ruptură clară cu tradițiile medievale s-a manifestat la sfârșitul secolului al XIII-lea - prima treime a secolului al XIV-lea. în frescele lui Giotto di Bondone, care a introdus un sentiment de spațiu tridimensional în pictură, a pictat figuri mai voluminoase, a acordat mai multă atenție decorului și, cel mai important, a arătat un realism deosebit, străin de goticul exaltat, în înfățișarea experiențelor umane. .

Pe solul cultivat de maeștrii Proto-Renașterii a luat naștere Renașterea italiană, care a trecut prin mai multe faze în evoluția sa (Timpurie, Înaltă, Târzie). Asociat cu o nouă viziune, de fapt, seculară asupra lumii, exprimată de umaniști, își pierde legătura inextricabilă cu religia, pictura și statuia răspândite dincolo de templu. Cu ajutorul picturii, artistul a stăpânit lumea și omul așa cum erau văzute cu ochiul, aplicând o nouă metodă artistică (transferarea spațiului tridimensional folosind perspectiva (liniară, aerisită, color), creând iluzia volumului plastic, menținând proporționalitatea cifrelor). Interesul pentru personalitate, trăsăturile sale individuale a fost combinat cu idealizarea unei persoane, căutarea „frumuseței perfecte”. Intrigile istoriei sacre nu au părăsit arta, dar de acum încolo reprezentarea lor a fost indisolubil legată de sarcina de a stăpâni lumea și de a întruchipa idealul pământesc (deci Bacchus și Ioan Botezătorul Leonardo, Venus și Maica Domnului din Botticelli sunt atât de asemănătoare) . Arhitectura renascentista isi pierde aspiratia gotica catre cer, capata un echilibru „clasic” si proportionalitate, proportionalitate cu corpul uman. Sistemul de ordine antică este reînviat, dar elementele ordinului nu erau părți ale structurii, ci decor care împodobeau atât tipurile tradiționale (templu, palatul autorităților), cât și noi tipuri de clădiri (palatul orașului, vila de la țară).

Strămoșul Renașterii timpurii este pictorul florentin Masaccio, care a preluat tradiția lui Giotto, a realizat o tangibilitate aproape sculpturală a figurilor, a folosit principiile perspectivei liniare și a lăsat convenționalitatea descrierii situației. Dezvoltarea ulterioară a picturii în secolul al XV-lea. a mers în școlile din Florența, Umbria, Padova, Veneția (F. Lippi, D. Veneziano, P. dela Francesco, A. Pallayolo, A. Mantegna, K. Criveli, S. Botticelli și mulți alții). În secolul al XV-lea Sculptura renascentista se naste si se dezvolta (L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio si altii, Donatello a fost primul care a creat o statuie rotunda de sine statatoare fara legatura cu arhitectura, el a fost primul care a descris un corp gol cu ​​o expresie de senzualitate) și arhitectură (F. Brunelleschi, L. B. Alberti ș.a.). Maeștri ai secolului al XV-lea (în primul rând L. B. Alberti, P. della Francesco) au creat teoria Arte Frumoase si arhitectura.

În jurul anului 1500, în opera lui Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Tizian, pictura și sculptura italiană au atins punctul culminant, intrând în vremea Înaltei Renașteri. Imaginile pe care le-au creat au întruchipat perfect demnitatea umană, puterea, înțelepciunea, frumusețea. În pictură s-a obținut o plasticitate și o spațialitate fără precedent. Arhitectura a atins apogeul în opera lui D. Bramante, Rafael, Michelangelo. Deja în anii 1520 în arta Italiei Centrale, în arta Veneției în anii 1530, au avut loc schimbări, care au însemnat debutul Renașterii târzii. Idealul clasic al Înaltei Renașteri asociat cu umanismul secolului al XV-lea și-a pierdut rapid semnificația, nerăspunzând noii situații istorice (pierderea independenței Italiei) și climatului spiritual (umanismul italian a devenit mai sobru, chiar mai tragic). Opera lui Michelangelo, Tizian capătă tensiune dramatică, tragedie, ajungând uneori la disperare, la complexitatea exprimării formale. P. Veronese, A. Palladio, J. Tintoretto şi alţii pot fi atribuiţi Renaşterii târzii.Reacţia la criza Înaltei Renaşteri a fost apariţia unei noi mişcări artistice - manierismul, cu subiectivitatea sa sporită, manierismele (atingând adesea pretenție și afectare), spiritualitate religioasă impulsivă și alegorism rece (Pontormo, Bronzino, Cellini, Parmigianino etc.).

TINTORETTO. SARNZO LE ADUCE VICTORIA VENEȚIENILOR PRIVIND ARGENTA

PAOLO VERONESE. CĂSĂTORIA ÎN CANAN. 1562–1563 Luvru, Paris

AGNLO BRONZINO. PORTRETUL ISABELEI MEDICI. 1542. Galeria Uffizi, Florența. 1562–1563 Luvru, Paris

BENVENUTO CELLINI. PERSEU

PARMIGANINO. SCLAV TURC

Renașterea de Nord a fost pregătită prin apariția în anii 1420 - 1430 pe baza goticului târziu (nu fără influența indirectă a tradiției Jott) a unui nou stil în pictură, așa-numitul „ars nova” - „artă nouă”. " (termenul lui E. Panofsky). Baza sa spirituală, conform cercetătorilor, a fost în primul rând așa-numita „Noua Pietate” a misticilor nordici din secolul al XV-lea, care și-a asumat individualismul specific și acceptarea panteistă a lumii. Originile noului stil au fost pictorii olandezi Jan van Eyck, care au îmbunătățit și vopselele în ulei, și Maestrul din Flemall, urmați de G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Boats, G. tot Sint Jans, I. Bosch şi alţii (mijlocul a doua jumătate a secolului al XV-lea). Noua pictură olandeză a primit un răspuns larg în Europa: deja în anii 1430–1450, primele mostre de pictură nouă au apărut în Germania (L. Moser, G. Mulcher, în special K. Witz), în Franța (Maestrul Bunei Vestiri din Aix). și, desigur, Zh .Fuke). Noul stil a fost caracterizat de un realism aparte: transmiterea spațiului tridimensional prin perspectivă (deși, de regulă, aproximativ), dorința de tridimensionalitate. „Arta Nouă”, profund religioasă, era interesată de experiențele individuale, de caracterul unei persoane, apreciind în el, înainte de toate, smerenia, evlavia. Estetica lui este străină de patosul italian al perfectului în om, pasiunea pentru formele clasice (fețele personajelor nu sunt perfect proporționale, unghiular gotic). Cu dragoste deosebită, natura, viața erau descrise în detaliu, lucrurile scrise cu atenție, de regulă, aveau o semnificație religioasă și simbolică.

HIERONIMUS BOSCH. GRĂDINA PLĂCĂRILOR PĂMÂNTERE. Aripa stângă a tripticului.

JEAN FOUQUET. PIETA DIN NUAN. Aripa stângă a tripticului.

De fapt, arta Renașterii de Nord sa născut la începutul secolelor XV-XVI. ca urmare a interacțiunii tradițiilor naționale artistice și spirituale ale țărilor transalpine cu arta și umanismul renascentist al Italiei, cu dezvoltarea umanismului nordic. Primul artist de tip renascentist poate fi considerat remarcabilul maestru german A. Durer, care, involuntar, a păstrat însă spiritualitatea gotică. O ruptură completă de gotic a făcut-o G. Holbein cel Tânăr cu „obiectivitatea” sa a stilului picturii. Pictura lui M. Grunewald, dimpotrivă, era impregnată de exaltare religioasă. Renașterea germană a fost opera unei generații de artiști și s-a diminuat în anii 1540. în Olanda în prima treime a secolului al XVI-lea. au început să se răspândească curente orientate spre Înalta Renaștere și manierismul Italiei (J. Gossart, J. Scorel, B. van Orley etc.). Cel mai interesant lucru din pictura olandeză a secolului al XVI-lea. - aceasta este dezvoltarea genurilor de pictură de șevalet, viața de zi cu zi și peisaj (K. Masseys, Patinir, Luke of Leiden). Cel mai original artist la nivel național din anii 1550–1560 a fost P. Brueghel Bătrânul, care deține picturi de genuri cotidiene și peisagistice, precum și picturi de pilde, de obicei asociate cu folclor și o privire amar ironică asupra vieții artistului însuși. Renașterea în Țările de Jos se încheie în anii 1560. Renașterea franceză, care a fost în întregime de natură curtenească (în Țările de Jos și Germania, arta era mai mult asociată cu burghezii) a fost poate cea mai clasică din Renașterea de Nord. Noua artă renascentist, căpătând treptat putere sub influența Italiei, ajunge la maturitate la mijlocul - a doua jumătate a secolului în opera arhitecților P. Lesko, creatorul Luvru, F. Delorme, sculptorilor J. Goujon și J. Pilon, pictori F. Clouet, J. Cousin Senior. „Școala Fontainebleau”, înființată în Franța de artiștii italieni Rosso și Primaticcio, care au lucrat în stil manierist, a avut o mare influență asupra pictorilor și sculptorilor menționați mai sus, dar maeștrii francezi nu au devenit manierişti, percepând stilul clasic. ideal ascuns sub înfățișarea manieristă. Renașterea în arta franceză se încheie în anii 1580. În a doua jumătate a secolului al XVI-lea arta Renașterii din Italia și din alte țări europene cedează treptat loc manierismului și barocului timpuriu.

ALBRECHT DUERER. PORTRET AL UNUI TATĂ

HANS HOLBEIN JUNIORUL. ANNA KLEVSKAYA

MATTHIAS GRUNEWALD. Aripa dreaptă a Retarului din Isenheim înfățișând Învierea lui Hristos. 1511–1516 Muzeul Unterlinden, Colmar, Franța.

Literatură

Danilova I.E. Arta Evului Mediu și a Renașterii. M., 1984
James P., Martin J. Toate lumile posibile: O istorie a ideilor geografice. M., 1988
Kosareva L.M. Imagini ale Universului în cultura europeană din secolele XVI-XVIII. – Cercetări istorice și astronomice. M., 1990. Problema. 22.
Virginsky V.S., Khotenenkov V.F. Eseuri despre istoria științei și tehnologiei din cele mai vechi timpuri până la mijlocul secolului al XV-lea. M., 1993
Voronina T.S., Maltseva N.L., Starodubova V.V. Arta renascentista in Olanda, Franta, Anglia. M., 1994
Gnedich P.P. Renaştere. Kaliningrad, 1995
Danilova I.E. Alberti și Florența. M., 1997
Losev A. F. Estetica Renașterii. Sensul istoric al esteticii Renașterii. M., 1998
Panofsky E. Renașterea și „renașterile” în arta Occidentului. M., 1998
Sokolov M.N. Eterna Renaștere: Prelegeri despre morfologia culturii Renașterii. M., 1999
Revyakina N.V. Omul în umanismul Renașterii italiene. Ivanovo, epoca 2000 Renaştere nu diferă...